VORAZ Festivales de Cine

FESTIVALES DE CINE EN ARGENTINA UNA PUERTA AL MUNDO

2007-03-01T11:38:00.000-08:00

María Fernanda Fernández Vila

Ya entrado el nuevo año, me pareció importante hacer un balance de lo que sucedió en nuestro país en el 2006 relacionado con los tres festivales, que a mi entender, son los más significativos en Argentina: el Festival de Mar del Plata, el único festival de categoría “A” en Latinoamerica; el BAFICI, el festival de cine independiente que tiene lugar en la ciudad de Buenos Aires, en el mes de abril y el Encuentro Cinematográfico argentino-europeo, que tiene lugar en una playa de nuestro país, Pinamar, en el mes de diciembre, y que fue creado hace tres años.

Los festivales internacionales de cine se han convertido en verdaderos circuitos de exhibición alternativos al cine del mundo, o sea aquél no producido por Hollywood. Los festivales de cine intentan, a través de sus programaciones, mostrar el riquísimo y amplio tapiz cultural conformado por la inmensa diversidad de miradas de realizadores de todos los confines del planeta. No sólo es importante lograr la mayor representatividad geográfica posible y reunir un gran número de películas, sino orientar la mirada de los espectadores, desde los expertos a los aficionados, para que encuentren expresiones acordes con sus intereses, en algunos casos, o se arriesguen a explorar estéticas diferentes, con formas y temáticas no convencionales.

La historia del FESTIVAL DE MAR DEL PLATA se remonta a 1954, cuando se presentara no de una forma de competencia, sino como una muestra en la que la cinematografía fue asumida particularmente en su calidad de “espectáculo”, y por eso se explica la notable presencia del estrellato mayor de la pantalla mundial, con figuras como los hollywoodenses Errol Flynn, Mary Pickford, Joan Fontaine, Walter Pidgeon, los italianos Gina Lollobrigida y Alberto Sordi y el español Fernando Fernán Gómez.

Impulsado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina –entidad privada- se realiza el segundo festival a partir del 11 de Marzo de 1959 que, desde esta edición, es reconocido como competitivo por la FIAPF, en su categoría de festival “A”, y esto sigue hasta el año 1966. Ocho años durante los cuales el festival expresaba culturalmente a un país que estaba a la altura de su tiempo. Ya, con un gobierno militar, y asumida la presidencia del festival por el Instituto del Cine, desde 1967 hasta 1970 se celebraron dos festivales en Mar del Plata, el del año 1968 y el de 1970. Este festival dejó de celebrarse entre 1971 y 1995 y recién en noviembre de 1996 se tomó la decisión de reinsertarlo en la vida nacional y así sigue hasta la actualidad.

El 21ro. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que tuvo lugar del 9 al 19 de marzo estuvo signado por importantes nombres de la industria, que se pudieron disfrutar ya sea en las películas de competencia con títulos de Terrence Malick (EL NUEVO MUNDO), Kim Ki-Duk (EL ARCO) y Werner Herzog (con su delirante LA SALVAJE Y AZUL LEJANÍA); en los excelentes actores y directores que se dieron cita para brindar sus “clases magistrales”, como el matrimonio conformado por Susan Sarandon (adorable papel en una comedia que ha estado en pantalla en nuestros lares el año pasado, ELIZABETHTOWN) y Tim Robbins (uno de cuyos últimos trabajos se ha visto en Latinoamerica, LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS, coproducido con el cine español), el realizador británico Michael Winterbottom (CAMINO A GUANTÁNAMO, CÓDIGO 46 con Tim Robbins, JUDE, con Kate Winslet), el neoyorkino Abel Ferrara (una de cuyas últimas realizaciónes, MARY, una controvertida historia involucrando al personaje de María Magdalena, fue presentada este año en este festival), el polaco Krysztof Zanussi (que también ejerció la presidencia del jurado de la competencia oficial) y el inglés warholiano Paul Morrisey ; y por último en las estrellas que acompañaron películas, como Juliette Binoche (que presentaba allí la película de Abel Ferrara y también CACHE, la del premiado en Cannes, Michael Haneke).

Las clases magistrales son una oportunidad única para que el público se encuentre frente a frente con artistas consagrados, directores o actores, y los pueda escuchar conversar acerca de la manera en que trabajan y el sentido que ellos dan a su obra. Son eventos gratuitos y abiertos a todo el público, dedicados a todos aquellos amantes del cine que disfrutan de las películas del Festival y que quieren acercarse a conocer en persona a quiénes hacen cine, cómo y por qué lo hacen. Siguiendo con el tema del público participante, él mismo tuvo un incremento de un 15%, llegando a los 140.000 espectadores, a pesar de que el número de salas de exhibición fue reducido de 18 a 12, pero el circuito que se armó fue mucho más efectivo.

Las películas exhibidas se agruparon en distintas secciones:

Oficial competitiva – Aquí me gustaría resaltar BORDER CAFE (“Café transit”), coproducción franco – iraní y la maravillosa historia de una mujer iraní, viuda y madre de dos niños, que lucha contra las tradiciones para salir adelante, un mosaico de personajes sumamente interesantes, muy bien retratados y actuados; CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS (un road movie brasileño, ambientado en ese país en la década del ´40 con un gobierno dictatorial y la relación entre un alemán y un local y su aventura de ir por los pueblos, proyectando un film publicitario y generando el primer contacto de esos pobladores con el séptimo arte); EDMOND (con la magistral actuación de William H. Macy, encarnando el descenso de un hombre hasta el propio infierno); KAMATAKI y un soplo de aire fresco en esta visión de la vida de un adolescente mezclando su origen canadiense y sus ancestros japoneses, con una impactante belleza visual y un relato “pacíficamente” construido; la australiana LOOK BOTH WAYS y el enfrentamiento cotidiano de varios personajes con la muerte en sus diferentes formas; MOLLY´S WAY, promisorio primer trabajo de la realizadora Emily Atef, nacida en Alemania y con un origen compartido entre Francia e Irán, que se dedica a relatar el viaje de una mujer en busca del amor y de un futuro mejor; y la mexicana NOTICIAS LEJANAS, un crudo relato de la vida de un joven de 17 años, que emprende un viaje de iniciación a la ciudad en un intento de romper con el círculo de marginación que rodea a su familia.

Sección oficial fuera de competencia y dos filmes sobre los cuales me gustaría dejar algunas notas: A COCK & BULL STORY, realización del reconocido Michael Winterbotton, sobre la adaptación de una obra maestra de la literatura inglesa, “The life and opinions of Tristan Shandy, Gentleman”, escrita por Laurence Sterne, que está ambientada en el siglo XVIII, pero que este director salpica con los esfuerzos desventurados de los directores de este siglo para trabajar con una obra así; y MARY, con una interesante actuación de Juliette Binoche, sobre la que hiciéramos referencia anteriormente, muy bien acompañada por Forest Whitaker, Matthew Modine y Heather Graham en esta historia que combina la vida de tres personajes con el de María Magdalena.

Heterodoxia: esta sección propuso para este año la exhibición de películas con estilos completamente radicales.

Homenajes y proyecciones especiales: aquí se destacaron, entre otros, los siguientes eventos: “Homenaje a los 20 años de la EICTV, San Antonio de los Baños Cuba”; la exhibición de la única película argentina ganadora de un Oscar, “La Historia oficial”; “Homenaje a la ley de cine” (sancionada por nuestro Congreso en 1994), “Homenaje a Ricardo Darín” (un reconocido actor argentino, visto en películas como “Nueve reinas” o “El hijo de la novia”),

La mirada interior: sección que intenta reflejar una gran variedad de ideas y puntos de vista; exponiendo la diversidad cultural y geográfica y las singulares cotidianeidades de quienes integran nuestro país.

La mujer y el cine: varias películas para tener en cuenta: la alemana, LA CANTATA DE HITLER (una película de música escrita en tiempos del Tercer Reich); la interesante realizadora, Sally Potter (conocida por ORLANDO) y YES, la historia de un apasionado amor entre una mujer americana y un hombre de Medio Oriente, con impecables actuaciones de Joan Allen & Simon Abkarian

Lo que vendrá – cortometrajes: una sección dedicada a la exhibición de cortometrajes en competencia y fuera de competencia. Disfruté intensamente CINEMA ARBOL, un corto de aproximadamente diez minutos, de origen cubano y una nostalgiosa historia del primer amor y del amor por el cine.

Punto de Vista: de esta sección he visto JOHANNA, una película de origen húngaro, dirigida por Kornel Mundruczo, que es una interpretación fílmica y musical de “La Pasión de Juana de Arco”.

Retrospectivas, que se dividió en “Panorama del cine africano” y una muestra dedicada al cine de un director argentino, José Martínez Suárez, conocido por películas como “Los muchachos de antes no usaban arsénico”. Del cine africano, me gustaría recomendar DELWENDE, LEVÁNTATE Y ANDA, una coproducción entre Burkina Faso, Francia y Suiza, sobre y la vida de una joven en una aldea rural, signada por la desgracia; y DOLE (coproducción entre Gabón y Francia y las prácticas de robos menores entre jóvenes para poder subsistir, algo muy conocido en nuestros países latinoamericanos);

América Latina XXI: para destacar MADEINUSA, coproducción entre Perú y España y la historia de una niña de 14 años que vive en un pueblo perdido de la cordillera blanca del país andino, profundamente sumido en sus convicciones religiosas. La aparición de un joven geólogo, proveniente de Lima, será la piedra que hace estallar la calma del lugar. Acabada interpretación de Magaly Solier como la joven protagonista. Nuestros hermanos chilenos presentaron en esta sección dos producciones: OBRERAS SALIENDO DE LA FÁBRICA, un cortometraje, premiado en otros festivales, realizado por José Luis Torres Leiva, y SE ARRIENDA, de Alberto Fuguet, una historia de contrastes, de amor y de sueños, que refleja el profundo cambio sufrido por Chile en los últimos 15 años.

Caloi en su tinta: es la primera vez que este festival tiene una sección enteramente dedicada al cine de animació y para ello ha convocado al mayor referente argentino en la materia, Caloi, que ha sido reconocido internacionalmente por su tarea de difusión del cine de animación de autor de todo el mundo.

Cerca de lo oscuro: aquí para remarcar una comedia adolescente, con un tratamiento muy inteligente del tema, IMPULSO ADOLESCENTE (“Thumbsucker”) y muy efectivas actuaciones de Tilda Swinton, Keanu Reeves, Vincent D´Onofrio, Vince Vaughn, Benjamin Bratt, acompañando al cast de jóvenes actores liderados por el protagonista, Lou Taylor Pucci. Una banda sonora para disfrutar.

Documental latinoamericano: esta nueva sección se funda en la posibilidad de poner en relación obras documentales argentinas con las creadas en el resto de Latinoamérica. Aquí Chile ha presentado NINGÚN LUGAR EN NINGUNA PARTE, del antes mencionado José Luis Torres Leiva, sobre una propuesta musical ambientada en el barrio “La Matriz” en Valparaíso.

Ventana documental: para esta 21 edición esta sección se propuso seleccionar trabajos que les permitieran abordar los más diversos cuestionamientos formales, sociológicos, políticos, artísticos, éticos, científicos o filosóficos.

Vitrina argentina: de aquí sólo llegué a ver MUJER SIN N DESTINO, toda una experiencia de aproximación a un cine alternativo, con una lógica implacable de fragmentación inarticulada, de explosiones musicales y de repeticiones obsesivas, y un relato sobre las tribulaciones de un personaje sólo apto para aquellos acostumbrados a ver un cine “completamente” diferente.

Los premios oficiales recayeron en:

Astor de Oro al mejor largometraje: NOTICIAS LEJANAS de Ricardo Benet (México)

Premio especial del jurado: MOLLY´S WAY (Alemania)

Astor de Plata al mejor director: Marco Martins por ALICE (Portugal)

Astor de Plata a la mejor actriz: Justine Clark por LOOK BOTH WAYS (Australia)

Astor de Plata al mejor actor: William H. Macy por EDMOND (Estados Unidos)

Astor de Plata al mejor guión: Sarah por Watt LOOK BOTH WAYS

Astor de Plata al mejor largometraje de Iberoamérica, compartido por CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS (de Marcelo Gómez, Brasil) y DERECHO DE FAMILIA (Daniel Burman, de Argentina)

Mención especial del Jurado, compartido por: BE WITH ME de Eric Khoo (Singapur) y CAFÉ TRANSIT

Cómo último apunte de este festival me gustaría mencionar El MERCADO DEL FILM DEL MERCOSUR (MFM)que, nace en el 2005, como una consecuencia lógica del éxito obtenido por la producción cinematográfica argentina y de los países que la acompañan en la conformación del bloque MERCOSUR, tanto por la calidad, como por la cantidad de sus obras. El MFM fue concebido como un espacio de encuentro para la concreción de acuerdos entre el MERCOSUR, América Latina, la Unión Europea y los Mercados Asiáticos. En él se ofrecen proyectos para generar un intercambio para el desarrollo y producción con otros mercados y abrir ventanas en la promoción, distribución y exhibición de películas en salas de cine, televisión abierta, cerrada y en formatos digitales. En este mercado pueden encontrarse, tanto las películas argentinas e iberoamericanas presentes en las diversas Secciones de la programación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, como aquellas que fueron inscriptas en forma independiente por sus respectivas empresas productoras en la Videoteca del Mercado. Toda esta producción audiovisual está representada por sus directores, productores, distribuidores y agentes de venta acreditados.

El 8vo. Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) que tuvo lugar entre el 11 y el 23 de abril convirtió a la ciudad de Buenos Aires en espectadora de una intensa programación artística que combinó lo clásico con las propuestas más vanguardistas. El saldo final de 234.200 participantes (214.200 espectadores y 20.00 asistentes a las actividades especiales), que significó un 27% de aumento en relación a la edición anterior hizo que esta muestra cumpliera con sus metas, que son: invitar a los vecinos de la ciudad a conocer múltiples maneras de hacer cine y también a tener acceso a otras realidades con la exhibición de filmes de distintas partes del mundo, reafirmando así el eje fundamental de este trabajo que es la promoción de la diversidad cultural, algo cumplido ampliamente ya que 49 países estuvieron representados en las 477 películas exhibidas (353 largometrajes y 124 cortos) y hubo 315 invitados internacionales de 38 países.

El festival este año también se abrió a nuevos públicos y así hubo propuestas especiales como las funciones en el Teatro Colón de la proyección de la copia restaurada de EL ACORAZADO POTEMKIN con música en vivo, y la instalación performática de Virginie Marchand en el Centro Cultural Recoleta titulado “Kazuo Ohno: Love on the beat”, en homenaje a este realizador japonés.

Existe también dentro del BAFICI un mercado, el BAL, mercado de proyectos de cine independiente latinoamericanos, que este año, en su tercera edición, recibió unas 200 aplicaciones, de las cuales 35 fueron seleccionadas. Durante las jornadas del BAL tuvieron lugar más de 250 reuniones con el fin de concretar posibles coproducciones.

A continuación algunos apuntes de películas que me parecieron interesantes y que agruparé de acuerdo a las secciones del festival:

Competencia:

AGUA de la argentina Verónica Chen y una opción estética exaltada hasta el virtuosismo para contar la historia de dos hombres cuyos destinos están marcados por la natación. Excelentes actuaciones de Rafael Ferro y Nicolás Mateo.

LA SAGRADA FAMILIA, una coproducción chileno-española, del joven realizador Sebastián Campos, y un inteligente planteamiento acerca de un tema muy espeso, la familia. Para el rodaje de esta película, Campos insumió unas 70 horas de rodaje y un trabajo de montaje de seis meses. El guión consistió en una descripción de las situaciones y los actores se basaron fundamentalmente en la improvisación. El realizador logró una perturbadora intimidad, siguiendo a sus personajes con la cámara de muy cerca.

SANGRE, coproducción entre México y Francia, ópera prima de Amat Escalante, nacido en España, pero de nacionalidad mexicana. La historia que narra es la de una rutinaria pareja, que pierde su anquilosamiento cuando aparece una hija de él y todo en la relación se desequilibria. Su estilo es brutal, preciso y conciso, ajeno a todo intento de empatía con los personajes a los que observa como insectos en un microscopio.

THE SHOE FAIRY: una estética muy impresionante para este trabajo coproducido entre Taiwan y Hong Kong, que comienza como un cuento de hadas, pero que en algún momento incursionará en otro género.

LA PERRERA: ópera prima del uruguayo Manuel Nieto, coproducida entre Uruguay, Argentina, España, Alemania, Canadá y Francia. Con un estilo lacónico, crudo, provincial, por momentos desprolijo y por otros luminoso, este largometraje habla de la mayoría de edad de cierto joven de la Banda Oriental, que trata de romper la monotonía del lugar con la televisión, la marihuana, la pornografía y la compañía de sus perros. Muy buena actuación del joven Pablo Alexandre y un papel muy interesante para el argentino Martín Adjemián, actor argentino, fallecido el año pasado.

ALMA MATER: coproducción entre Uruguay y Canada, dirigida por Alvaro Buela. Una cajera de un supermercado, reprimida y gris, cambiará su vida, cuando experimente una revelación que no alcanza a entender. Se contrasta el ritmo tranquilo y el acercamiento naturalista a los personajes con una historia surreal, que contagia a cada escena con un tono entre místico y onírico.

Panorama:

A TALE OF CINEMA (“Un cuento de cine”): coproducción entre Corea del Sur y Francia, del realizador Hong Sang-soo (el de “Woman is the future of man”, presentada en el Festival de Cannes hace un par de años), en la cual el cine no es un mero pretexto argumental, sino que la mirada sobre él como apareciencia se ha vuelto más intensa, auto-reflexiva, llevando al límite la distancia entre la vida cotidiana y la que se ven en una pantalla.

LUCY, del alemán Henner Winckler, y su capacidad de observación detallista para contar el drama de una joven madre soltera que quiere buscar un futuro mejor para ella y para su hijo.

BELHORIZON: coproducción entre Bélgica, Francia, Luxemburgo y Suiza, y la ópera prima de la realizadora belga Inés Rabadán que pone en el tapete el odio que se puede engendrar en las relaciones entre diferentes clases sociales.

EL MASAJISTA: ópera prima del realizador filipino, Brilliante Mendoza, que nos enfrenta a la cruel realidad que viven los trabajadores del erotismo.

CITIZEN DOG del realizador tailandés Wisit Sasanatieng, es básicamente una búsqueda del amor, pero con un particular estilo de este director, que sostiene casi todo su filme sobre la base de una imaginación visual desbordante que le permite edificar en el espectador no sólo una sensación de sorpresa creciente, sino también de alegría irreprimible.

En Foco:

Del realizador lituano Sharunas Bartas vi FREEDOM, donde tres traficantes de drogas, huyendo hacia la costa occidental de Marruecos, creen haber salvado su vida. Como en sus otros trabajos, los lugares nunca existen como espacios en los que es posible asentarse, sino más bien que se trata de reductos transitorios, inhóspitos o decadentes, a los que se llega después de un camino enigmático, que prosigue una vez que el film concluye, como si el director en vez de contar historias en el orden canónico, tomara a sus personajes en el medio de dos momentos que no forman parte de su relato.

De Jean-Claude Biette, uno de los más importantes realizadores franceses de las últimas dos décadas, que mezcla un estilo muy hollywoodense con un muy importante aporte del cine francés, y que logra filmar trabajos como EL HONGO DE LOS CÁRPATOS, una tragedia nuclear que se entromete en la vida de una cantidad de personajes protagónicos y secundarios.

TOUTES CES BELLES PROMESSES del director francés Jean-Paul Civeyrac, muy poco conocido en Latinoamérica y de su particular manera de convertir algunas pérdidas en la forma ideal para recomponer la vida de su personaje protagónico. Con toques oníricos, tiene ciertas influencias del cine del chileno Raoul Ruiz.

KEANE del realizador británico Lodge Kerrigan, cuyo estilo es a veces comparado con el de Mike Leigh o los hermanos Dardenne. Una excelente actuación de Damian Lewis protagonizando a este hombre desesperado en busca de su hija desaparecida.

El realizador checo, Jan Svankmajer utiliza diversidad de materiales y técnicas (actores, muñecos, collages, dibujo, arcilla, objetos, entre otros) para expresarse. En FAUST, el célebre protagonista se pierde en un laberinto donde se entrelazan tiempos, estéticas, sueños y realidades.

Las películas premiadas fueron:

Competencia Oficial internacional

Mejor película: EN EL HOYO (de Juan Carlos Rulfo, México)

Premio especial del jurado: SEHNSUCH (“Longing”) de Valeska Grisebach (Alemania)

Competencia Oficial Argentina

Mejor Película: GLUE – HISTORIA ADOLESCENTE EN EL MEDIO DE LA NADA de Alexis Dos Santos (Coproducción entre Argentina y Reino Unido)

Premio especial del Jurado: SOLEDAD AL FIN DEL MUNDO de Fernando Zuber y Carlos Casas (Coproducción entre Argentina e Italia)

La película chilena LA SAGRADA FAMILIA ganó el premio Signis (Asociación Católica Mundial para la Comunicación) a la mejor película.

Pasemos ahora al último festival de año que tiene lugar en Argentina, PANTALLA PINAMAR en su tercer edición, que tuvo lugar entre el 9 y el 16 de diciembre pasado. Es un encuentro de cine, organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), a través de su Consultoría de Festivales y Relaciones con Europa, y por la Intendencia Municial de Pinamar, a través de su Secretaría de Turismo y Cultura y tiene auspicio del Instituto Cultural del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. Este año este evento fue distinguido con la declaración de “Interés nacional” de la Honorable Cámara de Diputados de la Nación, ya que su objetivo es promocionar conjuntamente a la producción nacional y de las cinematografías del Viejo Mundo, y además de los invitados nacionales, se cuenta con la presencia de autoridades, directores, productores y actores de distintas procedencias europeas. Los organismos extranjeros que apoyan a este evento son el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales de España (ICAA), Unifrance Film International, la Asociación Nacional de Industrias Cinematográficas y Audiovisuales de Italia (ANICA), el ICAM de Portugal, German Films, Swiss Films, el Festival de Málaga (España), el Consorcio Audiovisual de Galicia (España), la Oficina Cultural de la Embajada de España y el Servicio Audiovisual de la Embajada de Francia.

En este evento también seguiré con la táctica de remarcar algunas películas de acuerdo a las secciones en las que se ha dividido esta muestra:

Y el ganador es...: aquí participan largometrajes argentinos, ya estrenados o por estrenarse, que entre el 1ero. de noviembre del 2005 y el 31 de octubre del 2006 concursaron en la competencia oficial, o ganaron algún premio en cualquier apartado de los festivales cinematográficos internacionales clasificados como “Clase A”. Los títulos más interesantes aquí presentados fueron: AGUA (ya comentado en el apartado BAFICI), CRÓNICA DE UNA FUGA (comentada en su oportunidad desde Cannes, ya que estuvo compitiendo en ese festival), DERECHO DE FAMILIA (otro efectivo trabajo del realizador Daniel Burman, que sigue la línea de sus anteriores trabajos, “Esperando al mesías” y “El abrazo partido” en un sensible y personal retrato de un hijo y un padre en camino a invertir sus roles, con excelentes actuaciones de Daniel Hendler, Julieta Díaz, Arturo Goetz y Adriana Aizenberg), EL CAMINO DE SAN DIEGO (de Carlos Sorín, al que se lo recuerda por “La película del rey”; “Historias mínimas” y “El perro”, que esta vez sigue a un joven de Misiones, una de las provincias del noreste argentino, fanático de Maradona, que decide viajar a Buenos Aires para rendirle tributo a su héroe caído), EL CUSTODIO (de Rodrigo Moreno con la excelente actuación de Julio Chávez, recientemente premiado en el Festival de Berlín por este trabajo, encarnando al custodio de un Ministro de Planeamiento, en una película que trata acerca de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la del otro, y las presiones que ésto implica).

Hoy es mañana, sección de películas argentinas y europeas no estrenadas en nuestro país, de las cuales recomiendo DÍAS DE CAMPO (del chileno Raoul Ruiz, recordado por trabajos como “El tiempo recobrado” y siguiendo con su preocupación por la interpretación del tiempo y la memoria, la ficción y la realidad, en su primer película chilena, en realidad coproducida con Francia, en los últimos 30 años, aquí aborda la vida de un supuesto novelista, que no sabemos si nos habla desde el reino de los muertos, o para ser más preciso desde el mundo de los recuerdos), FUGA (una coproducción argentino – chilena, ópera prima de Pablo Larraín, protagonizada muy eficazmente por dos actores, jóvenes, pero de trayectoria reconocida en nuestros países, Benjamín Vicuña y Gastón Pauls, y la historia de una melodía y de cómo un hombre, intenta escapar de ella, mientras que otro, desesperadamente, quiere hacerla propia. Una propuesta de una estética visual y sonora muy interesante), LA MEJOR JUVENTUD (una producción de televisión, de la RAI, muy ambiciosa, que dura seis horas, cuyo realizador, Marco Tullio Giordana, utiliza la reconstrucción de la historia familiar de dos hermanos para abordar la historia italiana de las últimas décadas. Vale la pena perder seis horas de la vida para verla), y SUSPIROS DEL CORAZÓN (coproducción argentino-española dirigida por Enrique Gabriel, con unas muy eficaces actuaciones de un elenco donde se mezclan nuevos actores y otros de reconocida trayectorias, entre los que se destacan Roger Coma, María Dupláa, Osvaldo Bonet, Alejandro Awada, Henny Trayles, Ana María Castel, y Horacio Dener, entre otros. Una historia de amor atrapada en el nostálgico mundo de las fotonovelas),

Un día, un film...: películas europeas sin distribución comercial asegurada en Latinoamérica, de las cuales me gustaría resaltar: ALICE, del portugués Marco Martins (que como comentara anteriormente fue premiada en el Festival de Mar del Plata del 2006, y un crudo relato de un padre, cuya hija desaparece misteriosamente. La atmósfera que crea el director es impresionantemente asfixiante y todo un logro la actuación del protagonista Nuno Lopes), CUANDO LLEGUE MI HOMBRE (coproducción suizo-alemana, dirigida por Oliver Paulus y Stefan Hillebrand, desgarradora historia de cómo una mujer puede intentarlo todo para lograr el amor y “sucumbir” en el intento), ENDIABLADAMENTE ENAMORADO (del director suizo Peter Luisi, y protagonizada por el actor argentino Pablo Aguilar, desde hace muchos años residente en Suiza, llega esta desopilante comedia) EL PEQUEÑO TENIENTE (del realizador francés Xavier Beauvois, este policial negro narra la vida de un joven, recién salido de la Academia de Policía, que llegará a París para integrarse en la Segunda División de la Policía Judicial y se enfrentará con los peligros y la rutina de su nuevo trabajo), LA SEGUNDA NOCHE DE BODAS del realizador italiano Pupi Avati (un adorable relato ambientado en Italia, ya terminada la Segunda Guerra Mundial y la historia de amor de un hombre, frágil de mente, con bastante dinero, y que se dedica a desactivar minas, y una mujer, casi al borde de la prostitución, que es “manejada” por su hijo, un verdadero buscavidas), y MATER NATURA (drama italiano, dirigido por Massimo Andre, y las desventuras de Desiderio, un transexual napolitano con poca suerte en el amor).

Lo mejor del Festival de Málaga: Películas ganadoras en la edición 2006 de ese festival entre las que se destacan BIENVENIDO A CASA (inteligente comedia del director español David Trueba, recordado por “Soldados de Salamina” y las eficaces actuaciones de Pilar López de Ayala, Alejo Sauras como protagonistas jóvenes, acompañados por Ariadna Gil, Juan Echanove y Jorge Sanz, LOS AIRES DIFÍCILES (un terrible drama, del estilo al cual nos tiene acostumbrados este realizador español, Gerardo Herrero, con anteriores películas como “Malena es un nombre de tango”, “Territorio Comanche”, “Las razones de mis amigos”, “El misterio Galíndez” y “Heroína”, presentada en ediciones anteriores en Pinamar)

Tributo a Carmen Maura (actriz española de prolífica carrera y de un pasado y presente almodovariano), y la brillante comedia REINAS, que disfruté muchísimo, donde comparte cartel con actrices excelentes como las españolas Verónica Forqué, Marisa Paredes y Mercedes Sampietro y la argentina Betiana Blum.

Selección “Raíces” (películas que han sido realizadas con la ayuda del programa “Raíces”, que fue pergeñado a mediados del 2002, por una iniciativa del INCAA, proceso que culminó en el 2003 con la firma de un acuerdo entre Argentina y la autoridades visuales de España y de las comunidades autónomas de Andalucía, Canarias, Cataluña, Galicia, el País Vasco y Valencia y que fue vigorizado en el 2004 con la suscripción de un acuerdo entre nuestro país, Cataluña y Galicia para crear un fondo económico específico como punto de partida para apoyar proyectos cinematográficos concretos. El 21 de enero del 2005 se creó el “Fondo Raíces”) Se exhibieron LA VELOCIDAD FUNDA EL OLVIDO del argentino Marcelo Schapces con una excelente actuación del joven actor Nicolás Mateo, premiada su labor en este film en el Festival Internacional de El Cairo, de este año, en un relato fascinante y conmovedor sobre la identidad, la memoria y el olvido; y UN FRANCO, 14 PESETAS, una deliciosa comedia dramática, ambientada en Europa en la década del ´60 que narra las aventuras de un grupo de españoles que tratan de mejorar su futuro, yéndose a trabajar a Suiza. El director es el español Carlos Iglesias y la historia que cuenta es la de su propia vida. Muy buenas actuaciones de Carlos Iglesias, Javier Gutiérrez, Nieve de Medina e Isabel Blanco.

... Y nada más que la verdad (documental argentinos y europeos), donde pude apreciar CUADERNOS DE CONTABILIDAD DE MANOLO MILLARES, un trabajo del español Juan Millares Alonso y la reconstrucción de los años de infancia y juventud de este artista canario, integrante de su familia, para tratar de encontrar las raíces del profundo sentido dramático, casi trágico, de la pintura de Millares.

La noche americana y la experiencia casi “religiosa” de ver RETRATO DE UNA PASIÓN, sobre la vida de la enigmática fotógrafa norteamericana, Diane Arbus, con excelentes actuaciones de Nicole Kidman y Robert Downey Jr.

La hora de los chicos y el sorprendente dibujo animado español, GISAKU, con unos impresionantes efectos visuales.

También tuvo lugar un programa especial de cortometrajes argentinos, presentados por la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), dependiente del INCAA, que fuera creada en 1965.

Los ganadores de esta edición de Pantalla Pinamar, que fueron elegidos tanto por el público como por la crítica local y que se llevan el Premio “Balance” fueron: el de Oro para CRÓNICA DE UNA FUGA, el de plata para DERECHO DE FAMILIA y el de bronce para EL CAMINO DE SAN DIEGO.

Otro detalle muy positivo del encuentro de este año fue que el número de espectadores pasó los 20.000, superando ampliamente los 18.000 de la edición correspondiente al 2005.

Espero que las impresiones vertidas sobre estos tres encuentros de cine hayan sido de utilidad y que refuercen la idea de la importancia de la cooperación internacional en el área de la cultura.

Me despido hasta el próximo encuentro.

BASES 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007

2007-01-08T17:35:00.000-08:00

BASES 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007

LAS OBRAS RECEPCIONADAS QUE NO CUMPLAN CON LAS CONDICIONES GENERALES DE PARTICIPACIÓN Y LOS REQUISITOS DE PRESELECCIÓN NO SERÁN INSCRITAS Y SE PROCEDERÁ A SU DEVOLUCIÓN.

1.- FECHA DEL CERTAMEN
Tendrá lugar en las Comunas de Pirque, Puente Alto y La Pintana, los días 18-19-20 y 21 de Abril de 2007.

2.– OBJETIVO
Realizar un Festival de Cine y Video para fomentar la creación y Producción audiovisual de realizadores nacionales, extranjeros y estudiantes de colegios de Chile. Que permita, ofrecer un espacio de difusión y discusión de las geografías postergadas por la hegemonía de los medios, junto con promover la producción audiovisual y cultural de cada pueblo.

3.– ORGANIZADORES
El Festival de Cine de Las Ideas es organizado por LA PRODUCTORA OJO INDISCRETO YEL FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS

4.- CATEGORÍAS DEL CERTAMEN

4.1.- CATEGORIA PROFESIONAL

Cortometraje
Competencia oficial para películas que desarrollen el género ficción, realizadas en cualquier formato, de duración máxima 30 minutos incluidos los créditos.

Documental
Competencia oficial para películas que desarrollen el género documental, sin restricciones de formato de realización ni duración.

4.2- CATEGORIA AFICIONADOS

Competencia oficial para películas que desarrollen el género ficción y documentales, realizadas en cualquier formato, de duración máxima 30 minutos incluidos los créditos.

4.3- CATEGORIA ESTUDIANTES

4.4- CATEGORIA ESTUDIANTES DE INTEGRACIÓN

Competencia oficial para videos que desarrollen el género ficción o documental realizadas en cualquier formato, de duración máxima 3 minutos incluidos los créditos y que sean realizados por alumnos con discapacidad física y mental de Colegios de Chile (solo participarán trabajos sin editar, es decir, realizados en un plano secuencia). Para esta categoría se realizará un taller de video en el cual los alumnos podrán comprender el concepto de plano secuencia. Las obras realizadas en este taller serán seleccionadas para ser parte de la competencia oficial.

5. - TODAS LAS OBRAS EN COMPETENCIA DEBERÁN SER PRESENTADAS EN VERSIÓN ORIGINAL EN ESPAÑOL

6. - CONDICIONES GENERALES DE PARTICIPACIÓN:

Podrán participar aquellas obras terminadas a partir de enero del 2005

Las obras recepcionadas para la competencia, en las distintas categorías, serán preseleccionadas.

Para participar en cada una de las categorías los realizadores deberán enviar una copia en formatos DVD o VHS, norma NTSC, habladas o subtituladas en español, para la etapa de preselección. Además deben incluir lo siguiente: fotografías de la película, sinopsis argumental, ficha técnica y datos completos del director.

Las cintas en DVD y VHS (NTSC), para la etapa de preselección, deberán ir dentro de una caja o estuche, cuya portada contenga la siguiente información: categoría en la que participan, título de la obra, nombre del director, año de producción, duración, país de origen, datos y contacto.

Las películas y videos clasificados para la Competencia Oficial deben ser representados por un profesional directamente relacionado con la obra (director, productor o actor).

7. - LAS PELÍCULAS QUE PARTICIPEN EN EL 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007, EN LA CATEGORÍA PROFESIONAL DEBERÁN POSEER NIVEL BROADCAST (ESTÁNDARES TÉCNICOS DE NIVEL PROFESIONAL).

8. - LAS COPIAS A EXHIBIR DENTRO DE LA COMPETENCIA OFICIAL DEBERÁN PRESENTARSE EN ÓPTIMAS CONDICIONES DE PROYECCIÓN.

9. - JURADO:

- Estará formado por personalidades del medio audiovisual, de las artes y la cultura.
- Estarán inhabilitados de formar parte del jurado personas directamente relacionadas con las obras en competencia.
- Existirá un jurado para cada una de las categorías en competencia.
- El jurado de la competencia Estudiantil, será el propio público y se realizará a través de votación en cada sala.
- El jurado de la pre-selección no será el mismo de la competencia final
- La decisión del jurado es inapelable

10. - PREMIOS

El 1° Festival de Cine Festival de cine de Las Ideas otorgará los siguientes premios.

CATEGORIA PROFESIONAL (1 premio por formato)

Cortometraje
Premio a mejor película cortometraje.

Documental
Premio a Mejor Película Documental.

CATEGORIA AFICIONADOS (1 premio por la categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental.

CATEGORIA ESTUDIANTES (1 premio cada categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental en Plano de Secuencia.

CATEGORIA ESTUDIANTES DE INTEGRACIÓN (1 premio por la categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental en Plano de Secuencia.

NOTA: El 2º Festival de Cine de Las Ideas 2007 entregará a cada uno de los ganadores premios en dinero, especies y/o servicios, dependiendo de los auspicios otorgados por empresas e instituciones para tal efecto.

11. - INSCRIPCIÓN DE LAS PELÍCULAS EN COMPETENCIA:

- La inscripción de una obra en la categoría profesional, aficionado y escolar supone la aceptación de este reglamento.

- Las obras recepcionadas que no cumplan con las condiciones generales de participación y los requisitos de preselección no serán inscritas y se procederá a su devolución.
- Para casos no previstos en estas bases, su adscripción será determinada por la dirección del certamen.

12. - FECHA DE INSCRIPCIÓN Y ENVÍO DEL MATERIAL

Los materiales deben ser enviados a la siguiente dirección: Ilustre Municipalidad de Pirque, Avenida Concha y Toro N° 02548 a Nombre del 2° Festival de Cine de Las Ideas2007.

Para mayor información contáctate con nosotros a través de e-mail: contacto@cineideas.cl? o con nuestra página web: www.cineideas.cl
Teléfonos: (56-2) 493 53 31 853 17 82 08-33884 23 08-621 80 51

La ficha de inscripción, el material en formato DVD o VHS (NTSC), así como toda la información requerida para la preselección, se recepcionarán hasta el día Viernes 23 de Marzo de 2007 hasta las 17:00 hrs. como PLAZO MÁXIMO.

La selección de películas y videos será informada por teléfono, fax o e-mail a su inscriptor a partir del 03 de Abril de 2006.

Los formatos de proyección son:
VIDEO : Mini DV, DVD y VHS
Sólo se aceptarán copias en video en norma NTSC.

13. - TRASLADO DE LAS COPIAS

Los gastos de envío de las obras, tanto para la preselección como para la Competencia Oficial serán de responsabilidad del inscriptor. La organización del certamen sólo se hará cargo de la devolución de éstas.

14. - SEGUROS DE LAS COPIAS:

El certamen no se responsabiliza por los daños o pérdidas ocurridas durante el traslado de las copias.

En caso de daño grave o pérdida durante el Festival, y mientras esté en su poder, la organización responderá por el costo de reposición de la copia, siempre y cuando esta situación sea notificada durante el certamen.

15. - LA DIRECCIÓN DEL CERTAMEN SE RESERVA EL DERECHO DE FLEXIBILIZAR CIERTAS RESTRICCIONES FORMALES CUANDO LA SITUACIÓN ASÍ LO AMERITE.

16. - TODAS LAS COPIAS EN FORMATO DVD y VHS ENVIADAS PARA LA PRESELECCIÓN QUEDARÁN DEPOSITADAS EN LA VIDEOTECA DEL FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS, PARA FINES DE DIFUSIÓN CULTURAL Y PROMOCIÓN DEL CERTAMEN.

INSTRUCCIONES PARA LLENAR FORMULARIO DE INSCRIPCION

El siguiente formulario te permite inscribir tus realizaciones audiovisuales para nuestro certamen. Una vez que hayas puesto todos tus datos, puedes enviarlo a nuestra dirección, con el fin de tenerlo como antecedente de tu participación. Después de la recepción mandaremos el respectivo acuso de recibo, pero es muy importante decirte que el trabajo inscrito debe ser enviado a la brevedad para formar parte de la preselección, conforme a las bases respectivas de nuestro festival. Todas las notificaciones o cualquier comunicación lo haremos vía correo electrónico, fax, teléfono o correo ordinario, con el fin de que no nos desconectemos de lo más importante... tu participación. Puedes encontrar la ficha de inscripción en www.cineideas.cl

2006-08-27T14:27:00.000-07:00

Festival de Cine de Valdivia 2006:
"El Niño" y "El Hijo"
La humanidad menos profunda
Texto: Juan Pablo Fernández

Aquí la reseña a la historia da lo mismo. A nadie le importa el conflicto, nisiquiera a los personajes. "L'Enfant" (El Niño) y "Le Fils"(El Hijo) son películas de superficie y personajes que se dejan estar. Las historias de los hermanos Dardenne son grandes y repetitivos sistemas viciosos.

"El Niño" se trata sobre un padre joven que vende a su hijo recién nacido y con eso condena su matrimonio y, por extensión, su vida. "El Hijo" se trata sobre un padre que ha perdido a su hijo a manos de un joven delincuente que ahora, años después del delito, ha llegado a trabajar en su taller de carpintería. La primera es una película de un tipo que no sabe redimirse y la segunda es la de uno que no sabe vengarse.

Porque Jean Pierre y Luc Dardenne, los directores, instalan y manipulan personajes que son víctimas de la inercia de sus frágiles destinos. Y los siguen desde lo más cerca que pueden situando la cámara en los lugares en que se muestran más vulnerables, donde se les distinguen los poros y los reconocemos como víctimas de su falta de voluntad.

El ojo se centra en el espacio de los cuerpos de sus personajes, de troncos desganados y que caminan en piloto automático. En estas historias no hay madurez ni revancha, hay pura piel y costras. Profundamente tristes, estas dos películas forman parte de un cine tan austero que transforma su cinematografía en humanidad.

Transamérica

2006-08-24T13:32:00.000-07:00

El Festival Internacional de Cine de Santiago 2006 [SANFIC] ha sido una interesante oportunidad para revisar, agrandes rasgos, el panorama cinematográfico de los último años a nivel internacional. Entre los estrenos que se presentaron este año, cabe destacar la comentada película norteamericana Transamérica [USA, 2006], escrita y dirigida por Dunkan Trucker.

Se trata de la historia de Bree [Felicity Huffmann], una transexual que esta a días de someterse a una operación de reasignación sexual, mediante la cual pasará a ser una mujer desde el punto de vista genético. Pese a tener una formación universitaria, Bree vive en un modesto barrio de Los Ángeles y tiene dos trabajos que le han permitido ahorrar el dinero suficiente para sufragar los gastos que implica esta ansiada operación. De pronto, recibe una llamada desde una cárcel de Nueva York preguntando por el padre de Toby [Kevin Zegers], un adolescente encarcelado por tráfico de drogas. Consternada, Bree descubre que Toby es el fruto de una esporádica relacional heterosexual que mantuvo en su época universitaria, cuando aún era un hombre. Bree intenta ignorar esta situación y seguir concentrada en su operación. Sin embargo, su terapeuta al enterarse de esta situación, le sugiere que enfrente su pasado y condiciona el permiso legal para autorizar su operación al encuentro con Toby. Bree va a buscarlo a Nueva York y emprenden juntos un viaje de regreso a Los Ángeles, un viaje donde ambos se irán descubriendo en sus debilidades, sus frustraciones y sus emociones.

La película pretende contar una historia de un modo secuencial. Dunkan Trucker dice que decidió filmar Transamérica como una road movie, pues pretendía contar la historia de un padre y un hijo con el telón de fondo de una América y sus americanos comunes y corrientes. Sin embargo, la debilidad de la película radica principalmente en este punto, pues se trata de una película muy resuelta, que pretende un final concluyente para una historia que desde el principio está desencajada.

Se trata de un padre que intenta negar su paternidad durante toda la película, pero que, a la vez, pretende apoyar y modificar algunas conductas de este hijo rebelde que recién ha descubierto. Paralelamente, se cuenta la historia de un adolescente con serios problemas de personalidad, adicción a las drogas y dificultades para relacionarse con adultos de una manera distinta a la sexual. Sin embargo, este conflicto adolescente y real pasa a un segundo plano, y se insiste en la historia del padre y el hijo que se reencuentran, sin conocerse finalmente. La película pudo haber profundizado un poco más en ciertos conflictos que sólo se atisbaron, sin embargo el director Dunkan Trucker declara que hubo mucho cuidado en que la película no fuera demasiado subversiva para la cultura americana. Se entiende, de esta manera, que mucho temas hayan quedado abiertos y que el final haya pretendido mostrar la felicidad compleja de una típica familia norteamericana.

Fabiola Garay

"A PERFECTC COUPLE" Francia a la Ozu

2006-08-13T12:11:00.000-07:00

El tema de los planos secuencias es una abundante búsqueda en el cineasta de hoy en día. Da complejidad técnica, artística y un gran espacio de movilidad al actor para que desarrolle su papel sin un "corte" cada 10 segundos. Por lo general se suele familiarizar este tipo de operación con la cámara en mano que sigue a los personajes en todos sus desplazamiento. Por otro lado, el uso del off es otro formalismo que se utiliza en el cine moderno, ya que el exceso de información no hace más compleja la obra, sino que la unilateraliza en muchas ocasiones. En esta película se unen estos dos conceptos en uno y se genera un film de no más de 35 planos, con una duración de una hora y 50 minutos aproximadamente. El uso del plano general en trípode, de la búsqueda de dos planos en el mismo cuadro, colores apastelados, pintados por un realismo pictórico, de composiciones en movimiento y de escenas que se movían en su interior (objetos-actores) y no en su exterior(cámara). El uso del off como un elemento importante en una conversación; no es lo mismo tratar una converasción con un plano contra plano que solo mirando a uno de los personajes; y además el uso del silencio en off que ya parece la exacerbación máxima de la incomunicación al espectador pero que produce un efecto lúdico y frío al mismo tiempo son temas que trata el film.

La película trata a una pareja que viaja desde Lisboa a París, para el casamiento de unos amigos, y que luego de 15 años de matrimonio se van a divorciar, pero arriendan una habitación juntos, separados por una puerta. En un comienzo parecen estar relajados con la situación e incluso bromean, pero luego la densidad sicológica comienza a jugar un papel importante y la incomunicación más la soledad es el tema a tratar. Es aquí donde se une lo que dije en un comienzo con la película. Las operaciones mencionadas no sirven en cualquier obra, pero en una que trata de la incomunicación es lógico que se juegue con el público a no darles información. Una puesta en cámara a lo Ozu, fría y distante y casi sin ningún movimiento, en la mayoría de los casos con planos larguísimos y con el uso del jump cut trastocado por una negro de un segundo entre el antes y el después, como para enfriar aún más la situación. Película de diálogos ocultos, en qué hablan de una cosa para hablar de otra (lo contrario a Windows), en dónde se ve al hombre y a la mujer como seres necesitados de amor, por un miedo a la soledad más que por un deseo de estar con el otro. Muy a lo francés, llega a producir ese aburrimiento reflexivo en que el tiempo pasa y uno pareciera estar mirando un cuadro de pintura y nada se mueve pero de alguna manera todo continúa sin qué sepamos qué es. Gran ambiguedad narrativa y con personajes tratados con desprecio, no hay mirada más fría que la que no interviene. En esta película nunca se intervieve.

"Windows" resentimiento panfletario

2006-08-13T11:40:00.000-07:00

Aquí vamos de nuevo con el iraní Shoja Azari, el mismo de "K". Nuevamente esperanzados en su cine fragmentario. Esta vez: nueve historias, todas tratadas como plano sucuencia, y con el pie forzado de una ventana de por medio. Todo esto para develar la triste realidad americana hoy en día, con temas como: el alcoholismo juvenil, al amor juvenil, la familia estrezada, el trato a los musulmanes, el estrez aboral, la violencia en la calles o la pedofilia intra familiar. Recargado de un diálogo obvio, de lugar común y demasiado informativo, en donde el espestador debe escuchar para entender y el juego de los planos secuencia pasa a ser nada más que un registro repetitivo, que acompaña la información, de una cámara que va y viene de un lugar a otro, pero sin ese goce novedoso que producía Godard en películas cmo "Vivir su vida". En algunos casos Azari lo lograba más que en otros. Ya lo habíamos visto con K, su apelación a explicar la historia con diálogos y a enfatizar en el panfleto hacía de cada uno de sus módulos un juego en dónde podíamos adivinar el final y en muchas ocasiones "achuntarle", porque el lugar común abundaba, casi tanto como en los diálogos. Película para mostrar en el colegio, para enseñarle a los jóvenes los males de la sociedad moderna, con una complejidad tan baja como un simple mensaje que además (en muchos de los casos) un personaje lo dice.

Son nueve, hay algunos que funcionan más que otros, y es justamente en aquellos dónde la cámara se instala fría y muestra desde un adentro hacia un afuera, como debía ser, con una mirada voyerista y de dos situaciones, una al interior y otra en el exterior. Pero por lo general miraban desde afuera hacia dentro con la ventana como un simple ojo enjuiciador que mira la "realidad" americana, pero esta realidad es tan falsa y poco verosímil que aburre y cae en las obviedades más típicas de programas como "Pasiones" (en algunos casos) y no estoy exagerando.

Película resentida con la sociedad americana, los temas quizás sí son interesantes, pero para tratarlos de otra manera. No quiero juzgar nueve cortos de la misma forma, pero uno queda con la sensación de que la poética del director va más por ese panfleto, y eso molesta y quita tiempo. Los módulos que menos se sabe de qué hablan, son los más interesantes. Los que se saben educadores son realmente molestos por su lectura única, realmente única.

MUTUAL APRECIATION, música abùlica.

2006-08-12T16:12:00.000-07:00

Como un pequeño Cassavetes en busca de una intimidad perdida en el cine, Andrew Bujalski aparece con Mutual Apreciation filmando una generación que ya está lejos del maestro. 16mm b/n y un par de amigos, cerveza y un poco de música, caminar un poco, conversar y tratar de sobrevivir sin mucho esfuerzo, es el escenario activo de nuestra generación abúlica y cansada, con la aletargada estabilidad de la duda y la inseguridad. Con Cassavetes hay movimiento y violencia, gritos y explosiones internas que se exteriorizan compulsivamente entre calma y caos, generando contrastes emocionales que parecen un circo frente a la generación enmudecida de Bujalski. La simpleza de planos y reducción de espacio mantiene encerrados a los personajes en la cotidiana necesidad de decir algo sin importancia pero entre gestos de derrumbes que no vemos caer, se desdicen con un si y un no que valen lo mismo. Insisto, identificado, que esta generación corresponde a nuestro tardío nihilismo que ni siquiera tiene seguridad de aquello, aferrándose a unos valores ocultos que no son extrapolables ni tampoco muy funcionales. Amigos que ni siquiera tienen fuerzas para la traición donde toda palabra dicha es la acción que no se hará, mantienen la triste calma de no saber cuál es la respuesta adecuada para emociones imposibles de leer. Es interesante el montaje como forma enfática de esto, porque siempre salta al punto de escucha, muestra constantemente a quien escucha y no quien habla, mostrando reacciones y gestos inseguros para palabras que dicen poco, por lo que cada cara produce risa y cada decisión parece ridícula. Como un W. Allen adormecido y el deambular de Jarmusch, Bujalski camina entre un hiperrealismo idealizado pero profundamente conectado con el tiempo de una generación cansada en busca de una humilde sinceridad. De lo mejor de SANFIC.

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.

2006-08-12T13:29:00.001-07:00

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.
Miguel Angel Vidaurre.

Fernando Pacheco, "el suicida", matador de toros famelicos en la región Maya del sureste de México. Figura atrabiliaria que combina la obsesión de gallardia bizarra propia de los hidalgos con la aniquilación personal de los herederos de un imperio perdido en el tiempo.

La cámara de Carlos Armella y Pedro Gónzalez-Rubio registra con minuciosidad los movimientos de Pacheco, sus borracheras, las fanfarronadas de machito duro, sus trizaduras de adolescente curtido. Trazando una estrategia de trabajo al estilo del cine verite o del documental de observación - aquellas utopias entusiastamente ingenuas que pretendian captar lo real sin intervenir en él e incluso negar la producción de este mediante la presencia catalizadora de la cámara- ambos directores mexicanos nos permiten impudorosamente contemplar su vida por algunos minutos, su vida mostrada, instalada para los otros, en donde de vez en cuando se logra filtrar la represencia de lo informe, aquel trozo irreductible de la vida.

Toro Negro nos enfrenta a un México soterrado, alejado de sus balnearios repletos de turistas embobados en tequila y a sus ruinas convertidas en respetables nichos de cultura, aca surge la dureza maldita del México de Rulfo y la fascinación etilica y suicida que va desde Malcom Lowry a Buñuel. "El matador" Fernando Pacheco se gana la vida en ruedos patéticos y lidias de malamuerte, en ocasiones se disfraza de mujer y como un payaso trasvestido corre por la improvisada arena tras desfallecientes vacas que lo único que intentan es no caer muertas por inanición.

Borracheras que se extienden por años, relaciones amorosas que culminan a golpes y reconciliaciones imposibles con sabor a tequila barato; pequeños vastagos que deambulan entre gatos y perros callejeros, amistades masculinas que rozan la homosexualidad al tiempo que constituyen instancias de incipiente homofobia. La constante presencia de una violencia física arbitraria y alcoholizada construye una enrarecidad atmosfera en torno Pacheco sus acompañantes, trazando una línea invisible de formas agresión sin posibilidad de lenguaje que fatalmente nos hermana.

Es posible que uno de los mejores logros del documental es instalar - pese a todo los elementos adversos- a un personaje capaz de conformar una imagen de si mismo tan patética como digna, tan aborrecible en ocasiones como querible en otras. A fin de cuentas Toro Negro permite vislumbrar por algunos segundos la complejidad de lo humano, sin grandes juicios morales o consecuencias sociologicas.

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.

2006-08-12T13:29:00.000-07:00

MANDERLAY ¿Por qué le aceptaremos todo a Lars Von Trier?

2006-08-12T12:16:00.000-07:00

Es verdad, el danes nos tiene acostumbrado a sorprendernos con películas de bajos presupuestos(a primera mirada), muy astutas desde el punto de vista comercial y también desde su concepción artística. La pregunta es, ¿cuándo nos cansaremos de sus extravagancias? ¿Será cuando nos decepcione o simplemente nos cansaremos de su constante juego de hacer cine? Es verdad, no hay nadie que se le comparé en estos momentos en sus lúdicas formas. Y hay que decirlo, pareciera que Von Trier busca, en muchas de sus películas, la forma de hacer cine clásico sin que lo parezca, un cine clásico disfrazado de modernidad, donde finalmente el disfraz toma bastante más fuerza que la narrativa. Es el mejor ejemplo para analizar el cine de hoy, la narrativa de su cine se sustenta en las operaciones que utiiza, ese mismo guión dirigido de una forma más típica sería una película que ya hemos visto, aunque hay que tomar en cuenta también sus morales retorcidas. En verdad, da muchísimo de qué hablar.

Es una película de época, con diálogos bastante informativos, con personjaes voluntariosos por una causa, con gansters, poker, voyerismo, que habla de política en términos directos, melodramática por dónde se le mire, pretenciosa en cuanto a temáticas (la esclavitud y el racismo), con un narrador en off de cuento infantil(casi todas características del cine más añejo de hoy en día); y asi y todo no deja de darle más capas al cine, más que de repetirlas. Lo mejor de todo, es que sorprende y llega en lo emocional, en lo intelectual y en lo visceral. Será que ya puede hacer lo que quiere o qué sabe hacerlo, creo que sabe hacerlo. Finalmente incluso llega a ser una película para todas las personas, porque se pude agarrar desde cualquier lado. O sea, es tan astuto en su concepción que hace lo más extraño, primero, agarrado de una estructura aristotélica e indesarmable y, segundo, no piensa solo en un tipo de público, sino que la gama es muy amplia y para todas las edades (recordemos que parece cuento infantil).

La película trata sobre Grace (la misma tan abapuleada en Dogville), ahora no interpretada por Nikole Kidman, quien intenta sacar de la esclavitud a los negros de Manderlay, casitgando a la aristocracia blanca, y de cómo estos y la sociedad no están preparados para un cambio. Toca temas como la democracia, el comunismo o el paternalismo, todos llevados a situaciones límites y exageradas, dejando en claro que nada es tan bueno como parece y aún más, siempre hablando con un discurso que continúa vigente y que parece tener dejos de ambiguedad bastante más altos que el de películas ambientadas en la actualidad y que tratan solamente de política. Nos pone en aprietos a cada momentos con situaciones límites y nos damos cuenta de que siempre hay un pero, y ese pero es la violencia. Es una película de personajes que se enjuician, que se dividen, con un pensamiento individual antes que el colectivo, y en dónde lo podemos ver todo(no hay paredes en las casas).

Al igual que en Dogville continuamos con el "teatro filmado", el escenario teatral es la escenografía, con los capítulos y con la estructura clásica de guión. Pensaba que al danes se lo aceptabamos todo debido a que siempre traía una estructura totalmente nueva en cuanto a cinematografía, pero ahora se repitió el esquema y hay que decirlo, no deja de ser novedoso repetirlo. ¿Si hay mas de 2000 películas filmadas de la misma manera porqué no van a poder haber dos distintas con una similar estructura? Con esto nos damos cuenta que Von trier no es solo juego (si es que alguien seguía convencido de eso), porque sus películas no solo juegan dentro de sí, hay un juego con el espectador constantes desde el punto de vista moral. Los valores se van diluyendo, las situaciones van ganando y genera una película ambigua, no por pararse desde fuera y no juzgar, sino que está tan dentro de la película que nos muestra ambos lados y se entienden los dos, y finalmente es el poder el único que puede decidir. Dan ganas de odiar a los negros, asi como hubo que odiar en Dogville. Uno desea un vuelco moral como aquel, pero siempre nos da menos que lo obvio (que finalmente es más). No deja de jugar con nuestros valores y los pone en crisis constante. Atraviesa el cine en sus dos direcciones direcciones, el auto reflexivo y que reflexiona sobre la sociedad.

Todos quieren hacer películas de época, pero no hay plata, Lars Von Trier se las arregló con poco e hizo dos, y viene la tercera. Es tanto lo que puede lograr que en un momento en el cine se prendieron las luces por unos cinco minutos y la película corría y llegué a creer que eran instrucciones del danes. Si finalmente le aceptamos cualquier cosa, lo disfrutamos y nos quedamos con ganas de terminar la zaga completa.

EN EL HOYO, El Mexico de hoy, no desde MTV

2006-08-11T11:30:00.000-07:00

Podrá parecer texto repetido, pero los documentales que van en búsqueda de un no saber qué resultan bastante más interesantes que aquellos que tienen tema y direcciones pre establecidas. No significa que el documental auto-reflexivo sea el único que pueda entrar en las búsquedas de un siglo XXI, que es de dónde tenemos que saber estamos parados. Pero sí tiene que ver con la manera de aboradar las temáticas y de cómo son finalmente ellas mismas las que se van abordando solas y nos encuentran, de una manera menos juzgada que cuando las insertamos a la fuerza.

Este documental tiene un tema de entrada, pero termina siendo una mera excusa para hablar de la sociedad mexicana desde sus obreros. Un gran puente carretera será construído en Ciudad de Mexico y esto será registrado por Juan Carlos Rulfo (Fotografía- dirección-producción y guión e hijo de el escritor de Pedro Paramo) quien intentará, también a modo de pre texto, hablar de la leyenda que dice que el diablo se lleva, a cambio de que el puente no se caiga, almas de los trabajadores. Finalmente el documental nos muestra el Mexico de clase baja, nos saca de los íconos de ese país MTV, o de aquel tan místico como lo es para los seguidores de Castañeda y las culturas Aztecas. Aquí está el de hoy, desde sus trabajadores. Y no hay una mirada paternalista, mucho menos sentimentalista, sino que hay una cámara que registra desde su trabajo, desde las alturas en donde están los obreros, como acompañándolos en su trabajo y casi sin estorbarlos. Es un documental en dónde se habla de amor, sexo, política, religión y clases sociales. Todo desde autoridades mínimas que en muchas ocasiones hacen que lo dicho tenga más lecturas que cuando lo hace una real autoridad en la materia. Con un tono naturalista, en dónde las tragedias ocurrían y la cámara grababa mientras los "personajes" ayudaban al dañado; realmente en momentos parecía ficción (de la que juega a ser documental) y daba para reflexionar en cuanto a las reacciones de las personas ante echos dramáticos. Cómo el sentido del humor continúa, cómo la situación no se roba todo un sentimentalismo, cómo el hombre no reacciona de manera automática, como muchas veces vemos en las películas.

Ocupa un estilo metonímico y ocupa un sector del puente sin importar cuál, sí importan sus personajes, que terminan siendo unos 4, los más importantes. Registro, entrevistas sobre temas diversos y, lo mejor, honestidad de parte de los entrevistados, por lo que nos encontramos con frases notables como "Ayer aparecí en la prensa por golpear a mi vieja, pero solo le partí el labio, la vez pasada la dejé de ojos cerrados" o "conozco arquitectos, médicos e ingenieros. Todos estudian para robar". Esto sin que el documental tenga una misión de revelar a un grupo social ni una mirada de protesta. Es interesante el grupo que toma, ya que uno lo relaciona con su cultura y se da cuenta cómo la de obreros tiene mucho que ver con el imaginario de la que hay aquí. Juguetones, voyeristas, maestros chasquillas, esforzados y amantes del alcohol entre otras características.

Otro tema a tocar es su fotografía, hay un ojo del camarógrafo increíble para mantener la cámara fija y no moverla con esa moda "moderna" de que mientras menos se contemplé mejor. Además hay usos de Time laps con movimientos de cámara, que le dan al documental una carga técnica y estética bastante importante. Tiene cosas de Koyaanisqatsi, incluso en los time laps ocupa música ochentera, pero aquí hay un tema detrás por lo cual no es belleza por belleza, como el video arte-documental de la trilogía Qatsi. Finalmente nos muestra el porte del puente, no es más chica que La Costanera Santiaguina, realmente impresiona el exceso.

Documental de varias capas, bastante social pero sin juicios detrás. Que se va armando con el paso del tiempo. Entretenido, sin una mirada pretenciosa y que se aleja mucho de lo que se espera de ante mano: ver al hijo de Rulfo hablando de mitos y jugando a ser su padre desde el audiovisual, auque sí hay una búsqueda de la memoria colectiva del pueblo mexicano, pero sin pretenciones muy grandes, debido a que el grupo elegido no le entregó eso, sino otras cosas y se acomodó, astutamente se acomodó.

EL HIJO

2006-08-10T14:36:00.000-07:00

En los últimos años nos ha tocado ver, y en algunos casos sufrir, al nuevo cine francés. De tiempos tan lentos y de sucesos tan mínimos, muchas veces con un tratamiento sicológico-intelectual que cansa y produce tedio, y que en casos se repite de película en película. Un estilo muy marcado y quizás, en algunos casos, agotado. En este caso la película se cuelga de este cine y se va moviendo en acciones muy cotidianas, pero ahora el peso que llevan los personajes justifican en gran medida el no avanzar de la película. Es un film que se mantiene en el tiempo, en el cual el conflicto no se va agudizando porque va avanzando, sino que se va acumulando a medida que avanza el tiempo, por lo contrario: por que pesa dentro de los personajes como un secreto que no quiere ser develado.

"El hijo" es de esos filmes en donde no se nos informa qué ocurre. En los que debemos esperar y especular durante un rato quiénes son, qué hacen y qué relaciones tienen desde el pasado estas personas. En términos narrativos; un hombre que trabaja con mádera, y que enseña a jóvenes a trabajar con ella (en términos fundamentalmente de construcción) recibe a Francis que viene saliendo de la cárcel por asesinato. La relación entre el tutor y el asesinado es muy cercana y con este secreto se vive un viaje extenso entre ambos en búsqueda de madera. De diálogos cortados, silencios extensos y una cámara en mano reflexiva que filma en casi todas las ocasiones como plano secuencia se genera una película fría. En un ambiente europeo pesado y de la clase media-baja. El echo de los planos largos y cerrados hace que los actores y sus rostros sean fundamentales, y su actuación se acentúa en gran medida por los silencios y las acciones que realizan paralelamente, más que por los diálogos.

Es una película pesada, de conflictos inresueltos, de problemas no conversados. En donde a cada intento de ser resuelta se queda en lo mismo, como si por inercia el trabajo fuera más importante que el pasado o si hubiera un miedo interno de afrontar las cosas. Con un mensaje social bastante difuso, con una moral que va cambiando con el tiempo. En donde nadie es juzgado y el espectador puede mirar desde fuera esta relación en base a echos concretos que son solo mostrados, a modo de documental.

Fría, inresuelta, de sonido directo constante y bastante pesado, sin música en ningún instante. Es una película con textura de madera, húmeda, áspera y poco simpática. En dónde tan solo un secreto y una verdad van jugando, lo más interesante, sin generar grandes cambios en las relaciones. Finalmente lo más importante se resuelve, pero el tono continúa, el cambio es interno y el trabajo sigue. Como si todo pudiese quedar oculto en el fondo de sus estómagos.

ALMA MATER; existencialismo de niños

2006-08-10T14:25:00.000-07:00

Alma mater parecía en un comienzo ser una película de humor negro y simple, de personajes complejos y cotidianos y solitarios, de un naturalismo decadente en el Montevideo desolado y no turístico. A modo de referencia, tenía dejos de "Whisky", pero le duraron solo un par de minutos. Luego cayó en su juego de trama líneal, con un conflicto demasiado "importante" para la época (una mujer se siente llamada por Dios, pero luego descubre que puede ser el mismo diablo) y con cuotas del sentimentalismo más típico de una teleserie chilena.

Será posible que en el 2005 se haga una película de una mujer estereotipo de la bondad moderna; tímida, buena gente, buena trabajadora, virgen y perteneciente de una iglesia evangélica; y que sea poseída por el diablo para vivir la tentación de vivir lo que viven los demás. Parece básico, y digo básico porque parece ser la trama de un cortometraje de básica. Y esta película no es mucho más que eso, no utiliza eso como un elementos de comedia, sino que lo trabaja seriamente, como tema social importante. Mensaje moral del siglo XVIII. El drama se vive de manera fría, al momento de encontrarnos con la vida cotidiana de la mujer, pero cuando nos vemos enfrentados a sus sueños todo cambia y la película toma un tono iluminador, develadora de una verdad y casi mística. Quizás su mayor gracia sea tomar un personaje como ese (trabajadora de un supermecado) para una temática tan clásica como la que tiene el film.

Es el concepto de la historia mínima, llevada a la historia máxima, pasando por un manual de guión sin retoques. Con plots, villano y mentor muy definidos. Y para que hablar del cambio Pamela(la protagonista), que pasa desde un extremo hasta otro, y peor aún, en este caso es desde la tímidez absoluta(BIEN) hasta el ego absoluto(MAL). Siguiendo con sus clacisismo, el mal se presenta como un personaje vestido de negro, con gorro de cine policial y con frases tales como "vas a caer en la tentación" regalándole el vuelto a la cajera, la cual lo toma y se lo lleva para casa, pero rato después nos enteramos de que nadie más vio a tal personaje y que es sólo fruto de la imaginación de la protagonista. Luego este mal pasará a ser una doble personalidad de la misma, mientras un travesti se convierte en su mentor y le enseña la nueva vida. Además la protagonista empieza a creer que está embarazada y se nos hace intuir ( de manera casi explicita) que quien lleva puede ser el salvador del nuevo milenio, por lo cual comienza a buscar un padre para el pequeño. Para la comedia una trama delirante y astuta, pero el tratamiento la guía hacia el existencialismo que pueda vivir Pamela. Esto sumado a canciones con líricas referentes a la película (algunas de ellas religiosas) y diálogos extensos que llevan información sobre la trama a cada momento. Imposible perderse.

El ser humano es bastante más complejo, y no hay que ser un genio para sobrepasar esos conflictos. Alma mater se queda en la nada, siendo que en su país le ganó uno que otro premio a Whisky, cartel con el que venía al festival.

DUMPLINGS

2006-08-10T12:10:00.000-07:00

DUMPLINGS: ABYECTOS PLACERES.
Miguel Angel Vidaurre.

Dumplings opera como una singular máquina de repulsión y seducción en donde ninguno de los extremos parece coincidir ni repeler al otro. Una fabula pequeña que roza el moralismo se encarna en una refinada puesta en escena que conmueve y paraliza el juicio. A diferencia de un filme politico o de intenciones redencionistas, Dumplings se alia con la fascinación por lo perverso y lo ofrece con un encanto indiscutible. La imaginación macabra tan favorecida por el espiritu decadentista del siglo XIX y encabezada por los prerrafaelistas y sus caprichos bellos hasta el kitsch, parece encontrar de manos de Fruit Chan y de la fotografia de Christopher Doyle a dos buenos aliados a su causa : la estetización de lo innombrable.

Cuando una actriz obsesionada por mantener su belleza se vincula a una cocinera para poder consumir dumplings rellenos con carne de fetos humanos que provocan el efecto de rejuvenecimiento buscado nos encontramos frente a una trama que tiene un innegable poder de atracción. Toda ruptura de los tabues nos situa frente al placer de poder contemplar por algunos instantes el espacio de lo prohibido, la zona de los deseado pero no permitido, una rasgadura del velos que nos permite husmear con despreocupada soltura por estratos mentales vetados para la cotidianeidad.

La combinación entre los elementos vinculados a lo macabro y la superficie de tintes melodramaticos otorgados por Doyle - su marca indiscutible ganada en los filmes de Wong Kar Wai- constituyen la estretegia formal propicia para la irrupción de lo abyecto; como aquello vetado por la moralidad cotidiana y permitido en la ficción gracias a la capacidad seductora de los materiales.

La simple suma de fabula grotesca con puesta en escena de tono brutalista o nuestro habitual "criollismo sucio", no produce necesariamente un aumento de la potencia de las imagenes, e incluso puede llegar a rebajar el nivel de intensidad, por otra parte la tensión entre los aspectos macabros de una historia y su encarnación en formas delicadas que parecen pertenecer a otro registro dramático y que provocan un subito aumento de la intensidad de las imagenes.

Dumplings se instala como una fabula siniestra en el sentido de los cuentos de Ambroise Bierce, o en el cinismo elegante y cortante de los aforismos de Cioran, formalmente refinada, morosamente editada y moralmente ambigua. El placer que emana de ella es similar a la atracción del abismo fabulada por la imaginación romantica y al enamoramiento necrofilo de los escritores góticos. El escollo moral es superado por la atracción formal, el triunfo estético de lo perverso es indiscutible.

LOMAX the songhunter, reflexiones sobre el registro(del FOLK)

2006-08-09T20:53:00.000-07:00

El cine tiene una relación interna y demasiado cercana, cuando intenta ser reflexivo, con el tiempo. Con el tiempo como un concepto que no deja de ser nisiquiera cuando ya pasó, y esto es fundamentalmente por la relación imagen-conciencia-recuerdo y de como todos estos conceptos están siendo al momento que son presentado. Por lo tanto el cine le debe al tiempo su auto reflexión. ¿Qué pasará entonces con la música? ¿tendrá integrada esta idea también? siendo que puede ser interpretada una y otra vez por sus creadores u otros, aunque por otro lado también puede ser grabada y re leída otra vez por un auditor ante exactamente el mismo objeto de referencia. Pero qué pasa cuando la música nació una vez y no fue registrada, aquella murió y se desvaneció, incluso para sus creadores, hasta que se les vuelve a recordar de su obra anterior.

Este es uno de los temas a tratar en Lomax, documental en el cual un viajero va en busca de los inventores de canciones folk de los años cuarenta, las cuales fueron rescatadas por por Lomax en aquella década. Pero éste, ahora está con una enfermedad mental y no puede dar entrevistas, por lo cual el documental habla de él al buscar la gente que éste anteriormente había grabado. En palabras más simples, un documentalista visual va a encontrar a los ahora ancianos inventores de canciones Folk que fueron anteriormente registrados por un documentalista sonoro (y en casos visual). Finalmente la retrospectiva nos lleva a identificarnos más con los ancianos, a los cuales, luego de tantos años les llevan su obra pasada e improvisada con el fin de que recuerden y re creen esa situación, hablando de las actitudes de Lomax y volviendo, en casos, a interpretar la música que ya habían grabados.

El viaje cruza Europa (Gran bretaña- España e Italia) y además nos lleva a Estados Unidos, por lo que es una gran gama de estilos musicales con la que nos encontramos. Casi todos improvisados y algunos de ellos apoyados por un archivo visual que realmente causa algo en el espectador. Es impresionante como el celuloide impacta y gana más cuando es un archivo documental, que cuando es ficticio y está expuesto perfectamente. En este caso, al igual que en la película de Godard, marca pautas, estados de ánimo y verosimilitud que hacen ganar a la película en términos tanto formales como de complejidad en la espacialidad temporal en la que se instala.

Es un documental que reflexiona sobre la música, el cine y de cómo el arte varía con el paso de los años. Por lo cual tiene claras reflexiones sobre el tiempo y de cómo éste es solo uno, y uno bastante desfigurado y poco líneal en la mente humana. Recuerda mucho al documental de Wenders "The soul of a man", pero en este caso no es Nick Cave, Lou Reed o Beck los interpretes actuales, sino que los mismos viejos que años anteriores los inventaron.

Finalmente la intención del documental es hablar de Lomax y de lo que ayudo su registro en el pasado para la historia de la música negra en estados unidos ("El jazz es para la elite de estados unidos" se reclama en alguno de los archivos), y de cómo hoy por hoy es un hombre decadente y enfermo, pero se va desplazando por el viaje y por los viejos a los que encuentra Rogier Kappers, el documentalista, y así se va abriendo sin alcanzar a cerrarse de una manera clara.

Rápidamente Me and You and Everyone We Know.

2006-08-09T15:55:00.000-07:00

Miranda July dirige y cumple un rol protagónico en este film independiente, creando un mundo no completamente original del suburbio norteamericano pero si más estilizado e idealizado irónicamente. Personajes a lo Todd Solonz pero llevado a una comedia más ligera y no de impacto social (en sentido de mostrar algo oculto en el ciudadano medio), sino buscando una intimidad exteriorizada que ritualiza la rutina de aquel ciudadano. Todo personaje se muestra en su excentricidad al mostrar acciones que no representan una “locura contemporánea”, sino más bien como una materialización de pensamientos y sensaciones internas sin carga moralizante. Toda la cotidianeidad está llevada a la ceremonia, la nimia rutina llena de carencias en todas las edades hacen de cada acontecimiento una especie de ritual que da trascendencia a la vulgar vida del ciudadano medio, encontrándose con una mistificación del presente que siempre, agradecidamente, es llevado a la parodia de sí mismo, incluso como una parodia esperanzadora de las películas de suburbio decadentista.
Por una parte comedia triste preciosista y por otra decadencia de vidas aferrándose a cualquier cosa buscando sentido o trascendencia, pero siempre auto conciente e irónica frente a su estructura. Por ejemplo, un bello elemento en la evolución de esta historia coral es su juego de simulación, donde ningún personaje cumple realmente con el arquetipo asignado, todos retroceden ante un rol que no les pertenece; el pedófilo realmente no lo es pero juega a serlo hasta avergonzarse, niñas promiscuas e inseguras reculan antes del esperado desenlace sexual y todo conflicto nunca es llevado hasta el límite sin retorno, sólo simula situaciones que no serán consumadas, o más bien finalizan desenmascarando los arquetipos y dejándonos con simples personas que no saben qué hacen ni por qué pero simplemente tienen que relacionarse con otros, asunto tristemente realista. Quizás el único personaje que mantiene esta idealización de sí mismo es el interpretado por la directora, haciendo de video artista sensible y pueril que no retrocede hasta obtener lo que quiere, tal vez por ser quien presente mayores carencias, aunque se llena quizás demasiado de “momentos lindos”, aunque que creo son realmente ironía. Es una película más graciosa que otra cosa, pero de humor inteligente y profundamente coherente con el tinte emocional del film, triste, dulce, absurdo y cotidiano.

Monogamos sucesivos; vergüenza ajena.

2006-08-09T13:10:00.000-07:00

Llevar a imágenes la palabra no es un asunto ilustrativo que reafirma una noción general de un texto, sino una búsqueda en imagen con autonomía poética, evidentemente porque entre imagen y palabra hay un abismo que no se llena con sonido. Por ejemplo, un poema escrito no tiene una representatividad visual correspondiente, ni se logra escuchando una lectura de éste sobre la imagen, porque son lenguajes independientes que muestran cosas distintas y producen sentido a partir de estructuras diferentes donde cualquier cambio de forma cambia el contenido. Lo que se ha hecho con Monógamos Sucesivos es una ridiculez tanto como cine y poesía (lírica), donde la palabra de Gonzalo Rojas se junta (pero nunca se funde) con imágenes que pretenden mostrar algún tipo de relación con la obra del poeta, pero jamás pasan de la más burda e infantil manera obvia y ordinaria de ilustrar algo, cayendo y recayendo en la cursilería más barata. Por ejemplo, mientras escuchamos un poema que habla del amor, mujer y erotismo… se muestra una mujer en la puesta de sol desnuda hasta que llega un negro y se la tira “poéticamente”, es decir suave y juguetonamente. Así sucesivamente por muchos lugares conocidos (monumentos nacionales de varios países y demases postales), entre parejas que se hacen gestos y luego van a la cama. Se intercala con la menos interesante entrevista a Gonzalo Rojas y Volodia Teitelboim mientras Tamara Acosta hace gestos de estar muy interesada en lo que ambos dicen. Nada más, y es peor de lo que parece. Ningún punto de vista aparece más que la perogrullada de la supuesta universalidad del poeta. Créanme que basta con diez minutos y la “creatividad” se acabó. Realmente un documental sin ningún sentido, apenas cumple con lo básico del género: documentar, porque personas desnudas en diferentes lugares ya hay demasiado. Hay que ser exageradamente ingenuo para creer que recitar unos poemas va a hacer profunda una obra cinematográfica. Se nota un completo desconocimiento del lenguaje, una vergüenza para el financiamiento estatal, también incapaz de comprender que el tema no hace la película. Me despido con rabia desde SANFIC luego de ver la peor obra chilena realizada jamás por la pretensión más chanta que he vista acá (también vi un trozo de la uruguaya Alma Mater). Chao.

NOTRE MUSIQUE: EL FILME TENTATIVO.

2006-08-09T10:11:00.000-07:00

NOTRE MUSIQUE :

FILME TENTATIVO.
JEAN.LUC GODARD. 2004.

"PIERROT LE FOU NO ES REALMENTE UNA PELICULA, ES UNA TENTATIVA DE HACER UNA PELICULA Y SE PRESENTA COMO TAL" (J.L.G)
Miguel Angel Vidaurre.

Aun se mantiene vigente la opinión de Susan Sontag en torno a la filmografia de Godard : "La película se concibe como si fuera un organismo vivo; no tanto como un objeto sino más bien como una presencia o un encuentro...". Nada se instala como definitivo, acabado o resuelto, la forma cerrada es absuelta por la noción especulativa del ensayo y el aforismo. El filme es pretexto para una especulación, una fanfarronada moralizante o un ejercicio dialectico en torno al sentido del plano contraplano.

Desde sus inicios Godard se ha instalado como apostillador y maestro en un mismo movimiento. Filmando los pies de pagina de la historia del cine, o anotando en los margenes sus comentarios. Cine desde las orillas, cine como se pueda, en el sentido del Buñuel mexicano. Junto con Marker son las voces del cine frances, los off permanentes, sin contar a Bresson, los monólogos susurrantes, despiadados y cartesianamente astutos que han caracterizado una cinematografia nacional en donde se tensiona la linea entre la producción de guardarropia del llamado cine de calidad y la descontrucción sistemática- fatigosa y fastidiosa en ocasiones en opinión de Cabrera Infante - de la estirpe godardiana.

NOTRE MUSIQUE se concibe como un nuevo acercamiento a ese universo moral y cinefago que constituye el personaje Godard. Con un montaje inicial de diez minutos en donde se combinan imagenes de Sarajevo - la problematica nuclear del filme - con secuencias de filmes que van desde Ivan el Terrible hasta El Beso de la Muerte, desde Eisenstein y la academia sovietica hasta Aldrich y el cine B norteamericano. El infierno de Godard se concibe como un repertorio de imagenes en donde el criterio de división ontológica ha sido disuelto.

Su purgatorio posee las cualidades del mundo frances, escritores, poetas, cineastas, instalados en un lugar en disolución - Sarajevo - intentanto iluminar la oscuridad embrutecedora de la guerra. Bibliotecas destruidas, busquedas de reconciliación entre antagonistas intestinos, una muestra de la pedagogía godardiana frente a un grupo de jovenes, intentando revelar los hipercodificados senderos de la imagen contemporanea. Humanismo crítico que adormece mi mirada, un pequeño sentimiento de verguenza en ese grupo turistico de intelectuales sufrientes.

El paraiso me permite alejarme de Godard - este maestro que fastidia en ocasiones - como lo último de Antonioni me permite recuperar la palabra para referirme a su obra y desplazarse del frío entusiasmo academico, y comprobar que finalmente Godard prosigue en la tentativa de realizar filmes, por lo tanto realizando pruebas, errando en ocasiones, acertando con lucides en otras, permitiendome escapar a su intencionalmente debil fuerza de atracción y verificar la eficacia de su estrategia.

"K" cuando se olvidaron de Kafka

2006-08-08T21:39:00.000-07:00

El director Shoja Azari se presenta con dos películas este 2006. Ésta, adaptación libre en 3 historia a kafka; y windows, nueve historias con el pie forzado de una ventana. Al parecer un amante del cine fragmentario, pero, aunque está película tenga esta característica, solo se queda en eso. La película tiene a una serie de personajes que viajan por 3 espacios (3 cuentos distintos de Kafka), todos atemporales, y que llevan una extrañeza constante y nos lleva a recordar en algunos momentos a David Lynch sobre todo por el tratamiento sonoro. La diferencia esta en que Lynch instala una normalidad para luego romperla con echos fantásticos sin ninguna explicación y sin simbolismos de por medio, algo claramente kafkiano; mientras Azari instala todo en un espacio sin tiempo claro, en donde no hay ninguna noción de equilibrio, por lo que las rarezas que proponen terminan siendo obvias y cansando, ya que van una tras otra. Por otro lado, la película está filmada, claramente, en base a los canones de cine negro y expresionista, sin ninguna nueva búsqueda, por lo que los cliches en cuanto a montaje, planos y, en casos, hasta situaciones, son costantes. Y en esto la actuación cae aún más ondo, con personajes de una sobre actuación altísima (aunque claramente es una propuesta) y el exceso de diálogo explicativo, poético y moral van llenando la película de una pretención reflexiva y existencial, acerca del mundo, que no alcanza a reflejarse. Por lo que no fue raro escuchar de muchos de los espectadores el tema de que fue muy pretenciosa, algo que molestó.

Quiso ser demasiado "artístico", ambiguo e intrigante, pero toda esa ambiguedad se va agotando al momento en que todo lo que sucede es extraño y además tiene explicación con diálogos extensos y que alargan las secuencias de manera gratuita. Por otro lado hay un humor extraño al interior de la película, pero que no se sabe si es de adrede o no, porque a momentos parece parodia del cine negro más clásico de Holliwood, en otros la puesta en escena y el vestuario se ven precarios, además de una extraña movilidad en el personaje principal, que dista mucho en la actitud de los demás. A fin de cuenta, una película extraña.

Sin duda el primero es el que más puede llegar a impactar, por ser el iniciador, y segundo ya que el personaje principal va perdiendo protagonismo con el paso del tiempo, lo cual es una propuesta interesante. Es aquí donde mejor se ve la película, en esa extrañeza de poner a los mismo personajes de las historias anteriores, con las consecuencias de la historia anterior, pero partiendo desde cero. Lo cual lleva al espectador a entrar en una confusión de qué es lo que ocurre, y con la cual plantea una reflexión acerca del tiempo, la imagen y las opciones de narrativa al interior del cine.

Pero, por otro lado, el uso de flash back con previo aviso y con cierre claro, e incluso con voz en off explicativa desgasta la película y la hace envejecer. Sobre todo si pensamos que es Kafka quien tenemos atrás, a quien creo, no se le hubiera pasado por la mente aquel recurso, como buen padre del fantástico de fenómenos sin causas claras y en donde los espacios temporales se van entre mezclando, más que separándo por una línea de tiempo unitaria. Es por esto que K no le da una lectura muy moderna al escritor y se queda en su intenció narrativa y en ser "rara", pero no por eso deja mucho que reflexionar, ni tampoco entretiene. Intenta en momentos de copiar a modo de calco, secuencia de Welles, colores de Welles, el vestuario de welles, y puestas en escena del mismo, e incluso el actor tiene un leve parecido al director de "El proceso".

Las búsquedas están( a veces lograda, otras no) lo cual es algo rescatable, pero están añejas, lo cual es algo ingenuo. Nos queda esperar por "Windows", una película del 2006, hay que tener en cuenta que "K" es del 2002.

EQUIPO VORAZ EN SANFIC 2006

2006-08-08T12:59:00.000-07:00

2006-06-01T07:56:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 11 - 01 de Junio
Por María Fernanda Fernández

Bueno, amigos, ya instalada nuevamente en Buenos Aires, tratando de acomodarme a la rutina diaria y volviendo a la vida sin glamour, nos encontramos frente a este último reporte y el momento de analizar las premiaciones. El ganador de este año, el británico Ken Loach, que obtuvo la Palma de Oro por THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY, es uno de mis directores favoritos y sobre el cual he realizado el trabajo final de mis estudios de crítica de cine. Estamos frente a un realizador infatigable y combativo que, por primera vez, logra este primer premio en el Palais. En dos ocasiones anteriores, 1990 con AGENDA SECRETA y 1993 con COMO CAÍDOS DEL CIELO, había logrado los Premios del Jurado. Con casi 40 trabajos realizados tanto para la pantalla chica como para el cine, Loach se ha convertido en el paradigma del director preocupado por las problemáticas sociales y políticas con películas sobre conflictos tan diversos como los de Irlanda, la Guerra Civil Española, la inmigración ilegal en los Estados Unidos o la revolución sandinista en Nicaragua.

Los otros premiados fueron:

Gran Premio para la francesa FLANDRES

Mejor guión para el español Pedro Almodóvar con VOLVER, que era uno de los firmes candidatos para llegarse el primer premio.

Mejor director para el mexicano Alejandro González Iñarritu por BABEL, otra de las grandes candidatas, que recibió este premio de las manos del genial Tim Burton. Otra distinción para esta película fue el premio otorgado por el Jurado de la Comisión Superior Técnica de la Imagen y del Sonido a Stephen Mirrione por su trabajo de montaje.

En relación con los premios para los mejores actores, tanto en mujeres como en hombres, la particularidad fue que se otorgaron no individualmente, sino a los protagonistas de dos realizaciones, tal es el caso del mejor actor para INDIGENES (con Jamel Debbouze, Samy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila Y Bernard Blancan; y para las actrices de VOLVER, Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y Chus Lampreave, quiénes dedicaron esta distinción a Almodóvar, como un merecido reconocimiento.

El premio del jurado fue para Red Road de la británica Andrea Arnold, y la importancia de una mujer obteniendo alguno de los premios de la sección competitiva, ya que es algo que no suele suceder frecuentemente en Cannes.

La Cámara de Oro, un premio otorgado por un jurado independiente presidido por los hermanos Dardenne (ganadores el año pasado con EL NIÑO) a las operas primas que participan dentro de la sección “Quinzaine des Realisateurs”, le tocó esta vez, y con un voto unánime, a A FOST SAU N-A FOST?, tragicomedia del rumano Corneliu Porumboiu sobre una patética emisión televisiva actual donde se discute la caída del comunismo.

En la sección de cortometrajes, una alegría para los argentinos, ya que mientras que la Palma de Oro fue para SNIFFER (dirigida por Bobbie Peers, de Noruega), el Premio del Jurado se le otorgó a PRIMERA NIEVE del director local Pablo Agüero, de menos de 30 años, que cuenta en su haber con otros dos cortometrajes, “Mas allá de las puertas” (1992) y “Lejos del sol” (2005). Aquí la temática es acerca de la soledad y el estado de indefensión en que se encuentra mucha gente. Una joven madre y su hijo se encuentran en un lugar bastante aislado del mundo y se les presenta frente a si un crudo invierno. Esta será un guerra de supervivencia tanto en el aspecto material como en el espiritual. Se completaron las distinciones en esta sección con la mención especial para CONTE DE QUARTIER de Florence Miailhe, de origen francés.

En “Una cierta mirada” también hubo distinciones para los latinoamericanos. La ya comentada EL VIOLÍN, de origen mexicano, obtuvo el premio al mejor actor para el protagonista, Ángel Tavira. En esta sección los premiados fueron: LUXURY CAR (China) de Wang Chao como mejor película, TEN CANOES (Australia) de Rolf De Heer como Premio Especial del Jurado, la mejor actriz fue para Dorotheea Petre por CUM MI-AM PETRECUT SFARSITUL LUMII (Rumania) y el Premio del Presidente del Jurado fue para MEURTRIERES (Francia) de Patrick Grandperret.

Otra satisfacción para la delegación argentina. Esta vez en CINEFONDATION. El cortometraje “Ge & Zeta”, producción de la Universidad del Cine, dirigida por el uruguayo Gustavo Riet, fue erigido como ganador por un jurado, que es el mismo que actúa para la competencia de los cortometrajes y está conformado por los directores Tim Burton y Andrei Konchalovsky, y los actores Sandrine Bonnaire (Francia) y Daniel Bruehl (Alemania, reconocido por su trabajo en LOS EDUCADORES), entre otros. Este corto de 16 minutos narra la curiosa relación entre un preso y su guardia de cárcel, que se unen para poder resistir el sistema de opresión reinante que los tortura a ambos por igual. Otros premios de esta sección fueron para MR. SCHWARTZ, MR. HAZEN & MR. HORLOCKER, del director alemán Stefan Mueller; MOTHER, de la realizadora norteamericana Sian Heder; y A VIRUS de Agnes Kocsis (Hungría).

La entrega de premios en la ceremonia de clausura también fue acompañada por la exhibición de una película, que fue TRANSYLVANIA del conocido director francés Tony Gatlif, recordado por películas como GITANO, QUIERO SER LIBRE (1999) o EL VIAJE INOLVIDABLE (2004, con Romain Duris). Este film está protagonizado por Asia Argentino y habla de una joven, que a pesar de parecer una gitana, no lo es y que en busca del hombre que ama, emprende con una amiga un viaje a Transilvania. Ella está dispuesta a hacer todo lo que sea necesario para conseguir el objeto de su deseo, sin importarle la pérdida que esto pueda implicar.

Antes de despedirme me gustaría compartir con Uds. algunas últimas informaciones interesantes:

La directora Jane Campion ha tenido mucho éxito en Cannes, ya que comenzó ganando un premio en 1986 por su corto “Peel” y luego en 1993 recibió la “Palma de Oro” por LA LECCIÓN DE PIANO. Hasta el momento, ella fue la única realizadora mujer que ha ganado este premio. En esta edición del festival, Campion ha regresado con un proyecto muy interesante, que auspicia la Organización de las Naciones Unidas y que se conoce con el nombre de “8”. La ONU le ha encargado a distintos directores reconocidos la realización de cortos con temáticas universales y así esta realizadora tiene a su cargo THE WATER DIARY (en relación con el tema del agua), para el cual ha elegido como protagonista a su hija Alice y también a varios de sus amigos; y a Gaspar Noe (conocido por su polémica IRREVERSIBLE) le han asignado el abordaje del sida.

Seguimos con las mujeres y en este caso nos estamos haciendo referencia a la actriz francesa Anouck Aimée, a quien las autoridades del Festival le organizaron un homenaje para entregarle una distinción por toda su trayectoria. Esta actriz ha trabajado con los más famosos directores como Fellini, Bertolucci, Bellocchio, De Sica, Cukor, Lumet, Altman, Lelouch, entre otros. Aimèe ha recibido muchas distinciones en su carrera entre las cuales se encuentra el Golden Globe a Mejor Actriz en 1967 por UN HOMBRE Y UNA MUJER y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 1980 por A LEAP IN THE DARK (dirigida por Marco Bellocchio y con Michelle Piccoli en el rol masculino protagónico).

Desde aquí me despido hasta el próximo año. Espero que los reportes les hayan sido de utilidad y que no los haya aburrido demasiado. Hasta la vista!

2006-05-29T20:31:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 11 - 28 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Bueno, amigos, finalmente hemos llegado al momento de las ultimas dos películas, pero antes me gustaría contarle otro de las secciones de este festival, que se llama “Cine en la playa”, y que le permite a una cantidad interesante de gente ver cine y disfrutar del entorno del mar. Todos los días, desde el 19 hasta el 27 de mayo, todas las noches, a las 20.45, se han presentado diferentes películas, entre las cuales se destaca el homenaje realizado al realizador italiano Luchino Visconti con la exhibición de TERRA TREMA (de 1977) y al también itálico Roberto Rossellini con la proyección de ROMA CIUDAD ABIERTA. También se presentaron películas que habían participado en otras secciones paralelas como DAFT PUNK’S ELECTROMA de la “Quincena de realizadores”, Z ODZYSKU de “Una cierta mirada” y FREE JIMY de la “Semana de la critica”.

Ahora si a la competencia. Por un lado tenemos a EL LABERINTO DEL FAUNO del mexicano Guillermo del Toro, quien anos atrás ha ganado un premio en Cannes. En 1993 su película CRONOS fue distinguida como mejor película dentro de la sección paralela “La semana de la crítica”. En este nuevo trabajo, ambientado en el periodo de represión fascista, tras la guerra civil, un entorno que ya había utilizado en su anterior película EL ESPINAZO DEL DIABLO, del 2001, una joven niña (Ivana Vaquero) inventa un mundo fantástico. España en 1944, oficialmente, la guerra civil ha terminado ya hace cinco anos, pero un pequeño grupo de rebelde continua batallando en las montanas de Navarra. Ofelia, de diez anos, se muda con su muda a ese lugar, acompañada de su madre (Ariadna Gil, actriz conocida por los argentinos por sus permanentes colaboraciones en películas locales como NUECES PARA EL CORAZON), que esta embarazada. Van a vivir con el Capitán Vidal (SERGI LOPEZ, recordado por HARRY, UN AMIGO QUE TE QUIERE BIEN, entre otras), un oficial fascista que esta a cargo de los grupos de combate contra los rebeldes. Su nuevo padre no simpatiza mucho con la niña, así que Ofelia, sintiéndose sola, se acerca a Mercedes (Maribel Verdu, recordada por su actuación junto a Gael García Bernal en Y TU MAMA TAMBIEN) , una joven cocinera que trabaja para Vidal. Así la niña, fascinada por los cuentos infantiles, descubre un laberinto, que la lleva directo a la figura del “fauno” (Doug Jones), quien le dice conocer su verdadera identidad y su destino secreto.

El director cuenta que siempre se sintió atrapado por la imaginería de los cuentos para niños, pero especialmente por el lado oscuro de estas imágenes, algo así como el lado más “negro” de los cuentos de los hermanos Grima. Incluso en películas como CRONOS y MIMIC, este realizador mexicano ya utiliza ciertos aspectos de estos cuentos. El piensa que los cuentos infantiles tienen mucho mas que ver con la fantasía oscura y el horror que con esa interpretación post-victoria que hace Disney de muchas de estas historias. Se intereso mucho en la mitología celta, y así descubrió que la cultura de ese pueblo pasó por España antes de instalarse en las regiones anglo-sajonas. El norte de España es visualmente muy rico en paisajes y a eso se sumo lo interesante que podía ser mezclar esto con el régimen fascista de 1944, ya que ese periodo de la historia española es un momento en que, mientras el mundo esta inmerso en una guerra mundial, España es olvidada por todos y abandonada a las reglas de un gobierno fascista, que dura tres décadas.

La figura central de esta historia es el “fauno” (en la traducción al ingles se habla de “Pan”) que es una criatura mitológica, que es bastante ambigua. Puede significar la construcción o la destrucción. En algunas ocasiones tiene que ver con dar la vida a las flores y a las plantas del jardín, y esta muy asociada a la naturaleza, pero también puede destruir la vida. El laberinto también es un elemento esencial del desarrollo del film. Es un laberinto con la idea de un camino hacia el centro. Es un transito hacia un centro que no puede ser evitado. Uno hace la elección de ir o no, pero luego no puede volver atrás. España en 1944 también es un laberinto, decide su destino y luego asume las consecuencias.

Pueden encontrarse algunas similitudes entre este film y EL ESPINAZO DEL DIABLO e incluso Del Toro comenta que en realidad el ha estructurado estas dos películas como un juego de espejos. No son mellizos idénticos, pero son mellizos al fin. El deseo de este realizador es poder presentar en algún momentos ambos filmes como la cara y la contracara de un mismo tema. Este director reconoce la influencia que el dibujante Arthur Rackham ha tenido sobre sus trabajos anteriores (HELLBOY y EL ESPINAZO DEL DIABLO), pero especialmente sobre este. El fauno esta creado completamente sobre la base de sus dibujos, y lo mismo sucede con varias de las ambientaciones. Rackham es un artista muy importante que ha influenciado a muchas generaciones.

Por el otro, esta edición del 59 Festival de Cannes cierra con la película CRONICAS DE UNA FUGA (renombrada para su carrera internacional como BUENOS AIRES, 1977 y dirigida por el uruguayo Israel Adrian Caetano, quien estuvo por ultima vez en Cannes hace unos anos con UN OSO ROJO (con un excelente trabajo del actor argentino Julio Chávez. Caetano ha tenido una carrera muy importante internacionalmente ya que su primera película, PIZZA, BIRRA Y FASO tuvo una buena acogida en el Festival de Sundance de hace casi 10 anos. En esta ocasión los personajes protagónicos están a cargo de Rodrigo de la Serna, recordado aquí por DIARIOS DE MOTOCICLETA, y Pablo Echarri, quien es un debutante en la alfombra roja, aunque tiene experiencia en caminar sobre alfombras, en este caso azul, ya que viene de haber participado en el Festival de Cine de Mar del Plata de hace dos meses por la coproducción argentino-española EL METODO.

Esta es una historia de supervivencia ambientada durante el proceso de la dictadura militar en Argentina, específicamente en 1977, basada en la novela “Pase libre – La fuga de la Mansión Sere” de Claudio Tamburrini, que relata un hecho real que es la fuga de cuatro jóvenes, entre ellos el escritor de este libro, que fueron detenidos y “desaparecidos” por el régimen militar imperante debido a tener antecedentes relacionados con el accionar de grupos terroristas. Todo el elenco, al que se agregan Nazareno Casero, Lautaro Delgado, Matías Marmorato y Diego Alonso en los roles principales, realiza un trabajo acabado de sus personajes. También es de destacar la dirección de fotografía a cargo de Julian Apezteguia, que le da el entorno adecuado a esta historia, con un manejo de luces impecable, que ayuda al espectador a remitirse a la humillación permanente que sufren estos jóvenes en prisión. A pesar de que uno haya leído el libro o conozca la suerte de estos cuatro jóvenes, la película nunca pierde su ritmo atrapante y permanentemente provoca sentimientos en el espectador, ya que a pesar de ser una historia local, su mensaje tiene una trascendencia que no respeta fronteras. A pesar de tener escenas de fuerte impacto, Caetano nunca abusa de largas escenas de tortura, todo se insinúa de una manera muy inteligente. En el repaso de la historia argentina de las últimas décadas, trabajos como este o como ILUMINADOS POR EL FUEGO (sobre la guerra de las Malvinas) o GARAGE OLIMPO (también sobre la dictadura militar de los ’70) parecen indicar la senda a seguir.

No puedo evitar dejar de ser imparcial en este momento y desearle a esta producción argentina toda la mejor de las suertes. Los estaré acompañando en el Palais, así que sufriremos todos hasta que caigan los créditos y ver las reacciones que la película provoca.
Ya solo nos quedan las premiaciones. Hasta el lunes, ya que recién el domingo a las 19.30 se hará el anuncio de los ganadores.

2006-05-29T20:24:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 10 - 27 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Cuenta regresiva: las cuatro ultimas películas en competencia (dos de las cuales serán abordadas en el reporte del día de hoy) y luego solo nos queda esperar que el domingo por la tarde - noche se anuncien los premios. Para aquellos que no pudimos ver todo el material presentado, porque estuvimos trabajando en las oficinas, el domingo el festival abre las puertas de sus salas y exhibe todos los filmes que estuvieron en competencia. Es una gran oportunidad para disfrutar del buen nivel que a mi criterio tuvo este ano Cannes.

Para reforzar la intención de este festival de mostrar todas las cinematografías del mundo, dentro del “Village Internacional”, que es donde están ubicadas las representaciones de todas las cinematografías nacionales, desde el ano pasado se organiza l la sección “Tous les cinemas du monde” donde se eligen las cinematografías de 7 países, para mostrar algunos de sus trabajos mas salientes. Así el sábado 20 de mayo estuvo dedicado a Rusia, el domingo 21 a Israel, el lunes 22 a Singapur, el martes 23 a Suiza, el miércoles 24 a nuestros hermanos venezolanos, el jueves 25 a Tunez, hasta que el ultimo dia, viernes 26, le tocara el turno a Chile. Chile presento tres películas: MI MEJOR ENEMIGO de Alex Bowen, recientemente nominado a los premios Goya (de España) y un particular episodio entre Argentina y Chile en un momento en que ambos países casi llegan a la guerra; PARENTESIS, dirigido por Francisca Schweitzer y Pablo Solis; y EL BAÑO de Gregory Cohen, un film compuesto por varias historias que tienen lugar en un baño durante la dictadura militar de Pinochet.

Las pelis en competencia del dia de ayer fueron:

THE SINGER, la película francesa dirigida por Xavier Giannoli, un directo casi ignoto en Latinoamérica, entre cuyos trabajos anteriores encontramos LES CORPS IMPATIENTS (2002) y UNE AVENTURE (2004) y un corto, “L’interview” que hace ocho anos le hiciera ganar un premio en Cannes, es un placer para los oídos y para los fans de Gerard Depardieu, como es mi caso. La película solo se explica si su rol protagónico es asumido por un actor con el talento de este francés que ya ha asumido en su carrera todo tipo de personajes que han probado su oficio como el Conde de Montecristo, Cyrano de Bergerac, Jean Valjean de LOS MISERABLES, el escultor Rodin en CAMILLE CLAUDEL, el escritor Balzac, Cristóbal Colon en 1492, entre otros.

El titulo de esta película corresponde al nombre de una canción escrita por el cantante francés, Michel Delpech, con la cual cierra la película, mientras van cayendo los créditos y cuenta la historia de un cantante de baladas, que trabaja de “entretenedor” en discotecas para gente mayor, salones de te y algunos actos oficiales. Su vida no parece tener sobresaltos y sigue con su rutina de continuo trabajo hasta que el encuentro con una joven muy hermosa (Cecile de France), le hará replantearse toda su situación. El director ha cambiado completamente de registro comparando con sus realizaciones anteriores y en este comedia dramática utiliza la combinación de un tono ligero, en algunas ocasiones, y muy grave, en otras, para el tratamiento de los problemas de la pareja protagónica. El film ofrece momentos de mucho sentimentalismo, y a pesar de que seguramente no sera un fuerte competidor para un Palmar, la película se conecta directamente con el espectador. Hoy a las 8.30 de la mañana, cuando la película estaba finalizando, era impresionante ver y escuchar a la audiencia que se dio cita en el Salón “Lumiere” del Palais du Festival, aplaudiendo y acompañando a Gerard en la canción final.

JUVENTUDE EM MARCHA del portugués Pedro Costa, que tiene en su haber películas de ficción como OSSOS (de 1996, ganadora del Oso de Berlín) y NO QUARTO DA VANDA (del 2000) o documentales como ONDE JAZ O TEU SORRISO (2001) y NE CHANGE RIEN, de este ano. Aquí se cuenta la historia de Ventura, un trabajador de Cabo Verde, de unos setenta anos, que vive en las afueras de Lisboa, y que es abandonado por su mujer Clotilde. Ventura se siente perdido entre el lugar donde paso sus últimos 34 anos y este complejo de casas de bajo presupuesto, donde ahora habita. Todas las pobres almas jóvenes que se presentan a su encuentro parecen convertirse en sus propios hijos.

El film de una duración extensa, aproximadamente dos horas y media, y con largos planos fijos y monólogos que se repiten, puede ser considerado como un cine “experimental”, o sea de esos que no solamente no le gustaran al gran publico, sino que también tendrán problemas en retener en sus butacas a los amantes “festivaleros”. En sus roles protagónicos encontramos a Maria Do Ceu Barbosa y Mario Ventura Medina

Disfruten del sábado. Nosotros aquí todavía tenemos para gozar de dos películas y emocionarnos especialmente con una de ellas. Se viene la presentación de CRONICA DE UNA FUGA, la representante argentina. Au revoir!

2006-05-29T20:20:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 09 - 26 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Estamos llegando al final. Hoy se están exhibiendo las últimas películas en competencia, pero nosotros nos vamos a dedicar al día de ayer.

Un comentario frívolo para luego pasar al análisis de las películas en competencia. Anoche se celebro la fiesta a beneficio, que tradicionalmente se hace todos los años. El nombre es AmFar Benefit, se hace para recaudar fondos para la lucha contra el sida, y se desarrolla en un lugar muy exclusivo, un poco apartado de Cannes, llamado Moulin de Mougins y allí se reúnen las celebridades, siendo que este ano Elisabeth Taylor, Sharon Stone y Elton John le dieron brillo a esa noche.

Una de las dos películas en competencia es francesa, de Rachid Bouchareb, un realizador no demasiado conocido en nuestras tierras, con trabajos anteriores como BATON ROUGE (de 1986) y LITTLE SENEGAL (del 2001). INDIGENES (o “Days of glory” en ingles), ese es el nombre de esta película, esta ambientada en 1943 y cuenta la historia de hombres oriundos del Norte de África que, aun sin haber pisado suelo francés, deciden unirse al ejercito de ese país para liberarlo del enemigo nazi, junto con otros 130.000 “nativos”. Estos héroes, olvidados por la historia, pelearan en Italia, en la Provence, y en otros pueblos franceses, hasta encontrarse en Alsacia defendiendo ese bastión ellos solos frente a todo un batallón alemán.

Bouchareb explota al máximo las visiones y las emociones con las que azota al espectador. Las escenas de combate, especialmente la del final en un pequeño pueblo, están muy bien filmadas y también el trabajo de sonido es muy acabado ya que ayuda a entender los diferentes niveles de registro de la película, en sus momentos bélicos y en sus escenas mas intimas. Se nota que esta es una realización de un presupuesto importante, proveniente de una producción nacional, que, sin embargo se concentra más en el desarrollo de los personajes que en las batallas. Cuando caen los créditos, este realizador también se toma su tiempo para criticar al gobierno de Francia que, luego del proceso de descolonización en África, suspendió todas las pensiones de los ex soldados que provenían de esas ex colonias francesas. Hasta el momento nunca nadie le ha dado solución a este tema. Los roles principales están a cargo de Jamel Debbouze, Sammy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila (que hemos visto en AMELIE) y Bernard Blancan.

Pasamos a la próxima: EL AMICO DE LA FAMILIA y una verdadera decepción con este ultimo trabajo del realizador italiano Paolo Sorrentino, cuya película anterior, presentada en Cannes hace dos anos, LAS CONSECUENCIAS DEL AMOR había captado mi total atención sobre este director que también tiene en su haber L’UOMO IN PIU, exhibida en el Festival de Cine Independiente de Buenos hace unos anos atrás. El protagonista principal es Geremia de Geremei, un setentón, que vive del préstamo del dinero, de una forma usuraria y con unos métodos de obtención del pago muy poco éticos. Tiene relaciones bastante obsesivas con todo lo que lo rodea, ya sea su madre, las mujeres o el dinero. Muy buen trabajo de Giacomo Rizzo (que hace unos 30 anos trabajara con Bertolucci en NOVECENTO) cuyo objeto del deseo esta encarnado por la bonita Laura Chiatti

Esta película que trabaja el tema de la delgada línea que hay entre la belleza y la fealdad y de cómo la ambición puede terminar arruinando todo, usa muchos recursos “baratos” y desagradables para demarcar la naturaleza cínica de la humanidad y aleja la atención del espectador ya que no hay un solo personaje por el cual uno pueda interesarse. Considerándose a si mismo como un surrealista, Sorrentino usa el realismo y el minimalismo para lograr sus objetivos y, como si fuera un pintor, trata de capturar el icono del momento, ya sea de placer o de dolor, aunque en esta ocasión no parecería llegar a pasar ningún mensaje especifico e incluso algunos de las imágenes que utiliza no parecerían tener ningún significado o están completamente desconectadas del desarrollo del personaje principal. Su gusto por el color es evidente y las escenas están muy bien filmadas, pero esto no parece suficiente.

Para mis amigos chilenos, les cuento que un articulo muy interesante sobre la industria del cine de vuestro país salio publicado en una de las revistas importantes del medio como es “The Hollywood Reporter”. Se hace referencia a que mientras que la gente piensa que cuando se habla de cine latinoamericano, uno fundamentalmente esta haciendo referencia a México o Argentina o Brasil, en la actualidad Chile esta teniendo una presencia importante en los festivales y esto se debe a que el apoyo oficial ha logrado una producción anual de aproximadamente una docena de películas por ano. El Consejo del Arte y la Industria Audiovisual de ese país y otros fondos públicos, como el FONDART, inyectaron al cine local unos 5,2 millones de dólares para la financiación de proyectos, una cifra bastante interesante, considerando que el rango de presupuestos para las películas chilenas es de US$ 300.000.- a un millón. De las 14 realizaciones que se estrenaron el ano pasado, cinco fueron totalmente financiadas por el estado y otras cinco habían recibido apoyo parcial. Para el cine chileno es muy importante “viajar” a través de este tipo de festivales, ya que el mercado local es bastante pequeño: solamente un 5% del total de las entradas vendidas corresponde al cine nacional. El autor de este articulo, John hecht, dice que “es cierto que Chile esta por detrás de los mercados latinoamericanos de países que producen algo así como 50 películas por ano, pero si la industria se mantiene estable, se puede achicar la brecha mucho mas rápido de lo que nadie imagina”.
Otro fin de semana los espera, así que aprovechen para disfrutarlo. Nosotros mientras tanto nos seguimos comiendo las unas por la intriga de saber quien se va a llevar la Palma de Oro. Almodóvar ha regresado a España, pero espera un llamado telefónico que le informe que va a recibir un premio para viajar inmediatamente para poder recibirlo.

2006-05-26T08:43:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 08 - 25 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Otro día se esta acabando. El cansancio se va haciendo notar, pero por suerte todavía quedan cosas muy interesantes para ver. Desde la ventana del hotel Carlton, donde tenemos nuestras oficinas, se escuchan los gritos de un grupo de jóvenes que hacia el caer de la tarde se la pasan “danzando” en la playa.

Siguen pasando estrellas por Cannes: Sharon Stone, Elton John (charlando sobre el proyecto que hay de hacer un biografía de su vida), el bailaor gitano Joaquín Cortes, Nick Nolte, Willem Dafoe, Catherine Deneuve, el director Oliver Stone (por el homenaje que se le esta haciendo a PELOTON por su vigésimo aniversario), la cantante canadiense Avril Lavigne y su presentación de una película con Bruce Willis, OVER THE HEDGE, los actores Charlie Sheen, Danny Glover y Billy Zane, el realizador Gus Van Sant (del cual se hace una presentación especial de su primer película MALA NOCHE, de 1985, basada en la novela autobiográfica de Walt Curtis y del amor que sentía por un joven inmigrante mexicano ingresado ilegalmente al país), y el cantante Sting (que estuvo con su esposa mirando un partido de fútbol que se organizo en la playa y que se utilizo para promover el documental PURE SPIRIT OF BRASIL)

Anoche vi otra de las películas en competencia, LA RAZON DEL MAS DEBIL, la traducción mas cercana de LA RAISON DU PLUS FAIBLE, del realizador belga Lucas Belvaux, que también asume uno de los roles protagónicos. La historia esta ambientada en la ciudad de Lieja, Bélgica, en la actualidad. Se ocupa de la vida de cuatros hombres, la esposa de uno de ellos y su niño. El destino se ocupara de ir entrelazando cada vez más los destinos de estos personajes. Son personas que, por falta de dinero, trabajo, y posibilidades, en general, tienen muchos problemas para seguir adelante con sus vidas y la oportunidad de poder cambiar su suerte con una sola acción los arrastrara hacia el abismo. Además del rol asumido por Belvaux, los otros personajes han caído en las manos de Eric Caravaca (que en EL SR. IBRAHIM Y LAS FLORES DEL CORAN, con Omar Sharif, hiciera el papel del protagonista a los 30 anos), Natacha Regnier (a la que hemos visto en TODO BIEN, PERO NOS VAMOS y COMO MATE A MI PADRE), Patrick Descamps (que ya trabajara anteriormente con este director en dos oportunidades), Claude Semal y el niño Elie Belvaux, el hijo del director. Las actuaciones de estos roles protagónicos son

Este realizador tiene varias películas en su haber entre las que se cuenta su trilogía APRES LA VIE, UN COUPLE EPATANT y CAVALE, sobre la vida de los residentes del pueblo francés de Grenoble. En THE RIGHT OF… la idea es trabajar el orgullo de los trabajadores que ya no tienen mas trabajo. Los protagonistas habitan un lugar, otrora comunidad industrial importante que, por el fenómeno de la globalización, ha dejado a parte de la población fuera del sistema. Con algunos atisbos del cine de Ken Loach o de los hermanos Dardenne, este director tiene su propio estilo, al que acompaña con toques de cine negro y con un desarrollo de héroes desesperados pero de alguna forma atrapantes y que se ganan el cariño de los espectadores. La película esta filmada tratando de retratar todo con la máxima autenticidad posible e incluyendo como un personaje adicional al entorno, ya sea el río, las fábricas, las casas, el bar, o el jardín.

Le toca ahora el turno a Maria ANTONIETA de Soffia Coppola basada en la biografía escrita por Lady Antonia Fraser (“Maria Antonieta: el viaje”) y protagonizada por Kirsten Dunst, que suele ser recordada por ser la novia de EL HOMBRE ARANA, pero que ya ha trabajado con esta directora en LAS VIRGENES SUICIDAS. Es esta una versión bastante especial de este personaje, porque la idea es transmitir toda la frivolidad que la rodeaba, más que el entorno histórico-político de su vida. Kirsten esta acompañada por un excelente elenco entre los cuales encontramos a Steve Coogan, Judy Davis (a la que pronto veremos en la comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston, THE BREAK-UP), Asia Argento (de la película LAST DAYS de Gus Van Sant sobre la vida de Kurt Cobain, presentada en el ultimo festival de Cine de Buenos Aires y que el año pasado compitiera en Cannes), Rip Torn y Jason Schwartzman (al cual hemos visto en un rol secundario en HECHIZADA con Nicole Kidman), como Luis XVI.

La dirección de fotografía a cargo de Lance Acord, que ya ha colaborado con Soffia Coppola en PERDIDOS EN TOKYO, pero que también tiene en su haber películas como LADRON DE ORQUIDEAS (con Nicolas Cage, Meryl Streep y Chris Cooper) y la inquietante BEING JOHN MALKOVICH, sostiene la idea de la realizadora de ambientar la historia en la época correspondiente, pero darle proyección hacia la contemporaneidad. Lo mismo sugiere el trabajo de Kirsten Dunst, quien con su belleza exquisita encuadra en los cánones de la época, pero que con su actitud la traslada hacia nuestra época. Es una película entretenida, fácil de ver, y que tiene poco del espíritu revolucionario de la época. Los espectadores estarán encantados y los amantes del cine de arte quedaran un poco desilusionados.

Ayer hubo una presencia latinoamericana en el festival, en otra de las secciones paralelas, “Una cierta mirada”. Se trata de EL VIOLIN, del director Francisco Vargas, que el ano pasado había estado participando en el Cinefoundation. La película no tiene una referencia precisa de lo que esta contando, pero podría referirse fácilmente a una rebelión en Chiapas o a una situación similar en Nicaragua. Es una metáfora enraizada en la realidad de nuestro continente: un retrato en blanco y negro de la represión militar contra una rebelión popular con el espíritu de que esta situación será interminable hasta que la injusticia siga reinando en nuestras tierras. Filmado como si fuera un documental y con un protagónico a cargo de un actor no profesional, muy expresivo, es el material del que gustan los amantes de festivales de cine.

Es todo por hoy. Hasta mañana!