VORAZ Festivales de Cine

FESTIVALES DE CINE EN ARGENTINA UNA PUERTA AL MUNDO

2007-03-01T11:38:00.000-08:00

María Fernanda Fernández Vila

Ya entrado el nuevo año, me pareció importante hacer un balance de lo que sucedió en nuestro país en el 2006 relacionado con los tres festivales, que a mi entender, son los más significativos en Argentina: el Festival de Mar del Plata, el único festival de categoría “A” en Latinoamerica; el BAFICI, el festival de cine independiente que tiene lugar en la ciudad de Buenos Aires, en el mes de abril y el Encuentro Cinematográfico argentino-europeo, que tiene lugar en una playa de nuestro país, Pinamar, en el mes de diciembre, y que fue creado hace tres años.

Los festivales internacionales de cine se han convertido en verdaderos circuitos de exhibición alternativos al cine del mundo, o sea aquél no producido por Hollywood. Los festivales de cine intentan, a través de sus programaciones, mostrar el riquísimo y amplio tapiz cultural conformado por la inmensa diversidad de miradas de realizadores de todos los confines del planeta. No sólo es importante lograr la mayor representatividad geográfica posible y reunir un gran número de películas, sino orientar la mirada de los espectadores, desde los expertos a los aficionados, para que encuentren expresiones acordes con sus intereses, en algunos casos, o se arriesguen a explorar estéticas diferentes, con formas y temáticas no convencionales.

La historia del FESTIVAL DE MAR DEL PLATA se remonta a 1954, cuando se presentara no de una forma de competencia, sino como una muestra en la que la cinematografía fue asumida particularmente en su calidad de “espectáculo”, y por eso se explica la notable presencia del estrellato mayor de la pantalla mundial, con figuras como los hollywoodenses Errol Flynn, Mary Pickford, Joan Fontaine, Walter Pidgeon, los italianos Gina Lollobrigida y Alberto Sordi y el español Fernando Fernán Gómez.

Impulsado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina –entidad privada- se realiza el segundo festival a partir del 11 de Marzo de 1959 que, desde esta edición, es reconocido como competitivo por la FIAPF, en su categoría de festival “A”, y esto sigue hasta el año 1966. Ocho años durante los cuales el festival expresaba culturalmente a un país que estaba a la altura de su tiempo. Ya, con un gobierno militar, y asumida la presidencia del festival por el Instituto del Cine, desde 1967 hasta 1970 se celebraron dos festivales en Mar del Plata, el del año 1968 y el de 1970. Este festival dejó de celebrarse entre 1971 y 1995 y recién en noviembre de 1996 se tomó la decisión de reinsertarlo en la vida nacional y así sigue hasta la actualidad.

El 21ro. Festival Internacional de Cine de Mar del Plata que tuvo lugar del 9 al 19 de marzo estuvo signado por importantes nombres de la industria, que se pudieron disfrutar ya sea en las películas de competencia con títulos de Terrence Malick (EL NUEVO MUNDO), Kim Ki-Duk (EL ARCO) y Werner Herzog (con su delirante LA SALVAJE Y AZUL LEJANÍA); en los excelentes actores y directores que se dieron cita para brindar sus “clases magistrales”, como el matrimonio conformado por Susan Sarandon (adorable papel en una comedia que ha estado en pantalla en nuestros lares el año pasado, ELIZABETHTOWN) y Tim Robbins (uno de cuyos últimos trabajos se ha visto en Latinoamerica, LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS, coproducido con el cine español), el realizador británico Michael Winterbottom (CAMINO A GUANTÁNAMO, CÓDIGO 46 con Tim Robbins, JUDE, con Kate Winslet), el neoyorkino Abel Ferrara (una de cuyas últimas realizaciónes, MARY, una controvertida historia involucrando al personaje de María Magdalena, fue presentada este año en este festival), el polaco Krysztof Zanussi (que también ejerció la presidencia del jurado de la competencia oficial) y el inglés warholiano Paul Morrisey ; y por último en las estrellas que acompañaron películas, como Juliette Binoche (que presentaba allí la película de Abel Ferrara y también CACHE, la del premiado en Cannes, Michael Haneke).

Las clases magistrales son una oportunidad única para que el público se encuentre frente a frente con artistas consagrados, directores o actores, y los pueda escuchar conversar acerca de la manera en que trabajan y el sentido que ellos dan a su obra. Son eventos gratuitos y abiertos a todo el público, dedicados a todos aquellos amantes del cine que disfrutan de las películas del Festival y que quieren acercarse a conocer en persona a quiénes hacen cine, cómo y por qué lo hacen. Siguiendo con el tema del público participante, él mismo tuvo un incremento de un 15%, llegando a los 140.000 espectadores, a pesar de que el número de salas de exhibición fue reducido de 18 a 12, pero el circuito que se armó fue mucho más efectivo.

Las películas exhibidas se agruparon en distintas secciones:

Oficial competitiva – Aquí me gustaría resaltar BORDER CAFE (“Café transit”), coproducción franco – iraní y la maravillosa historia de una mujer iraní, viuda y madre de dos niños, que lucha contra las tradiciones para salir adelante, un mosaico de personajes sumamente interesantes, muy bien retratados y actuados; CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS (un road movie brasileño, ambientado en ese país en la década del ´40 con un gobierno dictatorial y la relación entre un alemán y un local y su aventura de ir por los pueblos, proyectando un film publicitario y generando el primer contacto de esos pobladores con el séptimo arte); EDMOND (con la magistral actuación de William H. Macy, encarnando el descenso de un hombre hasta el propio infierno); KAMATAKI y un soplo de aire fresco en esta visión de la vida de un adolescente mezclando su origen canadiense y sus ancestros japoneses, con una impactante belleza visual y un relato “pacíficamente” construido; la australiana LOOK BOTH WAYS y el enfrentamiento cotidiano de varios personajes con la muerte en sus diferentes formas; MOLLY´S WAY, promisorio primer trabajo de la realizadora Emily Atef, nacida en Alemania y con un origen compartido entre Francia e Irán, que se dedica a relatar el viaje de una mujer en busca del amor y de un futuro mejor; y la mexicana NOTICIAS LEJANAS, un crudo relato de la vida de un joven de 17 años, que emprende un viaje de iniciación a la ciudad en un intento de romper con el círculo de marginación que rodea a su familia.

Sección oficial fuera de competencia y dos filmes sobre los cuales me gustaría dejar algunas notas: A COCK & BULL STORY, realización del reconocido Michael Winterbotton, sobre la adaptación de una obra maestra de la literatura inglesa, “The life and opinions of Tristan Shandy, Gentleman”, escrita por Laurence Sterne, que está ambientada en el siglo XVIII, pero que este director salpica con los esfuerzos desventurados de los directores de este siglo para trabajar con una obra así; y MARY, con una interesante actuación de Juliette Binoche, sobre la que hiciéramos referencia anteriormente, muy bien acompañada por Forest Whitaker, Matthew Modine y Heather Graham en esta historia que combina la vida de tres personajes con el de María Magdalena.

Heterodoxia: esta sección propuso para este año la exhibición de películas con estilos completamente radicales.

Homenajes y proyecciones especiales: aquí se destacaron, entre otros, los siguientes eventos: “Homenaje a los 20 años de la EICTV, San Antonio de los Baños Cuba”; la exhibición de la única película argentina ganadora de un Oscar, “La Historia oficial”; “Homenaje a la ley de cine” (sancionada por nuestro Congreso en 1994), “Homenaje a Ricardo Darín” (un reconocido actor argentino, visto en películas como “Nueve reinas” o “El hijo de la novia”),

La mirada interior: sección que intenta reflejar una gran variedad de ideas y puntos de vista; exponiendo la diversidad cultural y geográfica y las singulares cotidianeidades de quienes integran nuestro país.

La mujer y el cine: varias películas para tener en cuenta: la alemana, LA CANTATA DE HITLER (una película de música escrita en tiempos del Tercer Reich); la interesante realizadora, Sally Potter (conocida por ORLANDO) y YES, la historia de un apasionado amor entre una mujer americana y un hombre de Medio Oriente, con impecables actuaciones de Joan Allen & Simon Abkarian

Lo que vendrá – cortometrajes: una sección dedicada a la exhibición de cortometrajes en competencia y fuera de competencia. Disfruté intensamente CINEMA ARBOL, un corto de aproximadamente diez minutos, de origen cubano y una nostalgiosa historia del primer amor y del amor por el cine.

Punto de Vista: de esta sección he visto JOHANNA, una película de origen húngaro, dirigida por Kornel Mundruczo, que es una interpretación fílmica y musical de “La Pasión de Juana de Arco”.

Retrospectivas, que se dividió en “Panorama del cine africano” y una muestra dedicada al cine de un director argentino, José Martínez Suárez, conocido por películas como “Los muchachos de antes no usaban arsénico”. Del cine africano, me gustaría recomendar DELWENDE, LEVÁNTATE Y ANDA, una coproducción entre Burkina Faso, Francia y Suiza, sobre y la vida de una joven en una aldea rural, signada por la desgracia; y DOLE (coproducción entre Gabón y Francia y las prácticas de robos menores entre jóvenes para poder subsistir, algo muy conocido en nuestros países latinoamericanos);

América Latina XXI: para destacar MADEINUSA, coproducción entre Perú y España y la historia de una niña de 14 años que vive en un pueblo perdido de la cordillera blanca del país andino, profundamente sumido en sus convicciones religiosas. La aparición de un joven geólogo, proveniente de Lima, será la piedra que hace estallar la calma del lugar. Acabada interpretación de Magaly Solier como la joven protagonista. Nuestros hermanos chilenos presentaron en esta sección dos producciones: OBRERAS SALIENDO DE LA FÁBRICA, un cortometraje, premiado en otros festivales, realizado por José Luis Torres Leiva, y SE ARRIENDA, de Alberto Fuguet, una historia de contrastes, de amor y de sueños, que refleja el profundo cambio sufrido por Chile en los últimos 15 años.

Caloi en su tinta: es la primera vez que este festival tiene una sección enteramente dedicada al cine de animació y para ello ha convocado al mayor referente argentino en la materia, Caloi, que ha sido reconocido internacionalmente por su tarea de difusión del cine de animación de autor de todo el mundo.

Cerca de lo oscuro: aquí para remarcar una comedia adolescente, con un tratamiento muy inteligente del tema, IMPULSO ADOLESCENTE (“Thumbsucker”) y muy efectivas actuaciones de Tilda Swinton, Keanu Reeves, Vincent D´Onofrio, Vince Vaughn, Benjamin Bratt, acompañando al cast de jóvenes actores liderados por el protagonista, Lou Taylor Pucci. Una banda sonora para disfrutar.

Documental latinoamericano: esta nueva sección se funda en la posibilidad de poner en relación obras documentales argentinas con las creadas en el resto de Latinoamérica. Aquí Chile ha presentado NINGÚN LUGAR EN NINGUNA PARTE, del antes mencionado José Luis Torres Leiva, sobre una propuesta musical ambientada en el barrio “La Matriz” en Valparaíso.

Ventana documental: para esta 21 edición esta sección se propuso seleccionar trabajos que les permitieran abordar los más diversos cuestionamientos formales, sociológicos, políticos, artísticos, éticos, científicos o filosóficos.

Vitrina argentina: de aquí sólo llegué a ver MUJER SIN N DESTINO, toda una experiencia de aproximación a un cine alternativo, con una lógica implacable de fragmentación inarticulada, de explosiones musicales y de repeticiones obsesivas, y un relato sobre las tribulaciones de un personaje sólo apto para aquellos acostumbrados a ver un cine “completamente” diferente.

Los premios oficiales recayeron en:

Astor de Oro al mejor largometraje: NOTICIAS LEJANAS de Ricardo Benet (México)

Premio especial del jurado: MOLLY´S WAY (Alemania)

Astor de Plata al mejor director: Marco Martins por ALICE (Portugal)

Astor de Plata a la mejor actriz: Justine Clark por LOOK BOTH WAYS (Australia)

Astor de Plata al mejor actor: William H. Macy por EDMOND (Estados Unidos)

Astor de Plata al mejor guión: Sarah por Watt LOOK BOTH WAYS

Astor de Plata al mejor largometraje de Iberoamérica, compartido por CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS (de Marcelo Gómez, Brasil) y DERECHO DE FAMILIA (Daniel Burman, de Argentina)

Mención especial del Jurado, compartido por: BE WITH ME de Eric Khoo (Singapur) y CAFÉ TRANSIT

Cómo último apunte de este festival me gustaría mencionar El MERCADO DEL FILM DEL MERCOSUR (MFM)que, nace en el 2005, como una consecuencia lógica del éxito obtenido por la producción cinematográfica argentina y de los países que la acompañan en la conformación del bloque MERCOSUR, tanto por la calidad, como por la cantidad de sus obras. El MFM fue concebido como un espacio de encuentro para la concreción de acuerdos entre el MERCOSUR, América Latina, la Unión Europea y los Mercados Asiáticos. En él se ofrecen proyectos para generar un intercambio para el desarrollo y producción con otros mercados y abrir ventanas en la promoción, distribución y exhibición de películas en salas de cine, televisión abierta, cerrada y en formatos digitales. En este mercado pueden encontrarse, tanto las películas argentinas e iberoamericanas presentes en las diversas Secciones de la programación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, como aquellas que fueron inscriptas en forma independiente por sus respectivas empresas productoras en la Videoteca del Mercado. Toda esta producción audiovisual está representada por sus directores, productores, distribuidores y agentes de venta acreditados.

El 8vo. Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) que tuvo lugar entre el 11 y el 23 de abril convirtió a la ciudad de Buenos Aires en espectadora de una intensa programación artística que combinó lo clásico con las propuestas más vanguardistas. El saldo final de 234.200 participantes (214.200 espectadores y 20.00 asistentes a las actividades especiales), que significó un 27% de aumento en relación a la edición anterior hizo que esta muestra cumpliera con sus metas, que son: invitar a los vecinos de la ciudad a conocer múltiples maneras de hacer cine y también a tener acceso a otras realidades con la exhibición de filmes de distintas partes del mundo, reafirmando así el eje fundamental de este trabajo que es la promoción de la diversidad cultural, algo cumplido ampliamente ya que 49 países estuvieron representados en las 477 películas exhibidas (353 largometrajes y 124 cortos) y hubo 315 invitados internacionales de 38 países.

El festival este año también se abrió a nuevos públicos y así hubo propuestas especiales como las funciones en el Teatro Colón de la proyección de la copia restaurada de EL ACORAZADO POTEMKIN con música en vivo, y la instalación performática de Virginie Marchand en el Centro Cultural Recoleta titulado “Kazuo Ohno: Love on the beat”, en homenaje a este realizador japonés.

Existe también dentro del BAFICI un mercado, el BAL, mercado de proyectos de cine independiente latinoamericanos, que este año, en su tercera edición, recibió unas 200 aplicaciones, de las cuales 35 fueron seleccionadas. Durante las jornadas del BAL tuvieron lugar más de 250 reuniones con el fin de concretar posibles coproducciones.

A continuación algunos apuntes de películas que me parecieron interesantes y que agruparé de acuerdo a las secciones del festival:

Competencia:

AGUA de la argentina Verónica Chen y una opción estética exaltada hasta el virtuosismo para contar la historia de dos hombres cuyos destinos están marcados por la natación. Excelentes actuaciones de Rafael Ferro y Nicolás Mateo.

LA SAGRADA FAMILIA, una coproducción chileno-española, del joven realizador Sebastián Campos, y un inteligente planteamiento acerca de un tema muy espeso, la familia. Para el rodaje de esta película, Campos insumió unas 70 horas de rodaje y un trabajo de montaje de seis meses. El guión consistió en una descripción de las situaciones y los actores se basaron fundamentalmente en la improvisación. El realizador logró una perturbadora intimidad, siguiendo a sus personajes con la cámara de muy cerca.

SANGRE, coproducción entre México y Francia, ópera prima de Amat Escalante, nacido en España, pero de nacionalidad mexicana. La historia que narra es la de una rutinaria pareja, que pierde su anquilosamiento cuando aparece una hija de él y todo en la relación se desequilibria. Su estilo es brutal, preciso y conciso, ajeno a todo intento de empatía con los personajes a los que observa como insectos en un microscopio.

THE SHOE FAIRY: una estética muy impresionante para este trabajo coproducido entre Taiwan y Hong Kong, que comienza como un cuento de hadas, pero que en algún momento incursionará en otro género.

LA PERRERA: ópera prima del uruguayo Manuel Nieto, coproducida entre Uruguay, Argentina, España, Alemania, Canadá y Francia. Con un estilo lacónico, crudo, provincial, por momentos desprolijo y por otros luminoso, este largometraje habla de la mayoría de edad de cierto joven de la Banda Oriental, que trata de romper la monotonía del lugar con la televisión, la marihuana, la pornografía y la compañía de sus perros. Muy buena actuación del joven Pablo Alexandre y un papel muy interesante para el argentino Martín Adjemián, actor argentino, fallecido el año pasado.

ALMA MATER: coproducción entre Uruguay y Canada, dirigida por Alvaro Buela. Una cajera de un supermercado, reprimida y gris, cambiará su vida, cuando experimente una revelación que no alcanza a entender. Se contrasta el ritmo tranquilo y el acercamiento naturalista a los personajes con una historia surreal, que contagia a cada escena con un tono entre místico y onírico.

Panorama:

A TALE OF CINEMA (“Un cuento de cine”): coproducción entre Corea del Sur y Francia, del realizador Hong Sang-soo (el de “Woman is the future of man”, presentada en el Festival de Cannes hace un par de años), en la cual el cine no es un mero pretexto argumental, sino que la mirada sobre él como apareciencia se ha vuelto más intensa, auto-reflexiva, llevando al límite la distancia entre la vida cotidiana y la que se ven en una pantalla.

LUCY, del alemán Henner Winckler, y su capacidad de observación detallista para contar el drama de una joven madre soltera que quiere buscar un futuro mejor para ella y para su hijo.

BELHORIZON: coproducción entre Bélgica, Francia, Luxemburgo y Suiza, y la ópera prima de la realizadora belga Inés Rabadán que pone en el tapete el odio que se puede engendrar en las relaciones entre diferentes clases sociales.

EL MASAJISTA: ópera prima del realizador filipino, Brilliante Mendoza, que nos enfrenta a la cruel realidad que viven los trabajadores del erotismo.

CITIZEN DOG del realizador tailandés Wisit Sasanatieng, es básicamente una búsqueda del amor, pero con un particular estilo de este director, que sostiene casi todo su filme sobre la base de una imaginación visual desbordante que le permite edificar en el espectador no sólo una sensación de sorpresa creciente, sino también de alegría irreprimible.

En Foco:

Del realizador lituano Sharunas Bartas vi FREEDOM, donde tres traficantes de drogas, huyendo hacia la costa occidental de Marruecos, creen haber salvado su vida. Como en sus otros trabajos, los lugares nunca existen como espacios en los que es posible asentarse, sino más bien que se trata de reductos transitorios, inhóspitos o decadentes, a los que se llega después de un camino enigmático, que prosigue una vez que el film concluye, como si el director en vez de contar historias en el orden canónico, tomara a sus personajes en el medio de dos momentos que no forman parte de su relato.

De Jean-Claude Biette, uno de los más importantes realizadores franceses de las últimas dos décadas, que mezcla un estilo muy hollywoodense con un muy importante aporte del cine francés, y que logra filmar trabajos como EL HONGO DE LOS CÁRPATOS, una tragedia nuclear que se entromete en la vida de una cantidad de personajes protagónicos y secundarios.

TOUTES CES BELLES PROMESSES del director francés Jean-Paul Civeyrac, muy poco conocido en Latinoamérica y de su particular manera de convertir algunas pérdidas en la forma ideal para recomponer la vida de su personaje protagónico. Con toques oníricos, tiene ciertas influencias del cine del chileno Raoul Ruiz.

KEANE del realizador británico Lodge Kerrigan, cuyo estilo es a veces comparado con el de Mike Leigh o los hermanos Dardenne. Una excelente actuación de Damian Lewis protagonizando a este hombre desesperado en busca de su hija desaparecida.

El realizador checo, Jan Svankmajer utiliza diversidad de materiales y técnicas (actores, muñecos, collages, dibujo, arcilla, objetos, entre otros) para expresarse. En FAUST, el célebre protagonista se pierde en un laberinto donde se entrelazan tiempos, estéticas, sueños y realidades.

Las películas premiadas fueron:

Competencia Oficial internacional

Mejor película: EN EL HOYO (de Juan Carlos Rulfo, México)

Premio especial del jurado: SEHNSUCH (“Longing”) de Valeska Grisebach (Alemania)

Competencia Oficial Argentina

Mejor Película: GLUE – HISTORIA ADOLESCENTE EN EL MEDIO DE LA NADA de Alexis Dos Santos (Coproducción entre Argentina y Reino Unido)

Premio especial del Jurado: SOLEDAD AL FIN DEL MUNDO de Fernando Zuber y Carlos Casas (Coproducción entre Argentina e Italia)

La película chilena LA SAGRADA FAMILIA ganó el premio Signis (Asociación Católica Mundial para la Comunicación) a la mejor película.

Pasemos ahora al último festival de año que tiene lugar en Argentina, PANTALLA PINAMAR en su tercer edición, que tuvo lugar entre el 9 y el 16 de diciembre pasado. Es un encuentro de cine, organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), a través de su Consultoría de Festivales y Relaciones con Europa, y por la Intendencia Municial de Pinamar, a través de su Secretaría de Turismo y Cultura y tiene auspicio del Instituto Cultural del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. Este año este evento fue distinguido con la declaración de “Interés nacional” de la Honorable Cámara de Diputados de la Nación, ya que su objetivo es promocionar conjuntamente a la producción nacional y de las cinematografías del Viejo Mundo, y además de los invitados nacionales, se cuenta con la presencia de autoridades, directores, productores y actores de distintas procedencias europeas. Los organismos extranjeros que apoyan a este evento son el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales de España (ICAA), Unifrance Film International, la Asociación Nacional de Industrias Cinematográficas y Audiovisuales de Italia (ANICA), el ICAM de Portugal, German Films, Swiss Films, el Festival de Málaga (España), el Consorcio Audiovisual de Galicia (España), la Oficina Cultural de la Embajada de España y el Servicio Audiovisual de la Embajada de Francia.

En este evento también seguiré con la táctica de remarcar algunas películas de acuerdo a las secciones en las que se ha dividido esta muestra:

Y el ganador es...: aquí participan largometrajes argentinos, ya estrenados o por estrenarse, que entre el 1ero. de noviembre del 2005 y el 31 de octubre del 2006 concursaron en la competencia oficial, o ganaron algún premio en cualquier apartado de los festivales cinematográficos internacionales clasificados como “Clase A”. Los títulos más interesantes aquí presentados fueron: AGUA (ya comentado en el apartado BAFICI), CRÓNICA DE UNA FUGA (comentada en su oportunidad desde Cannes, ya que estuvo compitiendo en ese festival), DERECHO DE FAMILIA (otro efectivo trabajo del realizador Daniel Burman, que sigue la línea de sus anteriores trabajos, “Esperando al mesías” y “El abrazo partido” en un sensible y personal retrato de un hijo y un padre en camino a invertir sus roles, con excelentes actuaciones de Daniel Hendler, Julieta Díaz, Arturo Goetz y Adriana Aizenberg), EL CAMINO DE SAN DIEGO (de Carlos Sorín, al que se lo recuerda por “La película del rey”; “Historias mínimas” y “El perro”, que esta vez sigue a un joven de Misiones, una de las provincias del noreste argentino, fanático de Maradona, que decide viajar a Buenos Aires para rendirle tributo a su héroe caído), EL CUSTODIO (de Rodrigo Moreno con la excelente actuación de Julio Chávez, recientemente premiado en el Festival de Berlín por este trabajo, encarnando al custodio de un Ministro de Planeamiento, en una película que trata acerca de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la del otro, y las presiones que ésto implica).

Hoy es mañana, sección de películas argentinas y europeas no estrenadas en nuestro país, de las cuales recomiendo DÍAS DE CAMPO (del chileno Raoul Ruiz, recordado por trabajos como “El tiempo recobrado” y siguiendo con su preocupación por la interpretación del tiempo y la memoria, la ficción y la realidad, en su primer película chilena, en realidad coproducida con Francia, en los últimos 30 años, aquí aborda la vida de un supuesto novelista, que no sabemos si nos habla desde el reino de los muertos, o para ser más preciso desde el mundo de los recuerdos), FUGA (una coproducción argentino – chilena, ópera prima de Pablo Larraín, protagonizada muy eficazmente por dos actores, jóvenes, pero de trayectoria reconocida en nuestros países, Benjamín Vicuña y Gastón Pauls, y la historia de una melodía y de cómo un hombre, intenta escapar de ella, mientras que otro, desesperadamente, quiere hacerla propia. Una propuesta de una estética visual y sonora muy interesante), LA MEJOR JUVENTUD (una producción de televisión, de la RAI, muy ambiciosa, que dura seis horas, cuyo realizador, Marco Tullio Giordana, utiliza la reconstrucción de la historia familiar de dos hermanos para abordar la historia italiana de las últimas décadas. Vale la pena perder seis horas de la vida para verla), y SUSPIROS DEL CORAZÓN (coproducción argentino-española dirigida por Enrique Gabriel, con unas muy eficaces actuaciones de un elenco donde se mezclan nuevos actores y otros de reconocida trayectorias, entre los que se destacan Roger Coma, María Dupláa, Osvaldo Bonet, Alejandro Awada, Henny Trayles, Ana María Castel, y Horacio Dener, entre otros. Una historia de amor atrapada en el nostálgico mundo de las fotonovelas),

Un día, un film...: películas europeas sin distribución comercial asegurada en Latinoamérica, de las cuales me gustaría resaltar: ALICE, del portugués Marco Martins (que como comentara anteriormente fue premiada en el Festival de Mar del Plata del 2006, y un crudo relato de un padre, cuya hija desaparece misteriosamente. La atmósfera que crea el director es impresionantemente asfixiante y todo un logro la actuación del protagonista Nuno Lopes), CUANDO LLEGUE MI HOMBRE (coproducción suizo-alemana, dirigida por Oliver Paulus y Stefan Hillebrand, desgarradora historia de cómo una mujer puede intentarlo todo para lograr el amor y “sucumbir” en el intento), ENDIABLADAMENTE ENAMORADO (del director suizo Peter Luisi, y protagonizada por el actor argentino Pablo Aguilar, desde hace muchos años residente en Suiza, llega esta desopilante comedia) EL PEQUEÑO TENIENTE (del realizador francés Xavier Beauvois, este policial negro narra la vida de un joven, recién salido de la Academia de Policía, que llegará a París para integrarse en la Segunda División de la Policía Judicial y se enfrentará con los peligros y la rutina de su nuevo trabajo), LA SEGUNDA NOCHE DE BODAS del realizador italiano Pupi Avati (un adorable relato ambientado en Italia, ya terminada la Segunda Guerra Mundial y la historia de amor de un hombre, frágil de mente, con bastante dinero, y que se dedica a desactivar minas, y una mujer, casi al borde de la prostitución, que es “manejada” por su hijo, un verdadero buscavidas), y MATER NATURA (drama italiano, dirigido por Massimo Andre, y las desventuras de Desiderio, un transexual napolitano con poca suerte en el amor).

Lo mejor del Festival de Málaga: Películas ganadoras en la edición 2006 de ese festival entre las que se destacan BIENVENIDO A CASA (inteligente comedia del director español David Trueba, recordado por “Soldados de Salamina” y las eficaces actuaciones de Pilar López de Ayala, Alejo Sauras como protagonistas jóvenes, acompañados por Ariadna Gil, Juan Echanove y Jorge Sanz, LOS AIRES DIFÍCILES (un terrible drama, del estilo al cual nos tiene acostumbrados este realizador español, Gerardo Herrero, con anteriores películas como “Malena es un nombre de tango”, “Territorio Comanche”, “Las razones de mis amigos”, “El misterio Galíndez” y “Heroína”, presentada en ediciones anteriores en Pinamar)

Tributo a Carmen Maura (actriz española de prolífica carrera y de un pasado y presente almodovariano), y la brillante comedia REINAS, que disfruté muchísimo, donde comparte cartel con actrices excelentes como las españolas Verónica Forqué, Marisa Paredes y Mercedes Sampietro y la argentina Betiana Blum.

Selección “Raíces” (películas que han sido realizadas con la ayuda del programa “Raíces”, que fue pergeñado a mediados del 2002, por una iniciativa del INCAA, proceso que culminó en el 2003 con la firma de un acuerdo entre Argentina y la autoridades visuales de España y de las comunidades autónomas de Andalucía, Canarias, Cataluña, Galicia, el País Vasco y Valencia y que fue vigorizado en el 2004 con la suscripción de un acuerdo entre nuestro país, Cataluña y Galicia para crear un fondo económico específico como punto de partida para apoyar proyectos cinematográficos concretos. El 21 de enero del 2005 se creó el “Fondo Raíces”) Se exhibieron LA VELOCIDAD FUNDA EL OLVIDO del argentino Marcelo Schapces con una excelente actuación del joven actor Nicolás Mateo, premiada su labor en este film en el Festival Internacional de El Cairo, de este año, en un relato fascinante y conmovedor sobre la identidad, la memoria y el olvido; y UN FRANCO, 14 PESETAS, una deliciosa comedia dramática, ambientada en Europa en la década del ´60 que narra las aventuras de un grupo de españoles que tratan de mejorar su futuro, yéndose a trabajar a Suiza. El director es el español Carlos Iglesias y la historia que cuenta es la de su propia vida. Muy buenas actuaciones de Carlos Iglesias, Javier Gutiérrez, Nieve de Medina e Isabel Blanco.

... Y nada más que la verdad (documental argentinos y europeos), donde pude apreciar CUADERNOS DE CONTABILIDAD DE MANOLO MILLARES, un trabajo del español Juan Millares Alonso y la reconstrucción de los años de infancia y juventud de este artista canario, integrante de su familia, para tratar de encontrar las raíces del profundo sentido dramático, casi trágico, de la pintura de Millares.

La noche americana y la experiencia casi “religiosa” de ver RETRATO DE UNA PASIÓN, sobre la vida de la enigmática fotógrafa norteamericana, Diane Arbus, con excelentes actuaciones de Nicole Kidman y Robert Downey Jr.

La hora de los chicos y el sorprendente dibujo animado español, GISAKU, con unos impresionantes efectos visuales.

También tuvo lugar un programa especial de cortometrajes argentinos, presentados por la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), dependiente del INCAA, que fuera creada en 1965.

Los ganadores de esta edición de Pantalla Pinamar, que fueron elegidos tanto por el público como por la crítica local y que se llevan el Premio “Balance” fueron: el de Oro para CRÓNICA DE UNA FUGA, el de plata para DERECHO DE FAMILIA y el de bronce para EL CAMINO DE SAN DIEGO.

Otro detalle muy positivo del encuentro de este año fue que el número de espectadores pasó los 20.000, superando ampliamente los 18.000 de la edición correspondiente al 2005.

Espero que las impresiones vertidas sobre estos tres encuentros de cine hayan sido de utilidad y que refuercen la idea de la importancia de la cooperación internacional en el área de la cultura.

Me despido hasta el próximo encuentro.

BASES 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007

2007-01-08T17:35:00.000-08:00

BASES 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007

LAS OBRAS RECEPCIONADAS QUE NO CUMPLAN CON LAS CONDICIONES GENERALES DE PARTICIPACIÓN Y LOS REQUISITOS DE PRESELECCIÓN NO SERÁN INSCRITAS Y SE PROCEDERÁ A SU DEVOLUCIÓN.

1.- FECHA DEL CERTAMEN
Tendrá lugar en las Comunas de Pirque, Puente Alto y La Pintana, los días 18-19-20 y 21 de Abril de 2007.

2.– OBJETIVO
Realizar un Festival de Cine y Video para fomentar la creación y Producción audiovisual de realizadores nacionales, extranjeros y estudiantes de colegios de Chile. Que permita, ofrecer un espacio de difusión y discusión de las geografías postergadas por la hegemonía de los medios, junto con promover la producción audiovisual y cultural de cada pueblo.

3.– ORGANIZADORES
El Festival de Cine de Las Ideas es organizado por LA PRODUCTORA OJO INDISCRETO YEL FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS

4.- CATEGORÍAS DEL CERTAMEN

4.1.- CATEGORIA PROFESIONAL

Cortometraje
Competencia oficial para películas que desarrollen el género ficción, realizadas en cualquier formato, de duración máxima 30 minutos incluidos los créditos.

Documental
Competencia oficial para películas que desarrollen el género documental, sin restricciones de formato de realización ni duración.

4.2- CATEGORIA AFICIONADOS

Competencia oficial para películas que desarrollen el género ficción y documentales, realizadas en cualquier formato, de duración máxima 30 minutos incluidos los créditos.

4.3- CATEGORIA ESTUDIANTES

4.4- CATEGORIA ESTUDIANTES DE INTEGRACIÓN

Competencia oficial para videos que desarrollen el género ficción o documental realizadas en cualquier formato, de duración máxima 3 minutos incluidos los créditos y que sean realizados por alumnos con discapacidad física y mental de Colegios de Chile (solo participarán trabajos sin editar, es decir, realizados en un plano secuencia). Para esta categoría se realizará un taller de video en el cual los alumnos podrán comprender el concepto de plano secuencia. Las obras realizadas en este taller serán seleccionadas para ser parte de la competencia oficial.

5. - TODAS LAS OBRAS EN COMPETENCIA DEBERÁN SER PRESENTADAS EN VERSIÓN ORIGINAL EN ESPAÑOL

6. - CONDICIONES GENERALES DE PARTICIPACIÓN:

Podrán participar aquellas obras terminadas a partir de enero del 2005

Las obras recepcionadas para la competencia, en las distintas categorías, serán preseleccionadas.

Para participar en cada una de las categorías los realizadores deberán enviar una copia en formatos DVD o VHS, norma NTSC, habladas o subtituladas en español, para la etapa de preselección. Además deben incluir lo siguiente: fotografías de la película, sinopsis argumental, ficha técnica y datos completos del director.

Las cintas en DVD y VHS (NTSC), para la etapa de preselección, deberán ir dentro de una caja o estuche, cuya portada contenga la siguiente información: categoría en la que participan, título de la obra, nombre del director, año de producción, duración, país de origen, datos y contacto.

Las películas y videos clasificados para la Competencia Oficial deben ser representados por un profesional directamente relacionado con la obra (director, productor o actor).

7. - LAS PELÍCULAS QUE PARTICIPEN EN EL 2º FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS 2007, EN LA CATEGORÍA PROFESIONAL DEBERÁN POSEER NIVEL BROADCAST (ESTÁNDARES TÉCNICOS DE NIVEL PROFESIONAL).

8. - LAS COPIAS A EXHIBIR DENTRO DE LA COMPETENCIA OFICIAL DEBERÁN PRESENTARSE EN ÓPTIMAS CONDICIONES DE PROYECCIÓN.

9. - JURADO:

- Estará formado por personalidades del medio audiovisual, de las artes y la cultura.
- Estarán inhabilitados de formar parte del jurado personas directamente relacionadas con las obras en competencia.
- Existirá un jurado para cada una de las categorías en competencia.
- El jurado de la competencia Estudiantil, será el propio público y se realizará a través de votación en cada sala.
- El jurado de la pre-selección no será el mismo de la competencia final
- La decisión del jurado es inapelable

10. - PREMIOS

El 1° Festival de Cine Festival de cine de Las Ideas otorgará los siguientes premios.

CATEGORIA PROFESIONAL (1 premio por formato)

Cortometraje
Premio a mejor película cortometraje.

Documental
Premio a Mejor Película Documental.

CATEGORIA AFICIONADOS (1 premio por la categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental.

CATEGORIA ESTUDIANTES (1 premio cada categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental en Plano de Secuencia.

CATEGORIA ESTUDIANTES DE INTEGRACIÓN (1 premio por la categoría)
Premio a Mejor Película Ficción o Documental en Plano de Secuencia.

NOTA: El 2º Festival de Cine de Las Ideas 2007 entregará a cada uno de los ganadores premios en dinero, especies y/o servicios, dependiendo de los auspicios otorgados por empresas e instituciones para tal efecto.

11. - INSCRIPCIÓN DE LAS PELÍCULAS EN COMPETENCIA:

- La inscripción de una obra en la categoría profesional, aficionado y escolar supone la aceptación de este reglamento.

- Las obras recepcionadas que no cumplan con las condiciones generales de participación y los requisitos de preselección no serán inscritas y se procederá a su devolución.
- Para casos no previstos en estas bases, su adscripción será determinada por la dirección del certamen.

12. - FECHA DE INSCRIPCIÓN Y ENVÍO DEL MATERIAL

Los materiales deben ser enviados a la siguiente dirección: Ilustre Municipalidad de Pirque, Avenida Concha y Toro N° 02548 a Nombre del 2° Festival de Cine de Las Ideas2007.

Para mayor información contáctate con nosotros a través de e-mail: contacto@cineideas.cl? o con nuestra página web: www.cineideas.cl
Teléfonos: (56-2) 493 53 31 853 17 82 08-33884 23 08-621 80 51

La ficha de inscripción, el material en formato DVD o VHS (NTSC), así como toda la información requerida para la preselección, se recepcionarán hasta el día Viernes 23 de Marzo de 2007 hasta las 17:00 hrs. como PLAZO MÁXIMO.

La selección de películas y videos será informada por teléfono, fax o e-mail a su inscriptor a partir del 03 de Abril de 2006.

Los formatos de proyección son:
VIDEO : Mini DV, DVD y VHS
Sólo se aceptarán copias en video en norma NTSC.

13. - TRASLADO DE LAS COPIAS

Los gastos de envío de las obras, tanto para la preselección como para la Competencia Oficial serán de responsabilidad del inscriptor. La organización del certamen sólo se hará cargo de la devolución de éstas.

14. - SEGUROS DE LAS COPIAS:

El certamen no se responsabiliza por los daños o pérdidas ocurridas durante el traslado de las copias.

En caso de daño grave o pérdida durante el Festival, y mientras esté en su poder, la organización responderá por el costo de reposición de la copia, siempre y cuando esta situación sea notificada durante el certamen.

15. - LA DIRECCIÓN DEL CERTAMEN SE RESERVA EL DERECHO DE FLEXIBILIZAR CIERTAS RESTRICCIONES FORMALES CUANDO LA SITUACIÓN ASÍ LO AMERITE.

16. - TODAS LAS COPIAS EN FORMATO DVD y VHS ENVIADAS PARA LA PRESELECCIÓN QUEDARÁN DEPOSITADAS EN LA VIDEOTECA DEL FESTIVAL DE CINE DE LAS IDEAS, PARA FINES DE DIFUSIÓN CULTURAL Y PROMOCIÓN DEL CERTAMEN.

INSTRUCCIONES PARA LLENAR FORMULARIO DE INSCRIPCION

El siguiente formulario te permite inscribir tus realizaciones audiovisuales para nuestro certamen. Una vez que hayas puesto todos tus datos, puedes enviarlo a nuestra dirección, con el fin de tenerlo como antecedente de tu participación. Después de la recepción mandaremos el respectivo acuso de recibo, pero es muy importante decirte que el trabajo inscrito debe ser enviado a la brevedad para formar parte de la preselección, conforme a las bases respectivas de nuestro festival. Todas las notificaciones o cualquier comunicación lo haremos vía correo electrónico, fax, teléfono o correo ordinario, con el fin de que no nos desconectemos de lo más importante... tu participación. Puedes encontrar la ficha de inscripción en www.cineideas.cl

2006-08-27T14:27:00.000-07:00

Festival de Cine de Valdivia 2006:
"El Niño" y "El Hijo"
La humanidad menos profunda
Texto: Juan Pablo Fernández

Aquí la reseña a la historia da lo mismo. A nadie le importa el conflicto, nisiquiera a los personajes. "L'Enfant" (El Niño) y "Le Fils"(El Hijo) son películas de superficie y personajes que se dejan estar. Las historias de los hermanos Dardenne son grandes y repetitivos sistemas viciosos.

"El Niño" se trata sobre un padre joven que vende a su hijo recién nacido y con eso condena su matrimonio y, por extensión, su vida. "El Hijo" se trata sobre un padre que ha perdido a su hijo a manos de un joven delincuente que ahora, años después del delito, ha llegado a trabajar en su taller de carpintería. La primera es una película de un tipo que no sabe redimirse y la segunda es la de uno que no sabe vengarse.

Porque Jean Pierre y Luc Dardenne, los directores, instalan y manipulan personajes que son víctimas de la inercia de sus frágiles destinos. Y los siguen desde lo más cerca que pueden situando la cámara en los lugares en que se muestran más vulnerables, donde se les distinguen los poros y los reconocemos como víctimas de su falta de voluntad.

El ojo se centra en el espacio de los cuerpos de sus personajes, de troncos desganados y que caminan en piloto automático. En estas historias no hay madurez ni revancha, hay pura piel y costras. Profundamente tristes, estas dos películas forman parte de un cine tan austero que transforma su cinematografía en humanidad.

Transamérica

2006-08-24T13:32:00.000-07:00

El Festival Internacional de Cine de Santiago 2006 [SANFIC] ha sido una interesante oportunidad para revisar, agrandes rasgos, el panorama cinematográfico de los último años a nivel internacional. Entre los estrenos que se presentaron este año, cabe destacar la comentada película norteamericana Transamérica [USA, 2006], escrita y dirigida por Dunkan Trucker.

Se trata de la historia de Bree [Felicity Huffmann], una transexual que esta a días de someterse a una operación de reasignación sexual, mediante la cual pasará a ser una mujer desde el punto de vista genético. Pese a tener una formación universitaria, Bree vive en un modesto barrio de Los Ángeles y tiene dos trabajos que le han permitido ahorrar el dinero suficiente para sufragar los gastos que implica esta ansiada operación. De pronto, recibe una llamada desde una cárcel de Nueva York preguntando por el padre de Toby [Kevin Zegers], un adolescente encarcelado por tráfico de drogas. Consternada, Bree descubre que Toby es el fruto de una esporádica relacional heterosexual que mantuvo en su época universitaria, cuando aún era un hombre. Bree intenta ignorar esta situación y seguir concentrada en su operación. Sin embargo, su terapeuta al enterarse de esta situación, le sugiere que enfrente su pasado y condiciona el permiso legal para autorizar su operación al encuentro con Toby. Bree va a buscarlo a Nueva York y emprenden juntos un viaje de regreso a Los Ángeles, un viaje donde ambos se irán descubriendo en sus debilidades, sus frustraciones y sus emociones.

La película pretende contar una historia de un modo secuencial. Dunkan Trucker dice que decidió filmar Transamérica como una road movie, pues pretendía contar la historia de un padre y un hijo con el telón de fondo de una América y sus americanos comunes y corrientes. Sin embargo, la debilidad de la película radica principalmente en este punto, pues se trata de una película muy resuelta, que pretende un final concluyente para una historia que desde el principio está desencajada.

Se trata de un padre que intenta negar su paternidad durante toda la película, pero que, a la vez, pretende apoyar y modificar algunas conductas de este hijo rebelde que recién ha descubierto. Paralelamente, se cuenta la historia de un adolescente con serios problemas de personalidad, adicción a las drogas y dificultades para relacionarse con adultos de una manera distinta a la sexual. Sin embargo, este conflicto adolescente y real pasa a un segundo plano, y se insiste en la historia del padre y el hijo que se reencuentran, sin conocerse finalmente. La película pudo haber profundizado un poco más en ciertos conflictos que sólo se atisbaron, sin embargo el director Dunkan Trucker declara que hubo mucho cuidado en que la película no fuera demasiado subversiva para la cultura americana. Se entiende, de esta manera, que mucho temas hayan quedado abiertos y que el final haya pretendido mostrar la felicidad compleja de una típica familia norteamericana.

Fabiola Garay

"A PERFECTC COUPLE" Francia a la Ozu

2006-08-13T12:11:00.000-07:00

El tema de los planos secuencias es una abundante búsqueda en el cineasta de hoy en día. Da complejidad técnica, artística y un gran espacio de movilidad al actor para que desarrolle su papel sin un "corte" cada 10 segundos. Por lo general se suele familiarizar este tipo de operación con la cámara en mano que sigue a los personajes en todos sus desplazamiento. Por otro lado, el uso del off es otro formalismo que se utiliza en el cine moderno, ya que el exceso de información no hace más compleja la obra, sino que la unilateraliza en muchas ocasiones. En esta película se unen estos dos conceptos en uno y se genera un film de no más de 35 planos, con una duración de una hora y 50 minutos aproximadamente. El uso del plano general en trípode, de la búsqueda de dos planos en el mismo cuadro, colores apastelados, pintados por un realismo pictórico, de composiciones en movimiento y de escenas que se movían en su interior (objetos-actores) y no en su exterior(cámara). El uso del off como un elemento importante en una conversación; no es lo mismo tratar una converasción con un plano contra plano que solo mirando a uno de los personajes; y además el uso del silencio en off que ya parece la exacerbación máxima de la incomunicación al espectador pero que produce un efecto lúdico y frío al mismo tiempo son temas que trata el film.

La película trata a una pareja que viaja desde Lisboa a París, para el casamiento de unos amigos, y que luego de 15 años de matrimonio se van a divorciar, pero arriendan una habitación juntos, separados por una puerta. En un comienzo parecen estar relajados con la situación e incluso bromean, pero luego la densidad sicológica comienza a jugar un papel importante y la incomunicación más la soledad es el tema a tratar. Es aquí donde se une lo que dije en un comienzo con la película. Las operaciones mencionadas no sirven en cualquier obra, pero en una que trata de la incomunicación es lógico que se juegue con el público a no darles información. Una puesta en cámara a lo Ozu, fría y distante y casi sin ningún movimiento, en la mayoría de los casos con planos larguísimos y con el uso del jump cut trastocado por una negro de un segundo entre el antes y el después, como para enfriar aún más la situación. Película de diálogos ocultos, en qué hablan de una cosa para hablar de otra (lo contrario a Windows), en dónde se ve al hombre y a la mujer como seres necesitados de amor, por un miedo a la soledad más que por un deseo de estar con el otro. Muy a lo francés, llega a producir ese aburrimiento reflexivo en que el tiempo pasa y uno pareciera estar mirando un cuadro de pintura y nada se mueve pero de alguna manera todo continúa sin qué sepamos qué es. Gran ambiguedad narrativa y con personajes tratados con desprecio, no hay mirada más fría que la que no interviene. En esta película nunca se intervieve.

"Windows" resentimiento panfletario

2006-08-13T11:40:00.000-07:00

Aquí vamos de nuevo con el iraní Shoja Azari, el mismo de "K". Nuevamente esperanzados en su cine fragmentario. Esta vez: nueve historias, todas tratadas como plano sucuencia, y con el pie forzado de una ventana de por medio. Todo esto para develar la triste realidad americana hoy en día, con temas como: el alcoholismo juvenil, al amor juvenil, la familia estrezada, el trato a los musulmanes, el estrez aboral, la violencia en la calles o la pedofilia intra familiar. Recargado de un diálogo obvio, de lugar común y demasiado informativo, en donde el espestador debe escuchar para entender y el juego de los planos secuencia pasa a ser nada más que un registro repetitivo, que acompaña la información, de una cámara que va y viene de un lugar a otro, pero sin ese goce novedoso que producía Godard en películas cmo "Vivir su vida". En algunos casos Azari lo lograba más que en otros. Ya lo habíamos visto con K, su apelación a explicar la historia con diálogos y a enfatizar en el panfleto hacía de cada uno de sus módulos un juego en dónde podíamos adivinar el final y en muchas ocasiones "achuntarle", porque el lugar común abundaba, casi tanto como en los diálogos. Película para mostrar en el colegio, para enseñarle a los jóvenes los males de la sociedad moderna, con una complejidad tan baja como un simple mensaje que además (en muchos de los casos) un personaje lo dice.

Son nueve, hay algunos que funcionan más que otros, y es justamente en aquellos dónde la cámara se instala fría y muestra desde un adentro hacia un afuera, como debía ser, con una mirada voyerista y de dos situaciones, una al interior y otra en el exterior. Pero por lo general miraban desde afuera hacia dentro con la ventana como un simple ojo enjuiciador que mira la "realidad" americana, pero esta realidad es tan falsa y poco verosímil que aburre y cae en las obviedades más típicas de programas como "Pasiones" (en algunos casos) y no estoy exagerando.

Película resentida con la sociedad americana, los temas quizás sí son interesantes, pero para tratarlos de otra manera. No quiero juzgar nueve cortos de la misma forma, pero uno queda con la sensación de que la poética del director va más por ese panfleto, y eso molesta y quita tiempo. Los módulos que menos se sabe de qué hablan, son los más interesantes. Los que se saben educadores son realmente molestos por su lectura única, realmente única.

MUTUAL APRECIATION, música abùlica.

2006-08-12T16:12:00.000-07:00

Como un pequeño Cassavetes en busca de una intimidad perdida en el cine, Andrew Bujalski aparece con Mutual Apreciation filmando una generación que ya está lejos del maestro. 16mm b/n y un par de amigos, cerveza y un poco de música, caminar un poco, conversar y tratar de sobrevivir sin mucho esfuerzo, es el escenario activo de nuestra generación abúlica y cansada, con la aletargada estabilidad de la duda y la inseguridad. Con Cassavetes hay movimiento y violencia, gritos y explosiones internas que se exteriorizan compulsivamente entre calma y caos, generando contrastes emocionales que parecen un circo frente a la generación enmudecida de Bujalski. La simpleza de planos y reducción de espacio mantiene encerrados a los personajes en la cotidiana necesidad de decir algo sin importancia pero entre gestos de derrumbes que no vemos caer, se desdicen con un si y un no que valen lo mismo. Insisto, identificado, que esta generación corresponde a nuestro tardío nihilismo que ni siquiera tiene seguridad de aquello, aferrándose a unos valores ocultos que no son extrapolables ni tampoco muy funcionales. Amigos que ni siquiera tienen fuerzas para la traición donde toda palabra dicha es la acción que no se hará, mantienen la triste calma de no saber cuál es la respuesta adecuada para emociones imposibles de leer. Es interesante el montaje como forma enfática de esto, porque siempre salta al punto de escucha, muestra constantemente a quien escucha y no quien habla, mostrando reacciones y gestos inseguros para palabras que dicen poco, por lo que cada cara produce risa y cada decisión parece ridícula. Como un W. Allen adormecido y el deambular de Jarmusch, Bujalski camina entre un hiperrealismo idealizado pero profundamente conectado con el tiempo de una generación cansada en busca de una humilde sinceridad. De lo mejor de SANFIC.

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.

2006-08-12T13:29:00.001-07:00

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.
Miguel Angel Vidaurre.

Fernando Pacheco, "el suicida", matador de toros famelicos en la región Maya del sureste de México. Figura atrabiliaria que combina la obsesión de gallardia bizarra propia de los hidalgos con la aniquilación personal de los herederos de un imperio perdido en el tiempo.

La cámara de Carlos Armella y Pedro Gónzalez-Rubio registra con minuciosidad los movimientos de Pacheco, sus borracheras, las fanfarronadas de machito duro, sus trizaduras de adolescente curtido. Trazando una estrategia de trabajo al estilo del cine verite o del documental de observación - aquellas utopias entusiastamente ingenuas que pretendian captar lo real sin intervenir en él e incluso negar la producción de este mediante la presencia catalizadora de la cámara- ambos directores mexicanos nos permiten impudorosamente contemplar su vida por algunos minutos, su vida mostrada, instalada para los otros, en donde de vez en cuando se logra filtrar la represencia de lo informe, aquel trozo irreductible de la vida.

Toro Negro nos enfrenta a un México soterrado, alejado de sus balnearios repletos de turistas embobados en tequila y a sus ruinas convertidas en respetables nichos de cultura, aca surge la dureza maldita del México de Rulfo y la fascinación etilica y suicida que va desde Malcom Lowry a Buñuel. "El matador" Fernando Pacheco se gana la vida en ruedos patéticos y lidias de malamuerte, en ocasiones se disfraza de mujer y como un payaso trasvestido corre por la improvisada arena tras desfallecientes vacas que lo único que intentan es no caer muertas por inanición.

Borracheras que se extienden por años, relaciones amorosas que culminan a golpes y reconciliaciones imposibles con sabor a tequila barato; pequeños vastagos que deambulan entre gatos y perros callejeros, amistades masculinas que rozan la homosexualidad al tiempo que constituyen instancias de incipiente homofobia. La constante presencia de una violencia física arbitraria y alcoholizada construye una enrarecidad atmosfera en torno Pacheco sus acompañantes, trazando una línea invisible de formas agresión sin posibilidad de lenguaje que fatalmente nos hermana.

Es posible que uno de los mejores logros del documental es instalar - pese a todo los elementos adversos- a un personaje capaz de conformar una imagen de si mismo tan patética como digna, tan aborrecible en ocasiones como querible en otras. A fin de cuentas Toro Negro permite vislumbrar por algunos segundos la complejidad de lo humano, sin grandes juicios morales o consecuencias sociologicas.

TORO NEGRO : EL TRISTE MATADOR.

2006-08-12T13:29:00.000-07:00

MANDERLAY ¿Por qué le aceptaremos todo a Lars Von Trier?

2006-08-12T12:16:00.000-07:00

Es verdad, el danes nos tiene acostumbrado a sorprendernos con películas de bajos presupuestos(a primera mirada), muy astutas desde el punto de vista comercial y también desde su concepción artística. La pregunta es, ¿cuándo nos cansaremos de sus extravagancias? ¿Será cuando nos decepcione o simplemente nos cansaremos de su constante juego de hacer cine? Es verdad, no hay nadie que se le comparé en estos momentos en sus lúdicas formas. Y hay que decirlo, pareciera que Von Trier busca, en muchas de sus películas, la forma de hacer cine clásico sin que lo parezca, un cine clásico disfrazado de modernidad, donde finalmente el disfraz toma bastante más fuerza que la narrativa. Es el mejor ejemplo para analizar el cine de hoy, la narrativa de su cine se sustenta en las operaciones que utiiza, ese mismo guión dirigido de una forma más típica sería una película que ya hemos visto, aunque hay que tomar en cuenta también sus morales retorcidas. En verdad, da muchísimo de qué hablar.

Es una película de época, con diálogos bastante informativos, con personjaes voluntariosos por una causa, con gansters, poker, voyerismo, que habla de política en términos directos, melodramática por dónde se le mire, pretenciosa en cuanto a temáticas (la esclavitud y el racismo), con un narrador en off de cuento infantil(casi todas características del cine más añejo de hoy en día); y asi y todo no deja de darle más capas al cine, más que de repetirlas. Lo mejor de todo, es que sorprende y llega en lo emocional, en lo intelectual y en lo visceral. Será que ya puede hacer lo que quiere o qué sabe hacerlo, creo que sabe hacerlo. Finalmente incluso llega a ser una película para todas las personas, porque se pude agarrar desde cualquier lado. O sea, es tan astuto en su concepción que hace lo más extraño, primero, agarrado de una estructura aristotélica e indesarmable y, segundo, no piensa solo en un tipo de público, sino que la gama es muy amplia y para todas las edades (recordemos que parece cuento infantil).

La película trata sobre Grace (la misma tan abapuleada en Dogville), ahora no interpretada por Nikole Kidman, quien intenta sacar de la esclavitud a los negros de Manderlay, casitgando a la aristocracia blanca, y de cómo estos y la sociedad no están preparados para un cambio. Toca temas como la democracia, el comunismo o el paternalismo, todos llevados a situaciones límites y exageradas, dejando en claro que nada es tan bueno como parece y aún más, siempre hablando con un discurso que continúa vigente y que parece tener dejos de ambiguedad bastante más altos que el de películas ambientadas en la actualidad y que tratan solamente de política. Nos pone en aprietos a cada momentos con situaciones límites y nos damos cuenta de que siempre hay un pero, y ese pero es la violencia. Es una película de personajes que se enjuician, que se dividen, con un pensamiento individual antes que el colectivo, y en dónde lo podemos ver todo(no hay paredes en las casas).

Al igual que en Dogville continuamos con el "teatro filmado", el escenario teatral es la escenografía, con los capítulos y con la estructura clásica de guión. Pensaba que al danes se lo aceptabamos todo debido a que siempre traía una estructura totalmente nueva en cuanto a cinematografía, pero ahora se repitió el esquema y hay que decirlo, no deja de ser novedoso repetirlo. ¿Si hay mas de 2000 películas filmadas de la misma manera porqué no van a poder haber dos distintas con una similar estructura? Con esto nos damos cuenta que Von trier no es solo juego (si es que alguien seguía convencido de eso), porque sus películas no solo juegan dentro de sí, hay un juego con el espectador constantes desde el punto de vista moral. Los valores se van diluyendo, las situaciones van ganando y genera una película ambigua, no por pararse desde fuera y no juzgar, sino que está tan dentro de la película que nos muestra ambos lados y se entienden los dos, y finalmente es el poder el único que puede decidir. Dan ganas de odiar a los negros, asi como hubo que odiar en Dogville. Uno desea un vuelco moral como aquel, pero siempre nos da menos que lo obvio (que finalmente es más). No deja de jugar con nuestros valores y los pone en crisis constante. Atraviesa el cine en sus dos direcciones direcciones, el auto reflexivo y que reflexiona sobre la sociedad.

Todos quieren hacer películas de época, pero no hay plata, Lars Von Trier se las arregló con poco e hizo dos, y viene la tercera. Es tanto lo que puede lograr que en un momento en el cine se prendieron las luces por unos cinco minutos y la película corría y llegué a creer que eran instrucciones del danes. Si finalmente le aceptamos cualquier cosa, lo disfrutamos y nos quedamos con ganas de terminar la zaga completa.

EN EL HOYO, El Mexico de hoy, no desde MTV

2006-08-11T11:30:00.000-07:00

Podrá parecer texto repetido, pero los documentales que van en búsqueda de un no saber qué resultan bastante más interesantes que aquellos que tienen tema y direcciones pre establecidas. No significa que el documental auto-reflexivo sea el único que pueda entrar en las búsquedas de un siglo XXI, que es de dónde tenemos que saber estamos parados. Pero sí tiene que ver con la manera de aboradar las temáticas y de cómo son finalmente ellas mismas las que se van abordando solas y nos encuentran, de una manera menos juzgada que cuando las insertamos a la fuerza.

Este documental tiene un tema de entrada, pero termina siendo una mera excusa para hablar de la sociedad mexicana desde sus obreros. Un gran puente carretera será construído en Ciudad de Mexico y esto será registrado por Juan Carlos Rulfo (Fotografía- dirección-producción y guión e hijo de el escritor de Pedro Paramo) quien intentará, también a modo de pre texto, hablar de la leyenda que dice que el diablo se lleva, a cambio de que el puente no se caiga, almas de los trabajadores. Finalmente el documental nos muestra el Mexico de clase baja, nos saca de los íconos de ese país MTV, o de aquel tan místico como lo es para los seguidores de Castañeda y las culturas Aztecas. Aquí está el de hoy, desde sus trabajadores. Y no hay una mirada paternalista, mucho menos sentimentalista, sino que hay una cámara que registra desde su trabajo, desde las alturas en donde están los obreros, como acompañándolos en su trabajo y casi sin estorbarlos. Es un documental en dónde se habla de amor, sexo, política, religión y clases sociales. Todo desde autoridades mínimas que en muchas ocasiones hacen que lo dicho tenga más lecturas que cuando lo hace una real autoridad en la materia. Con un tono naturalista, en dónde las tragedias ocurrían y la cámara grababa mientras los "personajes" ayudaban al dañado; realmente en momentos parecía ficción (de la que juega a ser documental) y daba para reflexionar en cuanto a las reacciones de las personas ante echos dramáticos. Cómo el sentido del humor continúa, cómo la situación no se roba todo un sentimentalismo, cómo el hombre no reacciona de manera automática, como muchas veces vemos en las películas.

Ocupa un estilo metonímico y ocupa un sector del puente sin importar cuál, sí importan sus personajes, que terminan siendo unos 4, los más importantes. Registro, entrevistas sobre temas diversos y, lo mejor, honestidad de parte de los entrevistados, por lo que nos encontramos con frases notables como "Ayer aparecí en la prensa por golpear a mi vieja, pero solo le partí el labio, la vez pasada la dejé de ojos cerrados" o "conozco arquitectos, médicos e ingenieros. Todos estudian para robar". Esto sin que el documental tenga una misión de revelar a un grupo social ni una mirada de protesta. Es interesante el grupo que toma, ya que uno lo relaciona con su cultura y se da cuenta cómo la de obreros tiene mucho que ver con el imaginario de la que hay aquí. Juguetones, voyeristas, maestros chasquillas, esforzados y amantes del alcohol entre otras características.

Otro tema a tocar es su fotografía, hay un ojo del camarógrafo increíble para mantener la cámara fija y no moverla con esa moda "moderna" de que mientras menos se contemplé mejor. Además hay usos de Time laps con movimientos de cámara, que le dan al documental una carga técnica y estética bastante importante. Tiene cosas de Koyaanisqatsi, incluso en los time laps ocupa música ochentera, pero aquí hay un tema detrás por lo cual no es belleza por belleza, como el video arte-documental de la trilogía Qatsi. Finalmente nos muestra el porte del puente, no es más chica que La Costanera Santiaguina, realmente impresiona el exceso.

Documental de varias capas, bastante social pero sin juicios detrás. Que se va armando con el paso del tiempo. Entretenido, sin una mirada pretenciosa y que se aleja mucho de lo que se espera de ante mano: ver al hijo de Rulfo hablando de mitos y jugando a ser su padre desde el audiovisual, auque sí hay una búsqueda de la memoria colectiva del pueblo mexicano, pero sin pretenciones muy grandes, debido a que el grupo elegido no le entregó eso, sino otras cosas y se acomodó, astutamente se acomodó.

EL HIJO

2006-08-10T14:36:00.000-07:00

En los últimos años nos ha tocado ver, y en algunos casos sufrir, al nuevo cine francés. De tiempos tan lentos y de sucesos tan mínimos, muchas veces con un tratamiento sicológico-intelectual que cansa y produce tedio, y que en casos se repite de película en película. Un estilo muy marcado y quizás, en algunos casos, agotado. En este caso la película se cuelga de este cine y se va moviendo en acciones muy cotidianas, pero ahora el peso que llevan los personajes justifican en gran medida el no avanzar de la película. Es un film que se mantiene en el tiempo, en el cual el conflicto no se va agudizando porque va avanzando, sino que se va acumulando a medida que avanza el tiempo, por lo contrario: por que pesa dentro de los personajes como un secreto que no quiere ser develado.

"El hijo" es de esos filmes en donde no se nos informa qué ocurre. En los que debemos esperar y especular durante un rato quiénes son, qué hacen y qué relaciones tienen desde el pasado estas personas. En términos narrativos; un hombre que trabaja con mádera, y que enseña a jóvenes a trabajar con ella (en términos fundamentalmente de construcción) recibe a Francis que viene saliendo de la cárcel por asesinato. La relación entre el tutor y el asesinado es muy cercana y con este secreto se vive un viaje extenso entre ambos en búsqueda de madera. De diálogos cortados, silencios extensos y una cámara en mano reflexiva que filma en casi todas las ocasiones como plano secuencia se genera una película fría. En un ambiente europeo pesado y de la clase media-baja. El echo de los planos largos y cerrados hace que los actores y sus rostros sean fundamentales, y su actuación se acentúa en gran medida por los silencios y las acciones que realizan paralelamente, más que por los diálogos.

Es una película pesada, de conflictos inresueltos, de problemas no conversados. En donde a cada intento de ser resuelta se queda en lo mismo, como si por inercia el trabajo fuera más importante que el pasado o si hubiera un miedo interno de afrontar las cosas. Con un mensaje social bastante difuso, con una moral que va cambiando con el tiempo. En donde nadie es juzgado y el espectador puede mirar desde fuera esta relación en base a echos concretos que son solo mostrados, a modo de documental.

Fría, inresuelta, de sonido directo constante y bastante pesado, sin música en ningún instante. Es una película con textura de madera, húmeda, áspera y poco simpática. En dónde tan solo un secreto y una verdad van jugando, lo más interesante, sin generar grandes cambios en las relaciones. Finalmente lo más importante se resuelve, pero el tono continúa, el cambio es interno y el trabajo sigue. Como si todo pudiese quedar oculto en el fondo de sus estómagos.

ALMA MATER; existencialismo de niños

2006-08-10T14:25:00.000-07:00

Alma mater parecía en un comienzo ser una película de humor negro y simple, de personajes complejos y cotidianos y solitarios, de un naturalismo decadente en el Montevideo desolado y no turístico. A modo de referencia, tenía dejos de "Whisky", pero le duraron solo un par de minutos. Luego cayó en su juego de trama líneal, con un conflicto demasiado "importante" para la época (una mujer se siente llamada por Dios, pero luego descubre que puede ser el mismo diablo) y con cuotas del sentimentalismo más típico de una teleserie chilena.

Será posible que en el 2005 se haga una película de una mujer estereotipo de la bondad moderna; tímida, buena gente, buena trabajadora, virgen y perteneciente de una iglesia evangélica; y que sea poseída por el diablo para vivir la tentación de vivir lo que viven los demás. Parece básico, y digo básico porque parece ser la trama de un cortometraje de básica. Y esta película no es mucho más que eso, no utiliza eso como un elementos de comedia, sino que lo trabaja seriamente, como tema social importante. Mensaje moral del siglo XVIII. El drama se vive de manera fría, al momento de encontrarnos con la vida cotidiana de la mujer, pero cuando nos vemos enfrentados a sus sueños todo cambia y la película toma un tono iluminador, develadora de una verdad y casi mística. Quizás su mayor gracia sea tomar un personaje como ese (trabajadora de un supermecado) para una temática tan clásica como la que tiene el film.

Es el concepto de la historia mínima, llevada a la historia máxima, pasando por un manual de guión sin retoques. Con plots, villano y mentor muy definidos. Y para que hablar del cambio Pamela(la protagonista), que pasa desde un extremo hasta otro, y peor aún, en este caso es desde la tímidez absoluta(BIEN) hasta el ego absoluto(MAL). Siguiendo con sus clacisismo, el mal se presenta como un personaje vestido de negro, con gorro de cine policial y con frases tales como "vas a caer en la tentación" regalándole el vuelto a la cajera, la cual lo toma y se lo lleva para casa, pero rato después nos enteramos de que nadie más vio a tal personaje y que es sólo fruto de la imaginación de la protagonista. Luego este mal pasará a ser una doble personalidad de la misma, mientras un travesti se convierte en su mentor y le enseña la nueva vida. Además la protagonista empieza a creer que está embarazada y se nos hace intuir ( de manera casi explicita) que quien lleva puede ser el salvador del nuevo milenio, por lo cual comienza a buscar un padre para el pequeño. Para la comedia una trama delirante y astuta, pero el tratamiento la guía hacia el existencialismo que pueda vivir Pamela. Esto sumado a canciones con líricas referentes a la película (algunas de ellas religiosas) y diálogos extensos que llevan información sobre la trama a cada momento. Imposible perderse.

El ser humano es bastante más complejo, y no hay que ser un genio para sobrepasar esos conflictos. Alma mater se queda en la nada, siendo que en su país le ganó uno que otro premio a Whisky, cartel con el que venía al festival.

DUMPLINGS

2006-08-10T12:10:00.000-07:00

DUMPLINGS: ABYECTOS PLACERES.
Miguel Angel Vidaurre.

Dumplings opera como una singular máquina de repulsión y seducción en donde ninguno de los extremos parece coincidir ni repeler al otro. Una fabula pequeña que roza el moralismo se encarna en una refinada puesta en escena que conmueve y paraliza el juicio. A diferencia de un filme politico o de intenciones redencionistas, Dumplings se alia con la fascinación por lo perverso y lo ofrece con un encanto indiscutible. La imaginación macabra tan favorecida por el espiritu decadentista del siglo XIX y encabezada por los prerrafaelistas y sus caprichos bellos hasta el kitsch, parece encontrar de manos de Fruit Chan y de la fotografia de Christopher Doyle a dos buenos aliados a su causa : la estetización de lo innombrable.

Cuando una actriz obsesionada por mantener su belleza se vincula a una cocinera para poder consumir dumplings rellenos con carne de fetos humanos que provocan el efecto de rejuvenecimiento buscado nos encontramos frente a una trama que tiene un innegable poder de atracción. Toda ruptura de los tabues nos situa frente al placer de poder contemplar por algunos instantes el espacio de lo prohibido, la zona de los deseado pero no permitido, una rasgadura del velos que nos permite husmear con despreocupada soltura por estratos mentales vetados para la cotidianeidad.

La combinación entre los elementos vinculados a lo macabro y la superficie de tintes melodramaticos otorgados por Doyle - su marca indiscutible ganada en los filmes de Wong Kar Wai- constituyen la estretegia formal propicia para la irrupción de lo abyecto; como aquello vetado por la moralidad cotidiana y permitido en la ficción gracias a la capacidad seductora de los materiales.

La simple suma de fabula grotesca con puesta en escena de tono brutalista o nuestro habitual "criollismo sucio", no produce necesariamente un aumento de la potencia de las imagenes, e incluso puede llegar a rebajar el nivel de intensidad, por otra parte la tensión entre los aspectos macabros de una historia y su encarnación en formas delicadas que parecen pertenecer a otro registro dramático y que provocan un subito aumento de la intensidad de las imagenes.

Dumplings se instala como una fabula siniestra en el sentido de los cuentos de Ambroise Bierce, o en el cinismo elegante y cortante de los aforismos de Cioran, formalmente refinada, morosamente editada y moralmente ambigua. El placer que emana de ella es similar a la atracción del abismo fabulada por la imaginación romantica y al enamoramiento necrofilo de los escritores góticos. El escollo moral es superado por la atracción formal, el triunfo estético de lo perverso es indiscutible.

LOMAX the songhunter, reflexiones sobre el registro(del FOLK)

2006-08-09T20:53:00.000-07:00

El cine tiene una relación interna y demasiado cercana, cuando intenta ser reflexivo, con el tiempo. Con el tiempo como un concepto que no deja de ser nisiquiera cuando ya pasó, y esto es fundamentalmente por la relación imagen-conciencia-recuerdo y de como todos estos conceptos están siendo al momento que son presentado. Por lo tanto el cine le debe al tiempo su auto reflexión. ¿Qué pasará entonces con la música? ¿tendrá integrada esta idea también? siendo que puede ser interpretada una y otra vez por sus creadores u otros, aunque por otro lado también puede ser grabada y re leída otra vez por un auditor ante exactamente el mismo objeto de referencia. Pero qué pasa cuando la música nació una vez y no fue registrada, aquella murió y se desvaneció, incluso para sus creadores, hasta que se les vuelve a recordar de su obra anterior.

Este es uno de los temas a tratar en Lomax, documental en el cual un viajero va en busca de los inventores de canciones folk de los años cuarenta, las cuales fueron rescatadas por por Lomax en aquella década. Pero éste, ahora está con una enfermedad mental y no puede dar entrevistas, por lo cual el documental habla de él al buscar la gente que éste anteriormente había grabado. En palabras más simples, un documentalista visual va a encontrar a los ahora ancianos inventores de canciones Folk que fueron anteriormente registrados por un documentalista sonoro (y en casos visual). Finalmente la retrospectiva nos lleva a identificarnos más con los ancianos, a los cuales, luego de tantos años les llevan su obra pasada e improvisada con el fin de que recuerden y re creen esa situación, hablando de las actitudes de Lomax y volviendo, en casos, a interpretar la música que ya habían grabados.

El viaje cruza Europa (Gran bretaña- España e Italia) y además nos lleva a Estados Unidos, por lo que es una gran gama de estilos musicales con la que nos encontramos. Casi todos improvisados y algunos de ellos apoyados por un archivo visual que realmente causa algo en el espectador. Es impresionante como el celuloide impacta y gana más cuando es un archivo documental, que cuando es ficticio y está expuesto perfectamente. En este caso, al igual que en la película de Godard, marca pautas, estados de ánimo y verosimilitud que hacen ganar a la película en términos tanto formales como de complejidad en la espacialidad temporal en la que se instala.

Es un documental que reflexiona sobre la música, el cine y de cómo el arte varía con el paso de los años. Por lo cual tiene claras reflexiones sobre el tiempo y de cómo éste es solo uno, y uno bastante desfigurado y poco líneal en la mente humana. Recuerda mucho al documental de Wenders "The soul of a man", pero en este caso no es Nick Cave, Lou Reed o Beck los interpretes actuales, sino que los mismos viejos que años anteriores los inventaron.

Finalmente la intención del documental es hablar de Lomax y de lo que ayudo su registro en el pasado para la historia de la música negra en estados unidos ("El jazz es para la elite de estados unidos" se reclama en alguno de los archivos), y de cómo hoy por hoy es un hombre decadente y enfermo, pero se va desplazando por el viaje y por los viejos a los que encuentra Rogier Kappers, el documentalista, y así se va abriendo sin alcanzar a cerrarse de una manera clara.

Rápidamente Me and You and Everyone We Know.

2006-08-09T15:55:00.000-07:00

Miranda July dirige y cumple un rol protagónico en este film independiente, creando un mundo no completamente original del suburbio norteamericano pero si más estilizado e idealizado irónicamente. Personajes a lo Todd Solonz pero llevado a una comedia más ligera y no de impacto social (en sentido de mostrar algo oculto en el ciudadano medio), sino buscando una intimidad exteriorizada que ritualiza la rutina de aquel ciudadano. Todo personaje se muestra en su excentricidad al mostrar acciones que no representan una “locura contemporánea”, sino más bien como una materialización de pensamientos y sensaciones internas sin carga moralizante. Toda la cotidianeidad está llevada a la ceremonia, la nimia rutina llena de carencias en todas las edades hacen de cada acontecimiento una especie de ritual que da trascendencia a la vulgar vida del ciudadano medio, encontrándose con una mistificación del presente que siempre, agradecidamente, es llevado a la parodia de sí mismo, incluso como una parodia esperanzadora de las películas de suburbio decadentista.
Por una parte comedia triste preciosista y por otra decadencia de vidas aferrándose a cualquier cosa buscando sentido o trascendencia, pero siempre auto conciente e irónica frente a su estructura. Por ejemplo, un bello elemento en la evolución de esta historia coral es su juego de simulación, donde ningún personaje cumple realmente con el arquetipo asignado, todos retroceden ante un rol que no les pertenece; el pedófilo realmente no lo es pero juega a serlo hasta avergonzarse, niñas promiscuas e inseguras reculan antes del esperado desenlace sexual y todo conflicto nunca es llevado hasta el límite sin retorno, sólo simula situaciones que no serán consumadas, o más bien finalizan desenmascarando los arquetipos y dejándonos con simples personas que no saben qué hacen ni por qué pero simplemente tienen que relacionarse con otros, asunto tristemente realista. Quizás el único personaje que mantiene esta idealización de sí mismo es el interpretado por la directora, haciendo de video artista sensible y pueril que no retrocede hasta obtener lo que quiere, tal vez por ser quien presente mayores carencias, aunque se llena quizás demasiado de “momentos lindos”, aunque que creo son realmente ironía. Es una película más graciosa que otra cosa, pero de humor inteligente y profundamente coherente con el tinte emocional del film, triste, dulce, absurdo y cotidiano.

Monogamos sucesivos; vergüenza ajena.

2006-08-09T13:10:00.000-07:00

Llevar a imágenes la palabra no es un asunto ilustrativo que reafirma una noción general de un texto, sino una búsqueda en imagen con autonomía poética, evidentemente porque entre imagen y palabra hay un abismo que no se llena con sonido. Por ejemplo, un poema escrito no tiene una representatividad visual correspondiente, ni se logra escuchando una lectura de éste sobre la imagen, porque son lenguajes independientes que muestran cosas distintas y producen sentido a partir de estructuras diferentes donde cualquier cambio de forma cambia el contenido. Lo que se ha hecho con Monógamos Sucesivos es una ridiculez tanto como cine y poesía (lírica), donde la palabra de Gonzalo Rojas se junta (pero nunca se funde) con imágenes que pretenden mostrar algún tipo de relación con la obra del poeta, pero jamás pasan de la más burda e infantil manera obvia y ordinaria de ilustrar algo, cayendo y recayendo en la cursilería más barata. Por ejemplo, mientras escuchamos un poema que habla del amor, mujer y erotismo… se muestra una mujer en la puesta de sol desnuda hasta que llega un negro y se la tira “poéticamente”, es decir suave y juguetonamente. Así sucesivamente por muchos lugares conocidos (monumentos nacionales de varios países y demases postales), entre parejas que se hacen gestos y luego van a la cama. Se intercala con la menos interesante entrevista a Gonzalo Rojas y Volodia Teitelboim mientras Tamara Acosta hace gestos de estar muy interesada en lo que ambos dicen. Nada más, y es peor de lo que parece. Ningún punto de vista aparece más que la perogrullada de la supuesta universalidad del poeta. Créanme que basta con diez minutos y la “creatividad” se acabó. Realmente un documental sin ningún sentido, apenas cumple con lo básico del género: documentar, porque personas desnudas en diferentes lugares ya hay demasiado. Hay que ser exageradamente ingenuo para creer que recitar unos poemas va a hacer profunda una obra cinematográfica. Se nota un completo desconocimiento del lenguaje, una vergüenza para el financiamiento estatal, también incapaz de comprender que el tema no hace la película. Me despido con rabia desde SANFIC luego de ver la peor obra chilena realizada jamás por la pretensión más chanta que he vista acá (también vi un trozo de la uruguaya Alma Mater). Chao.

NOTRE MUSIQUE: EL FILME TENTATIVO.

2006-08-09T10:11:00.000-07:00

NOTRE MUSIQUE :

FILME TENTATIVO.
JEAN.LUC GODARD. 2004.

"PIERROT LE FOU NO ES REALMENTE UNA PELICULA, ES UNA TENTATIVA DE HACER UNA PELICULA Y SE PRESENTA COMO TAL" (J.L.G)
Miguel Angel Vidaurre.

Aun se mantiene vigente la opinión de Susan Sontag en torno a la filmografia de Godard : "La película se concibe como si fuera un organismo vivo; no tanto como un objeto sino más bien como una presencia o un encuentro...". Nada se instala como definitivo, acabado o resuelto, la forma cerrada es absuelta por la noción especulativa del ensayo y el aforismo. El filme es pretexto para una especulación, una fanfarronada moralizante o un ejercicio dialectico en torno al sentido del plano contraplano.

Desde sus inicios Godard se ha instalado como apostillador y maestro en un mismo movimiento. Filmando los pies de pagina de la historia del cine, o anotando en los margenes sus comentarios. Cine desde las orillas, cine como se pueda, en el sentido del Buñuel mexicano. Junto con Marker son las voces del cine frances, los off permanentes, sin contar a Bresson, los monólogos susurrantes, despiadados y cartesianamente astutos que han caracterizado una cinematografia nacional en donde se tensiona la linea entre la producción de guardarropia del llamado cine de calidad y la descontrucción sistemática- fatigosa y fastidiosa en ocasiones en opinión de Cabrera Infante - de la estirpe godardiana.

NOTRE MUSIQUE se concibe como un nuevo acercamiento a ese universo moral y cinefago que constituye el personaje Godard. Con un montaje inicial de diez minutos en donde se combinan imagenes de Sarajevo - la problematica nuclear del filme - con secuencias de filmes que van desde Ivan el Terrible hasta El Beso de la Muerte, desde Eisenstein y la academia sovietica hasta Aldrich y el cine B norteamericano. El infierno de Godard se concibe como un repertorio de imagenes en donde el criterio de división ontológica ha sido disuelto.

Su purgatorio posee las cualidades del mundo frances, escritores, poetas, cineastas, instalados en un lugar en disolución - Sarajevo - intentanto iluminar la oscuridad embrutecedora de la guerra. Bibliotecas destruidas, busquedas de reconciliación entre antagonistas intestinos, una muestra de la pedagogía godardiana frente a un grupo de jovenes, intentando revelar los hipercodificados senderos de la imagen contemporanea. Humanismo crítico que adormece mi mirada, un pequeño sentimiento de verguenza en ese grupo turistico de intelectuales sufrientes.

El paraiso me permite alejarme de Godard - este maestro que fastidia en ocasiones - como lo último de Antonioni me permite recuperar la palabra para referirme a su obra y desplazarse del frío entusiasmo academico, y comprobar que finalmente Godard prosigue en la tentativa de realizar filmes, por lo tanto realizando pruebas, errando en ocasiones, acertando con lucides en otras, permitiendome escapar a su intencionalmente debil fuerza de atracción y verificar la eficacia de su estrategia.

"K" cuando se olvidaron de Kafka

2006-08-08T21:39:00.000-07:00

El director Shoja Azari se presenta con dos películas este 2006. Ésta, adaptación libre en 3 historia a kafka; y windows, nueve historias con el pie forzado de una ventana. Al parecer un amante del cine fragmentario, pero, aunque está película tenga esta característica, solo se queda en eso. La película tiene a una serie de personajes que viajan por 3 espacios (3 cuentos distintos de Kafka), todos atemporales, y que llevan una extrañeza constante y nos lleva a recordar en algunos momentos a David Lynch sobre todo por el tratamiento sonoro. La diferencia esta en que Lynch instala una normalidad para luego romperla con echos fantásticos sin ninguna explicación y sin simbolismos de por medio, algo claramente kafkiano; mientras Azari instala todo en un espacio sin tiempo claro, en donde no hay ninguna noción de equilibrio, por lo que las rarezas que proponen terminan siendo obvias y cansando, ya que van una tras otra. Por otro lado, la película está filmada, claramente, en base a los canones de cine negro y expresionista, sin ninguna nueva búsqueda, por lo que los cliches en cuanto a montaje, planos y, en casos, hasta situaciones, son costantes. Y en esto la actuación cae aún más ondo, con personajes de una sobre actuación altísima (aunque claramente es una propuesta) y el exceso de diálogo explicativo, poético y moral van llenando la película de una pretención reflexiva y existencial, acerca del mundo, que no alcanza a reflejarse. Por lo que no fue raro escuchar de muchos de los espectadores el tema de que fue muy pretenciosa, algo que molestó.

Quiso ser demasiado "artístico", ambiguo e intrigante, pero toda esa ambiguedad se va agotando al momento en que todo lo que sucede es extraño y además tiene explicación con diálogos extensos y que alargan las secuencias de manera gratuita. Por otro lado hay un humor extraño al interior de la película, pero que no se sabe si es de adrede o no, porque a momentos parece parodia del cine negro más clásico de Holliwood, en otros la puesta en escena y el vestuario se ven precarios, además de una extraña movilidad en el personaje principal, que dista mucho en la actitud de los demás. A fin de cuenta, una película extraña.

Sin duda el primero es el que más puede llegar a impactar, por ser el iniciador, y segundo ya que el personaje principal va perdiendo protagonismo con el paso del tiempo, lo cual es una propuesta interesante. Es aquí donde mejor se ve la película, en esa extrañeza de poner a los mismo personajes de las historias anteriores, con las consecuencias de la historia anterior, pero partiendo desde cero. Lo cual lleva al espectador a entrar en una confusión de qué es lo que ocurre, y con la cual plantea una reflexión acerca del tiempo, la imagen y las opciones de narrativa al interior del cine.

Pero, por otro lado, el uso de flash back con previo aviso y con cierre claro, e incluso con voz en off explicativa desgasta la película y la hace envejecer. Sobre todo si pensamos que es Kafka quien tenemos atrás, a quien creo, no se le hubiera pasado por la mente aquel recurso, como buen padre del fantástico de fenómenos sin causas claras y en donde los espacios temporales se van entre mezclando, más que separándo por una línea de tiempo unitaria. Es por esto que K no le da una lectura muy moderna al escritor y se queda en su intenció narrativa y en ser "rara", pero no por eso deja mucho que reflexionar, ni tampoco entretiene. Intenta en momentos de copiar a modo de calco, secuencia de Welles, colores de Welles, el vestuario de welles, y puestas en escena del mismo, e incluso el actor tiene un leve parecido al director de "El proceso".

Las búsquedas están( a veces lograda, otras no) lo cual es algo rescatable, pero están añejas, lo cual es algo ingenuo. Nos queda esperar por "Windows", una película del 2006, hay que tener en cuenta que "K" es del 2002.

EQUIPO VORAZ EN SANFIC 2006

2006-08-08T12:59:00.000-07:00

2006-06-01T07:56:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 11 - 01 de Junio
Por María Fernanda Fernández

Bueno, amigos, ya instalada nuevamente en Buenos Aires, tratando de acomodarme a la rutina diaria y volviendo a la vida sin glamour, nos encontramos frente a este último reporte y el momento de analizar las premiaciones. El ganador de este año, el británico Ken Loach, que obtuvo la Palma de Oro por THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY, es uno de mis directores favoritos y sobre el cual he realizado el trabajo final de mis estudios de crítica de cine. Estamos frente a un realizador infatigable y combativo que, por primera vez, logra este primer premio en el Palais. En dos ocasiones anteriores, 1990 con AGENDA SECRETA y 1993 con COMO CAÍDOS DEL CIELO, había logrado los Premios del Jurado. Con casi 40 trabajos realizados tanto para la pantalla chica como para el cine, Loach se ha convertido en el paradigma del director preocupado por las problemáticas sociales y políticas con películas sobre conflictos tan diversos como los de Irlanda, la Guerra Civil Española, la inmigración ilegal en los Estados Unidos o la revolución sandinista en Nicaragua.

Los otros premiados fueron:

Gran Premio para la francesa FLANDRES

Mejor guión para el español Pedro Almodóvar con VOLVER, que era uno de los firmes candidatos para llegarse el primer premio.

Mejor director para el mexicano Alejandro González Iñarritu por BABEL, otra de las grandes candidatas, que recibió este premio de las manos del genial Tim Burton. Otra distinción para esta película fue el premio otorgado por el Jurado de la Comisión Superior Técnica de la Imagen y del Sonido a Stephen Mirrione por su trabajo de montaje.

En relación con los premios para los mejores actores, tanto en mujeres como en hombres, la particularidad fue que se otorgaron no individualmente, sino a los protagonistas de dos realizaciones, tal es el caso del mejor actor para INDIGENES (con Jamel Debbouze, Samy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila Y Bernard Blancan; y para las actrices de VOLVER, Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo y Chus Lampreave, quiénes dedicaron esta distinción a Almodóvar, como un merecido reconocimiento.

El premio del jurado fue para Red Road de la británica Andrea Arnold, y la importancia de una mujer obteniendo alguno de los premios de la sección competitiva, ya que es algo que no suele suceder frecuentemente en Cannes.

La Cámara de Oro, un premio otorgado por un jurado independiente presidido por los hermanos Dardenne (ganadores el año pasado con EL NIÑO) a las operas primas que participan dentro de la sección “Quinzaine des Realisateurs”, le tocó esta vez, y con un voto unánime, a A FOST SAU N-A FOST?, tragicomedia del rumano Corneliu Porumboiu sobre una patética emisión televisiva actual donde se discute la caída del comunismo.

En la sección de cortometrajes, una alegría para los argentinos, ya que mientras que la Palma de Oro fue para SNIFFER (dirigida por Bobbie Peers, de Noruega), el Premio del Jurado se le otorgó a PRIMERA NIEVE del director local Pablo Agüero, de menos de 30 años, que cuenta en su haber con otros dos cortometrajes, “Mas allá de las puertas” (1992) y “Lejos del sol” (2005). Aquí la temática es acerca de la soledad y el estado de indefensión en que se encuentra mucha gente. Una joven madre y su hijo se encuentran en un lugar bastante aislado del mundo y se les presenta frente a si un crudo invierno. Esta será un guerra de supervivencia tanto en el aspecto material como en el espiritual. Se completaron las distinciones en esta sección con la mención especial para CONTE DE QUARTIER de Florence Miailhe, de origen francés.

En “Una cierta mirada” también hubo distinciones para los latinoamericanos. La ya comentada EL VIOLÍN, de origen mexicano, obtuvo el premio al mejor actor para el protagonista, Ángel Tavira. En esta sección los premiados fueron: LUXURY CAR (China) de Wang Chao como mejor película, TEN CANOES (Australia) de Rolf De Heer como Premio Especial del Jurado, la mejor actriz fue para Dorotheea Petre por CUM MI-AM PETRECUT SFARSITUL LUMII (Rumania) y el Premio del Presidente del Jurado fue para MEURTRIERES (Francia) de Patrick Grandperret.

Otra satisfacción para la delegación argentina. Esta vez en CINEFONDATION. El cortometraje “Ge & Zeta”, producción de la Universidad del Cine, dirigida por el uruguayo Gustavo Riet, fue erigido como ganador por un jurado, que es el mismo que actúa para la competencia de los cortometrajes y está conformado por los directores Tim Burton y Andrei Konchalovsky, y los actores Sandrine Bonnaire (Francia) y Daniel Bruehl (Alemania, reconocido por su trabajo en LOS EDUCADORES), entre otros. Este corto de 16 minutos narra la curiosa relación entre un preso y su guardia de cárcel, que se unen para poder resistir el sistema de opresión reinante que los tortura a ambos por igual. Otros premios de esta sección fueron para MR. SCHWARTZ, MR. HAZEN & MR. HORLOCKER, del director alemán Stefan Mueller; MOTHER, de la realizadora norteamericana Sian Heder; y A VIRUS de Agnes Kocsis (Hungría).

La entrega de premios en la ceremonia de clausura también fue acompañada por la exhibición de una película, que fue TRANSYLVANIA del conocido director francés Tony Gatlif, recordado por películas como GITANO, QUIERO SER LIBRE (1999) o EL VIAJE INOLVIDABLE (2004, con Romain Duris). Este film está protagonizado por Asia Argentino y habla de una joven, que a pesar de parecer una gitana, no lo es y que en busca del hombre que ama, emprende con una amiga un viaje a Transilvania. Ella está dispuesta a hacer todo lo que sea necesario para conseguir el objeto de su deseo, sin importarle la pérdida que esto pueda implicar.

Antes de despedirme me gustaría compartir con Uds. algunas últimas informaciones interesantes:

La directora Jane Campion ha tenido mucho éxito en Cannes, ya que comenzó ganando un premio en 1986 por su corto “Peel” y luego en 1993 recibió la “Palma de Oro” por LA LECCIÓN DE PIANO. Hasta el momento, ella fue la única realizadora mujer que ha ganado este premio. En esta edición del festival, Campion ha regresado con un proyecto muy interesante, que auspicia la Organización de las Naciones Unidas y que se conoce con el nombre de “8”. La ONU le ha encargado a distintos directores reconocidos la realización de cortos con temáticas universales y así esta realizadora tiene a su cargo THE WATER DIARY (en relación con el tema del agua), para el cual ha elegido como protagonista a su hija Alice y también a varios de sus amigos; y a Gaspar Noe (conocido por su polémica IRREVERSIBLE) le han asignado el abordaje del sida.

Seguimos con las mujeres y en este caso nos estamos haciendo referencia a la actriz francesa Anouck Aimée, a quien las autoridades del Festival le organizaron un homenaje para entregarle una distinción por toda su trayectoria. Esta actriz ha trabajado con los más famosos directores como Fellini, Bertolucci, Bellocchio, De Sica, Cukor, Lumet, Altman, Lelouch, entre otros. Aimèe ha recibido muchas distinciones en su carrera entre las cuales se encuentra el Golden Globe a Mejor Actriz en 1967 por UN HOMBRE Y UNA MUJER y el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 1980 por A LEAP IN THE DARK (dirigida por Marco Bellocchio y con Michelle Piccoli en el rol masculino protagónico).

Desde aquí me despido hasta el próximo año. Espero que los reportes les hayan sido de utilidad y que no los haya aburrido demasiado. Hasta la vista!

2006-05-29T20:31:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 11 - 28 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Bueno, amigos, finalmente hemos llegado al momento de las ultimas dos películas, pero antes me gustaría contarle otro de las secciones de este festival, que se llama “Cine en la playa”, y que le permite a una cantidad interesante de gente ver cine y disfrutar del entorno del mar. Todos los días, desde el 19 hasta el 27 de mayo, todas las noches, a las 20.45, se han presentado diferentes películas, entre las cuales se destaca el homenaje realizado al realizador italiano Luchino Visconti con la exhibición de TERRA TREMA (de 1977) y al también itálico Roberto Rossellini con la proyección de ROMA CIUDAD ABIERTA. También se presentaron películas que habían participado en otras secciones paralelas como DAFT PUNK’S ELECTROMA de la “Quincena de realizadores”, Z ODZYSKU de “Una cierta mirada” y FREE JIMY de la “Semana de la critica”.

Ahora si a la competencia. Por un lado tenemos a EL LABERINTO DEL FAUNO del mexicano Guillermo del Toro, quien anos atrás ha ganado un premio en Cannes. En 1993 su película CRONOS fue distinguida como mejor película dentro de la sección paralela “La semana de la crítica”. En este nuevo trabajo, ambientado en el periodo de represión fascista, tras la guerra civil, un entorno que ya había utilizado en su anterior película EL ESPINAZO DEL DIABLO, del 2001, una joven niña (Ivana Vaquero) inventa un mundo fantástico. España en 1944, oficialmente, la guerra civil ha terminado ya hace cinco anos, pero un pequeño grupo de rebelde continua batallando en las montanas de Navarra. Ofelia, de diez anos, se muda con su muda a ese lugar, acompañada de su madre (Ariadna Gil, actriz conocida por los argentinos por sus permanentes colaboraciones en películas locales como NUECES PARA EL CORAZON), que esta embarazada. Van a vivir con el Capitán Vidal (SERGI LOPEZ, recordado por HARRY, UN AMIGO QUE TE QUIERE BIEN, entre otras), un oficial fascista que esta a cargo de los grupos de combate contra los rebeldes. Su nuevo padre no simpatiza mucho con la niña, así que Ofelia, sintiéndose sola, se acerca a Mercedes (Maribel Verdu, recordada por su actuación junto a Gael García Bernal en Y TU MAMA TAMBIEN) , una joven cocinera que trabaja para Vidal. Así la niña, fascinada por los cuentos infantiles, descubre un laberinto, que la lleva directo a la figura del “fauno” (Doug Jones), quien le dice conocer su verdadera identidad y su destino secreto.

El director cuenta que siempre se sintió atrapado por la imaginería de los cuentos para niños, pero especialmente por el lado oscuro de estas imágenes, algo así como el lado más “negro” de los cuentos de los hermanos Grima. Incluso en películas como CRONOS y MIMIC, este realizador mexicano ya utiliza ciertos aspectos de estos cuentos. El piensa que los cuentos infantiles tienen mucho mas que ver con la fantasía oscura y el horror que con esa interpretación post-victoria que hace Disney de muchas de estas historias. Se intereso mucho en la mitología celta, y así descubrió que la cultura de ese pueblo pasó por España antes de instalarse en las regiones anglo-sajonas. El norte de España es visualmente muy rico en paisajes y a eso se sumo lo interesante que podía ser mezclar esto con el régimen fascista de 1944, ya que ese periodo de la historia española es un momento en que, mientras el mundo esta inmerso en una guerra mundial, España es olvidada por todos y abandonada a las reglas de un gobierno fascista, que dura tres décadas.

La figura central de esta historia es el “fauno” (en la traducción al ingles se habla de “Pan”) que es una criatura mitológica, que es bastante ambigua. Puede significar la construcción o la destrucción. En algunas ocasiones tiene que ver con dar la vida a las flores y a las plantas del jardín, y esta muy asociada a la naturaleza, pero también puede destruir la vida. El laberinto también es un elemento esencial del desarrollo del film. Es un laberinto con la idea de un camino hacia el centro. Es un transito hacia un centro que no puede ser evitado. Uno hace la elección de ir o no, pero luego no puede volver atrás. España en 1944 también es un laberinto, decide su destino y luego asume las consecuencias.

Pueden encontrarse algunas similitudes entre este film y EL ESPINAZO DEL DIABLO e incluso Del Toro comenta que en realidad el ha estructurado estas dos películas como un juego de espejos. No son mellizos idénticos, pero son mellizos al fin. El deseo de este realizador es poder presentar en algún momentos ambos filmes como la cara y la contracara de un mismo tema. Este director reconoce la influencia que el dibujante Arthur Rackham ha tenido sobre sus trabajos anteriores (HELLBOY y EL ESPINAZO DEL DIABLO), pero especialmente sobre este. El fauno esta creado completamente sobre la base de sus dibujos, y lo mismo sucede con varias de las ambientaciones. Rackham es un artista muy importante que ha influenciado a muchas generaciones.

Por el otro, esta edición del 59 Festival de Cannes cierra con la película CRONICAS DE UNA FUGA (renombrada para su carrera internacional como BUENOS AIRES, 1977 y dirigida por el uruguayo Israel Adrian Caetano, quien estuvo por ultima vez en Cannes hace unos anos con UN OSO ROJO (con un excelente trabajo del actor argentino Julio Chávez. Caetano ha tenido una carrera muy importante internacionalmente ya que su primera película, PIZZA, BIRRA Y FASO tuvo una buena acogida en el Festival de Sundance de hace casi 10 anos. En esta ocasión los personajes protagónicos están a cargo de Rodrigo de la Serna, recordado aquí por DIARIOS DE MOTOCICLETA, y Pablo Echarri, quien es un debutante en la alfombra roja, aunque tiene experiencia en caminar sobre alfombras, en este caso azul, ya que viene de haber participado en el Festival de Cine de Mar del Plata de hace dos meses por la coproducción argentino-española EL METODO.

Esta es una historia de supervivencia ambientada durante el proceso de la dictadura militar en Argentina, específicamente en 1977, basada en la novela “Pase libre – La fuga de la Mansión Sere” de Claudio Tamburrini, que relata un hecho real que es la fuga de cuatro jóvenes, entre ellos el escritor de este libro, que fueron detenidos y “desaparecidos” por el régimen militar imperante debido a tener antecedentes relacionados con el accionar de grupos terroristas. Todo el elenco, al que se agregan Nazareno Casero, Lautaro Delgado, Matías Marmorato y Diego Alonso en los roles principales, realiza un trabajo acabado de sus personajes. También es de destacar la dirección de fotografía a cargo de Julian Apezteguia, que le da el entorno adecuado a esta historia, con un manejo de luces impecable, que ayuda al espectador a remitirse a la humillación permanente que sufren estos jóvenes en prisión. A pesar de que uno haya leído el libro o conozca la suerte de estos cuatro jóvenes, la película nunca pierde su ritmo atrapante y permanentemente provoca sentimientos en el espectador, ya que a pesar de ser una historia local, su mensaje tiene una trascendencia que no respeta fronteras. A pesar de tener escenas de fuerte impacto, Caetano nunca abusa de largas escenas de tortura, todo se insinúa de una manera muy inteligente. En el repaso de la historia argentina de las últimas décadas, trabajos como este o como ILUMINADOS POR EL FUEGO (sobre la guerra de las Malvinas) o GARAGE OLIMPO (también sobre la dictadura militar de los ’70) parecen indicar la senda a seguir.

No puedo evitar dejar de ser imparcial en este momento y desearle a esta producción argentina toda la mejor de las suertes. Los estaré acompañando en el Palais, así que sufriremos todos hasta que caigan los créditos y ver las reacciones que la película provoca.
Ya solo nos quedan las premiaciones. Hasta el lunes, ya que recién el domingo a las 19.30 se hará el anuncio de los ganadores.

2006-05-29T20:24:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 10 - 27 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Cuenta regresiva: las cuatro ultimas películas en competencia (dos de las cuales serán abordadas en el reporte del día de hoy) y luego solo nos queda esperar que el domingo por la tarde - noche se anuncien los premios. Para aquellos que no pudimos ver todo el material presentado, porque estuvimos trabajando en las oficinas, el domingo el festival abre las puertas de sus salas y exhibe todos los filmes que estuvieron en competencia. Es una gran oportunidad para disfrutar del buen nivel que a mi criterio tuvo este ano Cannes.

Para reforzar la intención de este festival de mostrar todas las cinematografías del mundo, dentro del “Village Internacional”, que es donde están ubicadas las representaciones de todas las cinematografías nacionales, desde el ano pasado se organiza l la sección “Tous les cinemas du monde” donde se eligen las cinematografías de 7 países, para mostrar algunos de sus trabajos mas salientes. Así el sábado 20 de mayo estuvo dedicado a Rusia, el domingo 21 a Israel, el lunes 22 a Singapur, el martes 23 a Suiza, el miércoles 24 a nuestros hermanos venezolanos, el jueves 25 a Tunez, hasta que el ultimo dia, viernes 26, le tocara el turno a Chile. Chile presento tres películas: MI MEJOR ENEMIGO de Alex Bowen, recientemente nominado a los premios Goya (de España) y un particular episodio entre Argentina y Chile en un momento en que ambos países casi llegan a la guerra; PARENTESIS, dirigido por Francisca Schweitzer y Pablo Solis; y EL BAÑO de Gregory Cohen, un film compuesto por varias historias que tienen lugar en un baño durante la dictadura militar de Pinochet.

Las pelis en competencia del dia de ayer fueron:

THE SINGER, la película francesa dirigida por Xavier Giannoli, un directo casi ignoto en Latinoamérica, entre cuyos trabajos anteriores encontramos LES CORPS IMPATIENTS (2002) y UNE AVENTURE (2004) y un corto, “L’interview” que hace ocho anos le hiciera ganar un premio en Cannes, es un placer para los oídos y para los fans de Gerard Depardieu, como es mi caso. La película solo se explica si su rol protagónico es asumido por un actor con el talento de este francés que ya ha asumido en su carrera todo tipo de personajes que han probado su oficio como el Conde de Montecristo, Cyrano de Bergerac, Jean Valjean de LOS MISERABLES, el escultor Rodin en CAMILLE CLAUDEL, el escritor Balzac, Cristóbal Colon en 1492, entre otros.

El titulo de esta película corresponde al nombre de una canción escrita por el cantante francés, Michel Delpech, con la cual cierra la película, mientras van cayendo los créditos y cuenta la historia de un cantante de baladas, que trabaja de “entretenedor” en discotecas para gente mayor, salones de te y algunos actos oficiales. Su vida no parece tener sobresaltos y sigue con su rutina de continuo trabajo hasta que el encuentro con una joven muy hermosa (Cecile de France), le hará replantearse toda su situación. El director ha cambiado completamente de registro comparando con sus realizaciones anteriores y en este comedia dramática utiliza la combinación de un tono ligero, en algunas ocasiones, y muy grave, en otras, para el tratamiento de los problemas de la pareja protagónica. El film ofrece momentos de mucho sentimentalismo, y a pesar de que seguramente no sera un fuerte competidor para un Palmar, la película se conecta directamente con el espectador. Hoy a las 8.30 de la mañana, cuando la película estaba finalizando, era impresionante ver y escuchar a la audiencia que se dio cita en el Salón “Lumiere” del Palais du Festival, aplaudiendo y acompañando a Gerard en la canción final.

JUVENTUDE EM MARCHA del portugués Pedro Costa, que tiene en su haber películas de ficción como OSSOS (de 1996, ganadora del Oso de Berlín) y NO QUARTO DA VANDA (del 2000) o documentales como ONDE JAZ O TEU SORRISO (2001) y NE CHANGE RIEN, de este ano. Aquí se cuenta la historia de Ventura, un trabajador de Cabo Verde, de unos setenta anos, que vive en las afueras de Lisboa, y que es abandonado por su mujer Clotilde. Ventura se siente perdido entre el lugar donde paso sus últimos 34 anos y este complejo de casas de bajo presupuesto, donde ahora habita. Todas las pobres almas jóvenes que se presentan a su encuentro parecen convertirse en sus propios hijos.

El film de una duración extensa, aproximadamente dos horas y media, y con largos planos fijos y monólogos que se repiten, puede ser considerado como un cine “experimental”, o sea de esos que no solamente no le gustaran al gran publico, sino que también tendrán problemas en retener en sus butacas a los amantes “festivaleros”. En sus roles protagónicos encontramos a Maria Do Ceu Barbosa y Mario Ventura Medina

Disfruten del sábado. Nosotros aquí todavía tenemos para gozar de dos películas y emocionarnos especialmente con una de ellas. Se viene la presentación de CRONICA DE UNA FUGA, la representante argentina. Au revoir!

2006-05-29T20:20:00.000-07:00

Desde Cannes 2006
FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 09 - 26 de mayo
Por María Fernánda Fernández

Estamos llegando al final. Hoy se están exhibiendo las últimas películas en competencia, pero nosotros nos vamos a dedicar al día de ayer.

Un comentario frívolo para luego pasar al análisis de las películas en competencia. Anoche se celebro la fiesta a beneficio, que tradicionalmente se hace todos los años. El nombre es AmFar Benefit, se hace para recaudar fondos para la lucha contra el sida, y se desarrolla en un lugar muy exclusivo, un poco apartado de Cannes, llamado Moulin de Mougins y allí se reúnen las celebridades, siendo que este ano Elisabeth Taylor, Sharon Stone y Elton John le dieron brillo a esa noche.

Una de las dos películas en competencia es francesa, de Rachid Bouchareb, un realizador no demasiado conocido en nuestras tierras, con trabajos anteriores como BATON ROUGE (de 1986) y LITTLE SENEGAL (del 2001). INDIGENES (o “Days of glory” en ingles), ese es el nombre de esta película, esta ambientada en 1943 y cuenta la historia de hombres oriundos del Norte de África que, aun sin haber pisado suelo francés, deciden unirse al ejercito de ese país para liberarlo del enemigo nazi, junto con otros 130.000 “nativos”. Estos héroes, olvidados por la historia, pelearan en Italia, en la Provence, y en otros pueblos franceses, hasta encontrarse en Alsacia defendiendo ese bastión ellos solos frente a todo un batallón alemán.

Bouchareb explota al máximo las visiones y las emociones con las que azota al espectador. Las escenas de combate, especialmente la del final en un pequeño pueblo, están muy bien filmadas y también el trabajo de sonido es muy acabado ya que ayuda a entender los diferentes niveles de registro de la película, en sus momentos bélicos y en sus escenas mas intimas. Se nota que esta es una realización de un presupuesto importante, proveniente de una producción nacional, que, sin embargo se concentra más en el desarrollo de los personajes que en las batallas. Cuando caen los créditos, este realizador también se toma su tiempo para criticar al gobierno de Francia que, luego del proceso de descolonización en África, suspendió todas las pensiones de los ex soldados que provenían de esas ex colonias francesas. Hasta el momento nunca nadie le ha dado solución a este tema. Los roles principales están a cargo de Jamel Debbouze, Sammy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila (que hemos visto en AMELIE) y Bernard Blancan.

Pasamos a la próxima: EL AMICO DE LA FAMILIA y una verdadera decepción con este ultimo trabajo del realizador italiano Paolo Sorrentino, cuya película anterior, presentada en Cannes hace dos anos, LAS CONSECUENCIAS DEL AMOR había captado mi total atención sobre este director que también tiene en su haber L’UOMO IN PIU, exhibida en el Festival de Cine Independiente de Buenos hace unos anos atrás. El protagonista principal es Geremia de Geremei, un setentón, que vive del préstamo del dinero, de una forma usuraria y con unos métodos de obtención del pago muy poco éticos. Tiene relaciones bastante obsesivas con todo lo que lo rodea, ya sea su madre, las mujeres o el dinero. Muy buen trabajo de Giacomo Rizzo (que hace unos 30 anos trabajara con Bertolucci en NOVECENTO) cuyo objeto del deseo esta encarnado por la bonita Laura Chiatti

Esta película que trabaja el tema de la delgada línea que hay entre la belleza y la fealdad y de cómo la ambición puede terminar arruinando todo, usa muchos recursos “baratos” y desagradables para demarcar la naturaleza cínica de la humanidad y aleja la atención del espectador ya que no hay un solo personaje por el cual uno pueda interesarse. Considerándose a si mismo como un surrealista, Sorrentino usa el realismo y el minimalismo para lograr sus objetivos y, como si fuera un pintor, trata de capturar el icono del momento, ya sea de placer o de dolor, aunque en esta ocasión no parecería llegar a pasar ningún mensaje especifico e incluso algunos de las imágenes que utiliza no parecerían tener ningún significado o están completamente desconectadas del desarrollo del personaje principal. Su gusto por el color es evidente y las escenas están muy bien filmadas, pero esto no parece suficiente.

Para mis amigos chilenos, les cuento que un articulo muy interesante sobre la industria del cine de vuestro país salio publicado en una de las revistas importantes del medio como es “The Hollywood Reporter”. Se hace referencia a que mientras que la gente piensa que cuando se habla de cine latinoamericano, uno fundamentalmente esta haciendo referencia a México o Argentina o Brasil, en la actualidad Chile esta teniendo una presencia importante en los festivales y esto se debe a que el apoyo oficial ha logrado una producción anual de aproximadamente una docena de películas por ano. El Consejo del Arte y la Industria Audiovisual de ese país y otros fondos públicos, como el FONDART, inyectaron al cine local unos 5,2 millones de dólares para la financiación de proyectos, una cifra bastante interesante, considerando que el rango de presupuestos para las películas chilenas es de US$ 300.000.- a un millón. De las 14 realizaciones que se estrenaron el ano pasado, cinco fueron totalmente financiadas por el estado y otras cinco habían recibido apoyo parcial. Para el cine chileno es muy importante “viajar” a través de este tipo de festivales, ya que el mercado local es bastante pequeño: solamente un 5% del total de las entradas vendidas corresponde al cine nacional. El autor de este articulo, John hecht, dice que “es cierto que Chile esta por detrás de los mercados latinoamericanos de países que producen algo así como 50 películas por ano, pero si la industria se mantiene estable, se puede achicar la brecha mucho mas rápido de lo que nadie imagina”.
Otro fin de semana los espera, así que aprovechen para disfrutarlo. Nosotros mientras tanto nos seguimos comiendo las unas por la intriga de saber quien se va a llevar la Palma de Oro. Almodóvar ha regresado a España, pero espera un llamado telefónico que le informe que va a recibir un premio para viajar inmediatamente para poder recibirlo.

2006-05-26T08:43:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 08 - 25 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Otro día se esta acabando. El cansancio se va haciendo notar, pero por suerte todavía quedan cosas muy interesantes para ver. Desde la ventana del hotel Carlton, donde tenemos nuestras oficinas, se escuchan los gritos de un grupo de jóvenes que hacia el caer de la tarde se la pasan “danzando” en la playa.

Siguen pasando estrellas por Cannes: Sharon Stone, Elton John (charlando sobre el proyecto que hay de hacer un biografía de su vida), el bailaor gitano Joaquín Cortes, Nick Nolte, Willem Dafoe, Catherine Deneuve, el director Oliver Stone (por el homenaje que se le esta haciendo a PELOTON por su vigésimo aniversario), la cantante canadiense Avril Lavigne y su presentación de una película con Bruce Willis, OVER THE HEDGE, los actores Charlie Sheen, Danny Glover y Billy Zane, el realizador Gus Van Sant (del cual se hace una presentación especial de su primer película MALA NOCHE, de 1985, basada en la novela autobiográfica de Walt Curtis y del amor que sentía por un joven inmigrante mexicano ingresado ilegalmente al país), y el cantante Sting (que estuvo con su esposa mirando un partido de fútbol que se organizo en la playa y que se utilizo para promover el documental PURE SPIRIT OF BRASIL)

Anoche vi otra de las películas en competencia, LA RAZON DEL MAS DEBIL, la traducción mas cercana de LA RAISON DU PLUS FAIBLE, del realizador belga Lucas Belvaux, que también asume uno de los roles protagónicos. La historia esta ambientada en la ciudad de Lieja, Bélgica, en la actualidad. Se ocupa de la vida de cuatros hombres, la esposa de uno de ellos y su niño. El destino se ocupara de ir entrelazando cada vez más los destinos de estos personajes. Son personas que, por falta de dinero, trabajo, y posibilidades, en general, tienen muchos problemas para seguir adelante con sus vidas y la oportunidad de poder cambiar su suerte con una sola acción los arrastrara hacia el abismo. Además del rol asumido por Belvaux, los otros personajes han caído en las manos de Eric Caravaca (que en EL SR. IBRAHIM Y LAS FLORES DEL CORAN, con Omar Sharif, hiciera el papel del protagonista a los 30 anos), Natacha Regnier (a la que hemos visto en TODO BIEN, PERO NOS VAMOS y COMO MATE A MI PADRE), Patrick Descamps (que ya trabajara anteriormente con este director en dos oportunidades), Claude Semal y el niño Elie Belvaux, el hijo del director. Las actuaciones de estos roles protagónicos son

Este realizador tiene varias películas en su haber entre las que se cuenta su trilogía APRES LA VIE, UN COUPLE EPATANT y CAVALE, sobre la vida de los residentes del pueblo francés de Grenoble. En THE RIGHT OF… la idea es trabajar el orgullo de los trabajadores que ya no tienen mas trabajo. Los protagonistas habitan un lugar, otrora comunidad industrial importante que, por el fenómeno de la globalización, ha dejado a parte de la población fuera del sistema. Con algunos atisbos del cine de Ken Loach o de los hermanos Dardenne, este director tiene su propio estilo, al que acompaña con toques de cine negro y con un desarrollo de héroes desesperados pero de alguna forma atrapantes y que se ganan el cariño de los espectadores. La película esta filmada tratando de retratar todo con la máxima autenticidad posible e incluyendo como un personaje adicional al entorno, ya sea el río, las fábricas, las casas, el bar, o el jardín.

Le toca ahora el turno a Maria ANTONIETA de Soffia Coppola basada en la biografía escrita por Lady Antonia Fraser (“Maria Antonieta: el viaje”) y protagonizada por Kirsten Dunst, que suele ser recordada por ser la novia de EL HOMBRE ARANA, pero que ya ha trabajado con esta directora en LAS VIRGENES SUICIDAS. Es esta una versión bastante especial de este personaje, porque la idea es transmitir toda la frivolidad que la rodeaba, más que el entorno histórico-político de su vida. Kirsten esta acompañada por un excelente elenco entre los cuales encontramos a Steve Coogan, Judy Davis (a la que pronto veremos en la comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston, THE BREAK-UP), Asia Argento (de la película LAST DAYS de Gus Van Sant sobre la vida de Kurt Cobain, presentada en el ultimo festival de Cine de Buenos Aires y que el año pasado compitiera en Cannes), Rip Torn y Jason Schwartzman (al cual hemos visto en un rol secundario en HECHIZADA con Nicole Kidman), como Luis XVI.

La dirección de fotografía a cargo de Lance Acord, que ya ha colaborado con Soffia Coppola en PERDIDOS EN TOKYO, pero que también tiene en su haber películas como LADRON DE ORQUIDEAS (con Nicolas Cage, Meryl Streep y Chris Cooper) y la inquietante BEING JOHN MALKOVICH, sostiene la idea de la realizadora de ambientar la historia en la época correspondiente, pero darle proyección hacia la contemporaneidad. Lo mismo sugiere el trabajo de Kirsten Dunst, quien con su belleza exquisita encuadra en los cánones de la época, pero que con su actitud la traslada hacia nuestra época. Es una película entretenida, fácil de ver, y que tiene poco del espíritu revolucionario de la época. Los espectadores estarán encantados y los amantes del cine de arte quedaran un poco desilusionados.

Ayer hubo una presencia latinoamericana en el festival, en otra de las secciones paralelas, “Una cierta mirada”. Se trata de EL VIOLIN, del director Francisco Vargas, que el ano pasado había estado participando en el Cinefoundation. La película no tiene una referencia precisa de lo que esta contando, pero podría referirse fácilmente a una rebelión en Chiapas o a una situación similar en Nicaragua. Es una metáfora enraizada en la realidad de nuestro continente: un retrato en blanco y negro de la represión militar contra una rebelión popular con el espíritu de que esta situación será interminable hasta que la injusticia siga reinando en nuestras tierras. Filmado como si fuera un documental y con un protagónico a cargo de un actor no profesional, muy expresivo, es el material del que gustan los amantes de festivales de cine.

Es todo por hoy. Hasta mañana!

2006-05-25T09:05:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 07 - 24 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Algunas menciones sobre otros eventos del Festival antes de entrar de lleno a las películas en competencia:

Así como sucede en muchos otros festivales, como Mar del Plata, aquí también se organizan clases magistrales (o sea el momento que tiene la gente que participa en Cannes para departir con grandes realizadores o actores). En esta edición se ha elegido un director, Sydney Pollack, recordado por películas como AFRICA MIA, con Meryl Streep, AUSENCIA DE MALICIA, con Paul Newman, la comedia TOOTSIE con Dustin Hoffman, y últimamente, LA INTERPRETE, con Nicole Kidman; una actriz, Gena Rowlands, la musa inspiradora de muchas de las películas del director ingles, John Cassavetes, y que últimamente viéramos en DIARIO DE UNA PASION, del hijo de John Cassavetes, Nick; y un músico, ya que en este festival se le da mucha relevancia a las bandas de sonido, representado en este caso por un dúo de un músico y un realizador, Alexandre Desplat y Jacques Audiard, que han trabajado en conjunto en películas como LEE MIS LABIOS. En el caso de Alexandre Desplat, él ha hecho los arreglos musicales de filmes como LA JOVEN DE LA PERLA, con Scarlett Johansson y SYRIANA, con George Clooney.

Mucha publicidad ha tenido la presentación de ZIDANE, UN RETRATO DEL SIGLO XXI, un trabajo en conjunto del realizador francés Philippe Parreno (con un corto y un documental en su haber) y del británico Douglas Gordon en su opera prima, que esta a medio camino entre ser un documental de deportes o una instalación de arte conceptual, ya que en realidad se trata del partido de fútbol jugado entre los dos equipos españoles, Real Madrid y Villarreal, el 23 de abril del 2005, visto exclusivamente desde la perspectiva de este famoso jugador de fútbol francés. Se utilizaron 17 cámaras sincronizadas para registrar este encuentro, mezclando las de súper 35 mm con las de alta definición, lo que, junto con el sonido ambiente que recrea a las multitudes de fans, hace entrar al espectador en un espacio multidimensional que le permite experimentar las sensaciones, la psicología y el cuerpo de un atleta en movimiento.

Otra participación argentina en este festival para un director, Lisandro Alonso, que esta acostumbrado a pisar estas tierras con trabajos anteriores, LA LIBERTAD y LOS MUERTOS. Su nuevo trabajo, FANTASMA, fue presentado dentro de la “Quincena de los realizadores”, otra de las secciones paralelas del Festival de Cannes. Siguiendo la línea que lo caracteriza del cine contemplativo y abstracto, extremadamente poético y radical, aquí se agrega un nuevo ingrediente: el humor, para contar una caricatura del estreno de “Los muertos” en Buenos Aires ante una sala casi vacía, en la cual solo se encuentran una joven espectadora y uno de los actores de una de sus películas. Es esta una lucida y divertida reflexión sobre el cine artístico actual.

Anoche vi una de las películas en competición, FLANDRES del director Bruno Dumont, anteriormente conocido en nuestras tierras por LA HUMANIDAD, la cual fue ganadora de varios premios en el Festival de Cannes de 1999. La historia cuenta la vida en Flandes, donde los jóvenes, sin demasiado futuro a la vista, se enrolan voluntarios como soldados para participar en combates en lugares remotos. Se relata la vida de esos soldados yendo al frente, sus largas travesías por esas tierras inhóspitas, la camadería o falta de ella entre los combatientes, las miserias de la guerra. Ellos esperan para que lo mas horroroso pase, pero luego cuando su paso por el ejercito haya terminado, lo que les espera al regreso a su lugar no presenta demasiadas mejoras.

Muy ajustadas las actuaciones de los actores protagónicos, ambos no profesionales, Samuel Boidin, ese joven, poco afecto a demostrar sus emociones, que puede conmoverse frente a la muerte de un niño, pero que luego no tendrá reparos en violar a una mujer soldado; y Adelaida Leroux, hermosa joven, que ha heredado la inestabilidad mental de su madre, y que parece tener como único objetivo en la vida el tener relaciones con todos los hombres del lugar, a pesar de que sufre en silencio las pocas demostraciones amorosas de nuestro protagonista.

En FLANDRES no habrá una referencia directa al lugar donde la acción sucede, aunque por el titulo podemos suponer que la locación será la sugerida por el titulo y tampoco nos dirá en que lugar están combatiendo estos soldados, aunque podemos presuponer que será algún punto de África. Esto también cumple con el propósito de Dumont, que parece no querer brindar al espectador ninguna certeza sobre este trabajo. Esa idea de falta de información ayuda a mantener durante todo el desarrollo de la película la sensación de incertidumbre y malestar. El director trabaja con la idea de contraponer la paz y tranquilidad del pueblo donde viven con la confusión y horror de esos pueblos donde están combatiendo. La realidad con que se presentan estas imágenes es lo que hace a esta película más cruel y muy dura de “digerir”. Los personajes también están delineados de esta forma, ya que no hay una línea definida entre el bien y el mal, y en algunos momentos le deseamos lo peor al que se supone el “héroe” de este film.

La segunda de las películas presentada ayer, y que esta compitiendo por la Palma de Oro, es BABEL del mexicano Alejandro González Iñarritu, que tenía a todo el mundo bastante conmocionado y que parece haber satisfecho las expectativas. A pesar de que no estuvo el carilindo Brad Pitt, las mujeres se contentaron con la belleza poco tradicional de Gael García Bernal, ese actor, también de origen mexicano, que por segunda vez subirá a la alfombra roja; ya que en el 2004, junto al argentino Rodrigo de la Serna, y el director brasileño Walter Salles, lo hicieron por DIARIOS DE MOTOCICLETA.

La película esta ambientada en tres lugares y conecta tres historias diferentes, una en Marruecos, otra en México y otra en Japón. Un matrimonio (Brad Pitt y Cate Blanchett) acaban de perder a un hijo, y dejan a sus dos otros hijos a cargo de la niñera, y se trasladan a Marruecos para tratar de olvidar. Ellos serán atacados por terroristas y vivirán las penurias de tratar de salvar sus vidas. Al mismo tiempo, la niñera, de origen mexicano, que cuida a sus niños, decidirá no perderse la boda de alguien de su familia y llevara a los niños con ella, acompañada por su sobrino (Gael García Bernal). Tendrán varios problemas en el viaje, y la seguridad de los niños se vera afectada en varias oportunidades. La tercera de las historias que tiene lugar en Japón nos presenta a un joven sordomudo que decide mostrar su enojo de diferentes maneras.

Es un ejercicio de meditación melancólica sobre la forma en que la humanidad esta fraccionada por los malos entendidos, por el prejuicio y por el temor. Esta narración en forma de múltiples historias, con un dejo de fatalidad, parecería tener alguna conexión con la trilogía de colores del director polaco Kieslowski. Es un film sobre la sensación de soledad y aislamiento que sufre la humanidad, ya sea en una gran ciudad o en el medio del desierto. El director quiere expresar la dificultad que tiene la gente para expresarse y especificar que es lo que quiere. Se aborda el miedo que hay hacia otras culturas, la sospecha por lo desconocido, el poder que ejercen aquellos que cuentan con medios sobre los desposeídos. En algún punto parecería ser que el director es demasiado pretencioso en abarcar toda esta problemática.

Es un film visualmente acabado, que remarca de manera perfecta las diferencias de los lugares donde estas historias están ambientadas. No puedo dejar de mencionar quien esta a cargo de la música porque es el argentino Gustavo Santaolalla, recientemente ganador de un Oscar por SECRETO DE LA MONTANA, y que también con la elección de su música refuerza la idea de los diferentes comportamientos locales y ayuda a unir las historias.

Me despido hasta el próximo reporte!

2006-05-24T13:39:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 06 - 23 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Finalmente la tercer parte de los X MEN llego a la Croisette, la calle principal de Cannes, sobre la cual se encuentra el Palais du Festival y en una conferencia de prensa organizada el lunes se pudo ver a Hugh Jackman y a Halle Berry danzando y divirtiéndose mucho. También los acompañaba el malo de turno, Ian McKellen y Patrick Stewart como el patriarca de los X MEN. El realizador de las dos anteriores, Bryan Singer, no ha trabajado en este film y ahora lo tenemos a Brett Ratner, al cual hemos visto en películas como AL CAER LA NOCHE, con Salma Hayek y Pierce Brosnan, DRAGON ROJO con el regreso del personaje de Hannibal Lecter o la comedia HOMBRE DE FAMILIA con Nicolas Cage.

Según la critica festivalera la película no esta a la altura de las anteriores, y no alcanza la cohesión dramática anteriormente sostenida. Hay poco desarrollo de los personajes en relación con el tema socio-político que rodea a este comic y la idea de la cura para las “anormalidades” de los protagonistas es utilizada como motor de batallas, sin tomar en cuenta temas como la genética o el impacto emocional que le puede causar a nuestros héroes la perdida de sus “poderes”. Esto ha sido compensado con un importante uso de parafernalia tecnológica, llámese muchísimos y muy buenos efectos especiales, que harán de X MEN 3 la delicia de los adolescentes; y también con una cantidad de nuevos personajes, aunque el problema aquí es que estos nuevos “héroes” no tienen suficiente “historia” que los respalde.

Las dos películas presentadas en competición en el día de ayer fueron:

LIGHTS IN THE DUSK, del realizador finlandés Akis Kaurismaki, es una historia de la realidad con tintes sociales, pero también con algún atisbo de filme “noir”, lo cual se evidencia particularmente en los personajes arquetípicos representados por la pareja amorosa, un hombre duro, resignado, con una pasividad de casi un santo, al cual se le contrapone una mujer rubia. El protagonista es un hombre solitario, cuya vida es bastante mala y con el desarrollo de la película ira empeorando. La aparición de una mujer objeto de su deseo no mejorara para nada su vida, todo lo contrario. En esta ocasión nos encontramos con un Kaurismaki mucho mas pesimista que en sus trabajos anteriores. No hay ningún atisbo de recuperación en la vida del protagonista, el mensaje carece de toda esperanza. Esta película completa la trilogía de este director sobre la gente solitaria, que comenzara con DRIFTING CLOUDS y UN HOMBRE SIN PASADO. En los roles protagónicos se encuentran Janne Hyytiainen y Maria Jarvenhelmi, nuevas caras para este realizador, que en sus trabajos anteriores recurriría siempre a los mismos actores.

Esta es una historia de tiempos difíciles, que muestra como el sistema explota y aísla a los pobres, pero como aquí no hay una comunidad de gente que sostiene esta historia, como era el caso de UN HOMBRE SIN..., no hay nadie que ayude a nuestro “héroe” a compartir el peso de su trágico destino. El humor muy particular que, generalmente, acompaña las películas de este realizador, no es tan obvio en esta instancia y todo refuerza la idea de lo difícil que se hace asimilar esta realización.

IL CAIMANO es una nueva película del italiano Nanni Moretti, el cual, tras LA HABITACION DEL HIJO, que también compitiera en Cannes, ha retornado a la línea de sus trabajos anteriores, como LA COSA (de 1990) o APRILE (1998) donde la critica política siempre tenia un lugar importante. Este trabajo es una mezcla ambiciosa de sátira, polémica política y trama personal. Es una comedia sobre un productor de películas desesperado por recuperar el amor de su esposa. En su vida profesional, a sus manos le llegara un guión titulado “Il Caimano” que es una critica feroz a Silvio Berlusconi, ahora saliente presidente italiano. La película usara la técnica del “film dentro del film” para pasar dos mensajes: uno la trayectoria personal de este hombre dispuesto a todo para recuperar a su amor perdido, y la crítica política a los excesos y a la corrupción del gobierno de Berlusconi.

Para destacar la actuación de Silvio Orlando (al cual he visto en entrañables películas como PREFIERO EL RUMOR DEL MAR y EL LUGAR DEL ALMA, exhibida en el ultimo Festival de Pinamar) en el papel de Orlando, quien podría aspirar a un premio en este Festival y muy correcta la actuación de Margherita Buy (que ha trabajo anteriormente en realizaciones como EL HADA IGNORANTE, CATERINA EN ROMA y EL DIA MAS BELLO DE NUESTRAS VIDAS) como su esposa. También el director asume un rol en este trabajo y es ni mas ni menos que el de Silvio Berlusconi.

Aquí hay bastante ansiedad por la presentación de MARIA ANTOINETTE de Sofía Coppola. La firme candidata sigue siendo VOLVER, pero ahora se le acerco bastante la mexicana BABEL. Ya faltan menos días y como cierre estará la presentación de la película argentina, la cual ha tenido un éxito enorme de ventas, ya que WILD BUNCH, que es la compañía que tiene sus derechos de venta al exterior la ha vendido a los hermanos Weinstein (ex Miramax) para Estados Unidos y Australia, y también ha cerrado ventas para Japón y Reino Unido. Es todo por hoy.

2006-05-23T10:53:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 05 - 21 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Una nueva semana ha comenzado y los rumores de Palma de Oro siguen siendo muy fuertes en favor de Almodovar. La esperanza argentina recién será presentada el último día de exhibición de los filmes en competencia, así que habrá que seguir esperando. De las dos películas que se exhibieron ayer, la del director Nuri Bilge Ceylan, CLIMATES, tuvo una buena acogida. No se puedo decir lo mismo de la realización norteamericana, SOUTHLAND TALES, que tuvo unas bajísimas calificaciones.

Empecemos por este trabajo poco alentador, para no quedarnos con un sabor amargo. SOUTHLAND TALES fue dirigida por Richard Kelly, que tiene como antecedente el haber realizado DONNIE DARKO y haber sido el guionista de DOMINO, una película de acción teniendo como base la biografía de Domino Harvey, una joven que paso de ser una modelo top a una cazadora de recompensas, protagonizada por Keira Knightley, y que en Argentina fue directamente a video. Esta nueva película que se esta presentando aquí retoma el tipo de película de culto que fue DONNIE DARKO, que contaba las aventuras de un adolescente, que luego de tener un extraño accidente, comienza a tener visiones, donde se le aparece un conejo que lo hace cometer crímenes. La película fue protagonizada por el talentoso Jake Gyllenhaal, que ahora tenemos muy presente por la multipremiada SECRETO EN LA MONTANA, rodeado de actrices jóvenes y reconocidas como Jena Malone y Drew Barrymore. Esta película lograba una efectividad, que lamentablemente esta nueva realización no alcanza. Trataremos de explicar el porque de este fracaso.

Este thriller futurista, con influencias de comedia negra y de musical, nunca logra la mezcla adecuada y pierde su efectividad. Aquí lo único que se logra transmitir es una visión apocalíptica de nuestro futuro y los personajes que se esbozan nunca logran interesar al espectador. Se quedo en algún punto intermedio entre un videogame y una serie de video clips musicales. De todas maneras, esta será una película que mueva el mercado, no por su valor cinematográfico sino por las industrias asociadas que conlleva, como la edición de novelas graficas, la industria de la música y el entretenimiento a través de Internet. El website creado para este film es uno de los mas elaborados, www.southlandtales.com Los actores que trabajan aquí también serán un punto comercial ya que estamos hablando de Sean William Scott (visto últimamente en la versión cinematográfica de la serie de TV, LOS DUQUES DE HAZZARD, y protagonista de las multiples AMERICAN PIE), Sarah Michelle Gellar (estrella de BUFFI, LA CAZAVAMPIROS y también protagonista de las dos SCOOBY DOO), Justin Timberlake (conocido por el grupo musical NSYNC), The Rock (de EL REY ESCORPION), y Mandy Moore, (que ha trabajado en muchas comedias románticas juveniles), todos ellos muy famosos atraerán la atención del publico adolescente.

Ahora es el turno de CLIMATES, escrita y dirigida por Nuri Bilge Ceylan, cuyo trabajo DISTANT hace unos 4 anos ya había sido distinguido con el Gran Premio del Jurado de Cannes. Las películas de este realizador, productor, director de fotografía, y guionista proponen, en general, películas que emocionan con los mínimos elementos y son decididamente muy personales. Ceylan se recrea en los momentos de soledad y reflexión de los personajes y no parece muy interesado en recurrir a los diálogos si estos no son estrictamente necesarios, usando mucho los rostros de su personaje y usando este recurso de una forma pare. Su cine se hermana con el de Robert Bresson, Michelangelo Antonioni o Kaurismaki, del cual comentaremos su película presentada aquí en el próximo reporte. Otro de sus trabajos anteriores, CLOUDS OF MAY, recibió el premio al mejor director en el Festival de Cine Independiente de Bs. As. (BAFICI) del 2001.

El propio director protagoniza esta película junto con su esposa (Ebru Ceylan) y componen una pareja turca pasando el doloroso proceso de descomposición de su unión. Esto no quiere decir que la historia es autobiografica, aunque la intención del director es jugar con este efecto. Si se estuviera “pintando” a si mismo, este seria el mas impiadoso autorretrato que jamás se hubiera realizado. Su personaje es inseguro, falto de fe, egoísta y se pone muy violento frente a determinadas situaciones.

Para el complejo abordaje de esta situación, el uso de cámaras de video digital de alta definición, es fundamental, ya que le permite capturar con extrema precisión las emociones que se reflejan en los rostros de los personajes, y así alcanzar el objetivo principal del film, especialidad de este realizador, que es el mostrar historias acerca de la distancia emocional que puede haber entre la gente, y sus represiones psíquicas y hábitos detestables, especialmente en los hombres. Aquí el personaje protagónico esta en el director, ya que su esposa aparece mucho tiempo fuera de la escena y es una presencia “ausente”.

Anoche fui a ver DRAMA/MEX, una interesante película mexicana, presentada en otra de las secciones del Festival, la “Semana de la critica” y dirigida por Gerardo Romano, en su segundo trabajo como realizador, ya que anteriormente ha sido guionista e incluso actor. Su película anterior MALACHANCE, no ha llegado a ser exhibida en Argentina y fue presentada en festivales en Mannheim-Heidelberg (Alemania), Los Angeles, New York y México.

Aquí se cuenta la historia de varios personajes, cuyas vidas se encuentran entrelazadas durante una noche en la época actual en Acapulco. La idea es presentar a esta ciudad, otrora puerto de lujo, como un lugar de decadencia. Este bello paisaje sirve de escenario para desarrollar los siguientes personajes: un hombre mayor a punto de suicidarse, una adolescente que ha perdido el rumbo completo de su vida y una joven pareja, que luego de separarse por un incidente muy desagradable, intenta volver a recomponer su situación. En esa noche, retratada por este trabajo, sucederán cosas que cambiaran su vida para siempre y también la percepción de los espectadores sobre los hechos. Para realizar este film, Naranjo ha explicado que prefirió filmar en 16 mm. con la cámara profesional mas pequeña del mundo, para que le permitiera “que la imagen, como un lápiz, escriba su propio lenguaje, un lenguaje que describe la historia tanto como el dialogo”. La película fue filmada solamente en 22 días y es de bajo presupuesto, pero eso no ha impedido que tenga una trama atrapante y que la muy ajustada interrelación entre los personajes la haya convertido en un trabajo muy digno. Las actuaciones también ayudan mucho a la historia. Fernando Becerril (quien ya ha trabajado dos veces con Antonio Banderas en LA LEYENDA DEL ZORRO y en la versión para televisión que hizo HBO sobre la vida de Pancho Villa y al que también hemos visto en EL CRIMEN DEL PADRE AMARO), y los jóvenes Diana García, Miriana Moro, Juan Pablo Castaneda y Emilio Valdes tienen los papeles protagónicos.

Ya vamos cerrando, pero antes quería comentarles que en el Festival de Cannes también se hacen homenajes y este ano están dedicados a Norman McLaren (un productor y realizador canadiense del cual se exhibiran varios de sus cortos, entre ellos VECINOS, uno de los mas conocidos), Joanna Shimkus (una actriz canadiense de la cual se presentara la película LA ULTIMA AVENTURA del ano 1967), la escritora Marguerite Duras, de la cual se vera la película INDIAN SONG, de 1975, dirigida por ella misma), y el director británico Carol Reed, conocido por películas como EL TERCER HOMBRE, sobre la novela de Graham Green. Mencion especial para el homenaje que se le hace al director, guionista, productor y actor chileno, Alejandro Jodorowsky, con la exhibición de sus películas LA MONTANA SAGRADA de 1973 (coproducción entre México y Estados Unidos) y EL TOPO, también producida en México en 1970. También habrá una exposición de pinturas dedicadas al realizador ruso Eisenstein y acompañando esto se presentara una versión de OCTUBRE que nunca antes ha sido exhibida en Francia y que incluyen dos piezas del músico Shostakovich.

Me estoy despidiendo. Mañana se vienen los X MEN.

2006-05-22T13:19:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 04 - 21 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Antes de acometer con los comentarios de las películas exhibidas en el día de ayer me parece interesante contarles de que se trata el Atelier del Festival, un espacio creado desde el ano pasado para ayudar a los jóvenes realizadores de todo el mundo a completar sus proyectos cinematográficos. Este ano se han elegido 18 directores de largos y cortometrajes, cuyos nombres surgieron de importantes festivales, y cuyos proyectos revelan una interesante variedad de estilos cinematográficos. Desde el 19 hasta el 25 de mayo se están desarrollando reuniones para colaborar con estos directores y productores para que puedan concretar la financiación total de sus películas. Entre los directores latinoamericanos seleccionados se encuentra el chileno José Luis Torres Leiva con LE CIEL, LA TERRE ET LA PLUIE, cuyos trabajos anteriores, ambos exhibidos en el Festival de Mar del Plata son: un corto, OBRERAS SALIENDO DE LA FABRICA, y el documental NINGUN LUGAR EN NINGUNA PARTE, que es el retrato de un barrio de lo suburbios de Valparaíso. También Argentina tiene su representante: Santiago Palavecino con TARDE, cuya opera prima, OTRA VUELTA, es un riguroso y austero retrato de un joven director de cine, que vive de filmar festivales de rock y que regresa a su pueblo natal para trabajar en un proyecto basado en el cuento de Haroldo Conti, “Perfumada noche”. Esta vuelta al pasado, le permitirá realizar un viaje de redescubrimiento personal.

Nos dedicaremos ahora a algunos comentarios sobre las dos películas en competición del día de ayer. Primer turno para RED ROAD, que parece será toda una revelación de este festival. Su directora Andrea Arnold, tiene en su haber un Oscar por un corto de ficción, “Wasp”, que obtuviera en el 2005, y parece que su talento para los largos esta mas que probado con este primer trabajo. El personaje central de READ ROAD es una especie de James Stewart en LA VENTANA INDISCRETA, pero con tecnología alrededor. La protagonista es la operadora de un sistema de telecomunicaciones y así se entera de la vida de muy variadas personas. Algo nos dice que esta joven ha sufrido, pero al principio no sabemos muy bien porque, y la directora magistralmente va administrando la información con cuentagotas, hasta que en algunos momentos el espectador necesitara saber mas y la realizadora lo proveerá con la dosis adecuada. Luego se irán agregando varios ingredientes y esta joven se enterara de la vida de quien fue su “verdugo” hace un tiempo atrás. Su obsesión por este hombre la llevara a un punto limite en el cual tendrá que decidir que hacer con su vida.

Kate Dickie es la actriz protagónica, y aunque no tiene muchos antecedentes ni es muy conocida, su acabado trabajo como esta joven que parece vivir su vida a través de los demás, ya hace que muchos estén comentando que le disputara el premio a mejor actriz a Penelope Cruz, candidata a este galardón por VOLVER. En el elenco también encontramos a Martín Compston, el cual ya estuvo hace unos anos en la alfombra roja, por su protagónico en SWEET SIXTEEN de Ken Loach: y a Tony Curran, a quien en breve veremos en la versión cinematográfica de DIVISION MIAMI.

La decepción del día de ayer fue la película francesa SELON CHARLIE, también en competencia, que con un elenco de estrellas locales prometía ser algo especial y no lo logro. En su elenco encontramos a Jean-Pierre Bacri, conocido en Latinoamérica por su inefable Castella en EL GUSTO DE LOS OTROS, y que hace dos anos también entrara por la puerta grande del Palais por la adorable comedia dramática COMO UNA IMAGEN; a Vincent Lindon, cuya película LA MOUSTACHE fuera exhibida en el ultimo festival de cine de Mar del Plata; y a Benoit Magimel, entre otros, uno de los protagonistas de la película de Claude Chabrol, LA FLOR DEL MAL.

La idea es mostrar la búsqueda personal de seis hombres y un niño, que se supone es el ejemplo de la inocencia que ellos han perdido. El tema central hace referencia a la corrupción en la política de un lugar ignoto, y eso seguramente tiene que ver con no tener conflictos con nadie en particular. En algún momento de la película, estos personajes se cruzan: todos tienen en común la necesidad de encontrarse a si mismos para poder seguir adelante. Las mujeres no tienen un papel muy central aquí, ya que ya sean esposas, amantes o madres son parte del decorado. A los personajes les falta carnadura, ya que solamente han sido delineados y tampoco son desarrollados a lo largo de la película. Esto causa que se genere poca tensión entre las relaciones de los personajes y que la audiencia termine bastante aburrida y sin preocuparse demasiado por el destino de las diferentes historias. Una pena que con tan buenos actores y con la posibilidad de explorar los personajes, el objetivo a alcanzar se haya diluido por completo.

Anoche vi una película japonesa, THE SAMURAI I LOVE, basada en la novela mas premiada de un escritor que se especializa en historias de samuráis, Shuhei Fujisawa. Es la tercera adaptación que se hace de su obra, siendo las otras dos TWILIGHT SAMURAI (nominada al Oscar como mejor película extranjera en el 2004) y THE HIDDEN BLADE, que compitiera por el Oso de Oro en la edición del ano pasado del Festival de Berlín. El director es Mitsuo Kurotsuchi, cuya cinematografía no es muy conocida en Latinoamérica y los papeles principales están a cargo de Somegoro Ichikawa y Yoshino Kimura, también desconocidos en nuestros países.

La historia esta ambientada en un Japón rural del siglo XIX y tiene una fotografía bellísima. Un joven samurai se enamora de su vecina, pero la tragedia se desencadena cuando su padre es involucrado en un affaire político y finalmente termina sentenciado a suicidarse a través del hara-kiri. El joven es despreciado por todo el pueblo y su amada es enviada a Tokyo para entrar al servicio de un Gran Señor. Ambos siguen con su vida, a pesar de las penurias, y su amor nunca se esfuma, aunque les será muy difícil concretarlo. Es una clásica historia de amor, contaminada por las luchas de poder de los políticos. Visualmente muy lograda, salvo algunos momentos de los combates, en donde el exceso de sangre derramada, en forma de fuente, parece romper el clímax; no cumple con sus objetivos en el desarrollo de los personajes. A pesar de todas las penurias sufridas, uno no logra conmoverse con el destino trágico de los protagonistas, algo que es fundamental en este tipo de historias.

Que sigan disfrutando del fin de semana, aunque aquí no se nota demasiado la diferencia.

Buen comienzo de semana para mañana!

2006-05-22T12:54:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 03 - 20 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Konnichiwa! En homenaje a mi compañera japonesa, que hace anos que me acompaña en estos días de festival y que viene conmigo, luego de una larga jornada de trabajo, a ver películas de orígenes sumamente diferentes. Anoche acometimos con una película de origen vietnamita, THE WHITE SILK DRESS, que difícilmente veremos luego en las pantallas de nuestros países. Un drama romántico, ambientado en ese país, entre 1950 y 1970, que cuenta no solo la historia de una familia, sino el sacrificio de una madre y el amor de una pareja de gente muy pobre. También ilustra el espíritu de una nación a través de la determinación de su gente de mantener su cultura tradicional, a pesar de las distintas invasiones extranjeras, léase francés o norteamericanos, y de la guerra. El realizador es Huynh Luu, cuyo anterior trabajo fue PASSAGE OF LIFE, y que y esta protagonizada por Khanh Quoc Khanh y Ngoc Anh Truong Ngoc Anh. La película tiene momentos muy efectivos, que emocionan, y transmiten el mensaje deseado, pero hacia el final se desbarranca, agregando tanta tragedia e imágenes desgarradoras, que diluyen el contenido de la historia. Antes de que pasen los créditos, THE WHITE SILK DRESS se convierte en un panfleto político y para cumplir esa función no se habrían necesitado dos horas y media de película y un trabajo magnifico de estética. Una verdadera lastima.

Otro homenaje para hoy y prometo que es el ultimo. FELIZ CUMPLEANOS para mi mama, que cumple 76 anos y que desde hace 11 anos no logra pasarlo conmigo. Como buena madre, que es, comprende todo y esta muy contenta, así que este agradecimiento escrito es para ella.

Ahora si llego el gran momento de Almodovar y la critica en general ha tratado muy bien, y en algunos casos, hasta excelentemente bien, a este “niño terrible”, que esta semana recibiera un importante galardón como es el Príncipe de Asturias, que España entrega a personas muy distinguidas de la cultura. Debo confesar que la peli la vi en Madrid durante el fin de semana, porque no me aguante y me puse muy contenta de haberlo hecho, porque es digna de ser vista cuanto antes.

Es una historia de mujeres donde la muerte y los fantasmas rondan sus vidas todo el tiempo. Nacidas en un pueblo de Castilla La Mancha, dos hermanas, tras la muerte de su padres en un incendio (el papel de la madre es interpretado impecablemente por Carmen Maura) dejan el lugar y se trasladan a Madrid. Una hace tareas de limpieza en diferentes lugares (Penélope Cruz), esta casada y tiene una hija (Yohana Cobo); la otra (Lole Duenas) tiene una peluquería ilegal. Solamente regresan al pueblo para limpiar la tumba de sus padres y para visitar a su tía. La vida de todas ellas, incluida una vecina, con la cual han compartido su infancia y adolescencia, encierra un misterio que en el momento que sea revelado hará mucho mas comprensible el comportamiento de los personajes. No puedo ni debo adelantarles mas de la historia, porque quiero que mis lectores disfruten de ella y de su suspenso de la misma manera que lo hice yo. Si me atrevo a decirles que en algún punto VOLVER tiene puntos de coincidencia con la reciente y efectiva MATCH POINT. No siempre el crimen es castigado y a veces los directores ponen al espectador en situaciones en las cuales la delgada línea entre el bien y el mal es difícil de afrontar.

Almodovar se encuentra en su estado puro: génesis melodramática, diálogos brillantes, y plástica colorística, haciendo de la cotidianeidad pura belleza. Es un retrato hiperrealista de lo que sucede todos los días, y de lo marginal, pero sin perder la poética. Es muy efectivo y emotivo el momento en que Penélope Cruz canta, y hay en su música una evidente conexión con su madre “muerta”. Detrás de los ingeniosos diálogos de esta peli hay mucha tristeza, pero la vitalidad que empuja a los personajes a vivir sus historias, arrastran al espectador y lo hacen esbozar una sonrisa entre tristeza y tristeza.

Pasemos a la segunda película en competencia que fuera presentada en el día de ayer. Es el turno de Richard Linklater y su FAST FOOD NATION, con un elenco con figuras conocidas como Patricia Arquette, Ethan Hawke, Greg Kinnear, Kris Kristofferson y Bruce Willis. Esta es un trabajo ficcional pero critico en la línea de BOWLING FOR COLUMBINE, pero mas aproximándose a la temática de SUPER SIZE ME, la famosa película donde el propio director se sometía a la comida de McDonalds durante un mes. Sobre la base del bestseller de Eric Schlosser publicado en el 2001, y siguiendo una línea de historias múltiples como teníamos en TRAFFIC, se sigue el camino de la cadena alimentaría desde los ejecutivos de las compañías alimenticias hasta los trabajadores mas vulnerables con la idea que el espíritu de una nación puede ser entendido a través del estomago.

Es entretenida, por momentos, y da bastante información sobre el tema, pero peca de ser demasiado didáctica y pone en boca de los protagonistas discursos moralistas que terminan aburriendo. En su espíritu quizás pueda asimilarse a una crítica parecida a la que se encontraba en SILVER CITY de John Sayles, pero se hace difícil de digerir cuando se convierten en poco creíbles los diálogos que escuchamos. Parecería que una “maestra ciruela” habla por los protagonistas, y eso hace perder por completo el ritmo cinematográfico y la contundencia de los mensajes que se quieren transmitir. Una frase en la boca del personaje de Bruce Willis podría resumir la idea que el realizador quiere trasuntar: “La verdad es que todos alguna vez tenemos que comer alguna inmundicia”. El director ha querido disparar contra tantos sectores, la política del consumo de comida, la brecha entre pobres y poderosos, y la poca moral existente en las corporaciones norteamericanas, que no ha llegado a ser directo en ninguna crítica. Algún critico ha dicho que “ha mordido mas de lo que ha podido digerir”.

La curiosidad del día de ayer fue la presentación, fuera de competencia, de AN INCONVENIENT TRUTH, un documental dirigido por Davis Guggenheim, cuyos antecedentes están mucho más relacionados con la televisión como su trabajo en series como ALIAS, EMERGENCIAS MEDICAS, PARTY OF FIVE y NYPD BLUE. En circunstancias normales esta realización circularía solamente por colegios, universidades y encuentros políticos, y no tendría casi impacto en los circuitos comerciales de cine, pero hay varios grupos poderosos detrás de esto que tienen una fuerte determinación para que el mensaje, contrario al gobierno actual de Estados Unidos, y resaltando el discurso ambientalista de Al Gore, en relación con el calentamiento global, llegue a todo el mundo (anteriormente ha sido exhibida en el Festival de Sundance). La coproduccion estuvo a cargo de Lawerence Bender, conocido por su trabajo con Quentin Tarantino y por los productores de BUENAS NOCHES, BUENA SUERTE y SYRIANA.

Una novedad de último momento: otra celebrity que anda por aquí es Bruce Willis y esta anunciando a todo el que lo quiera escuchar que esta muy cerca, más que nunca, de cerrar un acuerdo para hacer DURO DE MATAR 4.

En un día muy ventoso, los despido hasta mañana.

2006-05-22T12:51:00.000-07:00

Desde Cannes 2006

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 02 - 18 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Amigos cinefilos:

Otro día de sol en Cannes. Muy contenta porque, ayer, luego de una extensa jornada de trabajo, pude relajarme e ir a ver una peli que tenia en la mira, desde mi breve paso por Madrid el fin de semana pasado. El titulo en cuestión se llama ROSARIO TIJERAS, una coproduccion entre Colombia y España, dirigida por el mexicano Emilio Maille, que se convirtió en un éxito de publico en el primero de estos países, de donde es oriunda la protagonista, que se esta dando en México actualmente y cuyo próximo lanzamiento se esta anunciando en España, Venezuela, Brasil y algunos otros países europeos. Un drama de mas de dos horas de duración, basado en la novela de Jorge Franco, que escribiera en 1989 y que luego se convirtiera en un best seller, pero que en el pasaje al cine no pierde su ritmo. Esta ambientada en Medellin y cuenta la historia de una joven que, lanzada a la prostitución, desde muy joven, decide vengarse de los hombres que “usan” su cuerpo. Es un retrato detallado de la situación que se vive en Colombia, especialmente en las grandes ciudades, donde el crimen organizado, las drogas, la prostitución y la corrupción van de la mano. La protagonista de la historia y que lleva el nombre de la película es Flora Martínez, quien se ha visto en muchos programas de televisión en América Latina, pero que también ha tenido pequeñas participaciones en películas como PRUEBA DE VIDA, protagonizada por Meg Ryan y Russell Crowe, o LA SECRETA VIDA DE UN DENTISTA, con Campbell Scott en su papel principal. Aquí Flora compone un papel muy ajustado, dándole el toque de sensualidad que tiene su personaje, pero especialmente mostrando las emociones exaltadas de esta mujer, mezcla de devota de los santos y santas del lugar, con brotes de venganza asesina. Esta también es una película de amor, por lo cual su “Romeo” es encarnado por el actor español, Unax Ugalde, quien pronto será visto en una producción de la cual se esta haciendo publicidad en Cannes, LOS FANTASMAS DE GOYA, dirigida por Milos Forman y con Javier Bardem y Natalie Portman en los papeles principales; y en ALATRISTE, protagonizada por Viggo Mortensen, sobre el libro de Arturo Pérez-Reverte.

Las dos películas en competencia que se han visto en el día de ayer son:

THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY, de uno de mis directores favoritos, Ken Loach, que parece que en esta película no ha alcanzado los niveles anteriores que ha logrado en anteriores producciones como AGENDA SECRETA, RAINING STONES, TIERRA Y LIBERTAD, MI NOMBRE ES JOE, PAN Y ROSAS y SWEET SIXTEEN, entre otras. A pesar de estar muy bien filmada, e iluminar muy correctamente un pasaje de la historia de Irlanda, que no ha sido objeto de demasiada revisión, especialmente en el Reino Unido, este trabajo no llega a emocionar, ya que profundiza demasiado en el análisis y deja de lado la pasión que tendría que trasuntar. Esta ambientada en Irlanda, a comienzos de la década del ’20, en el momento en que el gobierno británico hacia sus mayores esfuerzos para evitar que se formara la Republica de Irlanda. Soldados británicos fueron enviados al lugar para ayudar a mantener el orden y eliminaron sin contemplaciones al movimiento republicano. Como consecuencia, los republicanos se embarcaron en un proceso de guerrilla y lo que el director intenta mostrar es la brutalidad del comportamiento de la policía británica. En muchas de las películas de Loach, los protagonistas quedan en manos de actores desconocidos, pero en este caso ha usado una cara, que se esta convirtiendo en bastante familiar, la de Cillian Murphy, que hemos visto no hace muchos meses en BATMAN, anteriormente en REGRESO A COLD MOUNTAIN y que también es el protagonista del ultimo trabajo terminado de Neil Jordan, DESAYUNO EN PLUTO.

Como detallito final relacionado con Ken Loach, aqui en Cannes ha llegado la noticia que este director nuevamente se unirá a la productora Film Four, con quien ya ha hecho anteriores películas como RIFF RAFF. Todavía no hay un elenco establecido, y solo se sabe que se filmara en la primavera del 2006, en Londres y en Escocia y que será una historia contemporánea. Habrá que seguirle el rastro...

La segunda película en competición del día de ayer es SUMMER PALACE del director Lou Ye, que no es muy conocido en nuestros países. Su anterior trabajo data del 2003 y es PURPLE BUTTERFLY, protagonizada por Ziyi Zhang, actual jurado de este festival. Como una primera aproximación, la historia que aquí se cuenta es una muy usual: chica conoce chico, chica pierde chico y chica encuentra a ese mismo chico muchos anos después. Esta narración muy básica tiene como marco a la China de finales de los ’80 que nos lleva a los fatales eventos de la Plaza de Tiananmen.

De las tres películas que tiene en su haber este realizador, esta es sin lugar a dudas la de más fácil comprensión, pero no por ello es la más lograda. En su intento de relacionar lo ocurrido en Tiananmen, con la caída del Muro de Berlín y con el regreso de Hong Kong al control del gobierno chino, se hace poco efectivo y diluye la idea que quiere trasmitir: un espíritu de rebelión juvenil que flota por todo el mundo. Esta protagonizada por Hao Lei en el rol protagónico femenino y Guo Xiaodong como el objeto de su deseo.

Una ultima mención para HAMACA PARAGUAYA, una coproduccion entre Argentina, Uruguay y Paraguay, presentada dentro de la sección “Una cierta mirada” que causo muy buena impresión a la prensa y que es la primera película paraguaya filmada en 35 mm en los últimos 30 años. Dirigida y escrita por Paz Encina, esta opera prima es lo que llamamos una película típica de festival, especial para aquellos que opinan que “sufrir es bueno”. Esta ambientada en la selva, y describe la vida de una pareja de gente mayor, cuyo hijo se ha ido a una guerra que no se sabe cual es y de la que nunca ha retornado. Cuando la película vaya avanzando, lentamente, uno se podrá dar cuenta que la guerra a la cual se hace referencia es la guerra que Paraguay sostuvo en 1930. Este trabajo tiene algunas similitudes con otra película que he visto en anos anteriores en Cannes, TROPICAL MALADY, de Apichatpong Weerasethakul, y ha sido esponsorizado por el Atelier del Festival de Cannes del 2005.

Mañana llega Almodovar! Hasta entonces...

Desde Cannes 2006

2006-05-18T07:42:00.000-07:00

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CANNES 2006
Informe 01 - 18 de mayo

Por María Fernánda Fernández

Queridos lectores:

Un ano ha pasado y aquí estamos nuevamente acometiendo la “difícil” tarea de sobrevivir a estos diez días de festival.

En esta edición con una ilusión especial en el corazón, porque Argentina tiene una película, CRONICA DE UNA FUGA, en competición, así que se imaginaran los nervios de la delegación de nuestro país. Los latinoamericanos estamos bastante bien representados, porque han sido seleccionadas dos películas mexicanas, BABEL (dirigida por Alejandro González Inarritu de AMORES PERROS y 21 GRAMOS, con la actuación de Brad Pitt) y EL LABERINTO DEL FAUNO (de Guillermo del Toro de EL ESPINAZO DEL DIABLO, MIMI y BLADE 2) y si queremos ser mas amplios, también hay otro representante, en este caso de Iberoamerica, el genial Almodovar con VOLVER.

El seleccionador de las películas para este festival, Thierry Fremaux, director artístico del festival, ha estado declarando a los medios que este ano la idea fue acrecentar la cantidad de películas en competición y mostrar la diversidad de orígenes de las mismas. Así también se ha intentado traer a la alfombra roja a directores diferentes de los ya conocidos como los “mimados” de Cannes, aunque igualmente hay filmes del ingles Ken Loach, THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY, y del italiano Nanni Moretti, IL CAIMANO, varias veces competidores en este festival.

Las otras películas que competirán durante los próximos días en la sección oficial son:

SUMMER PALACE del chino Lou Ye

FAST FOOD NATION de Richard Linklater por Estados Unidos, que el ano pasado tuviera un éxito comercial bastante interesante con ANTES DEL ATARDECER, protagonizada por Ethan Hawke y Julie Delpy

RED ROAD de la realizadora británica Andrea Arnold

IKLIMLER del director turco Nuri Bilge Ceylan

SOUTHLAND TALES del norteamericano Richard Kelly

LAITAKAUPUNGIN VALOT del finlandés Aki Kaurismaki, recordado en nuestros países por JUHA y EL HOMBRE SIN PASADO

MARIA ANTONIETA de la realizadora norteamericana Sofía Coppola, cuyos anteriores trabajos han sido conocidos en nuestros países, LAS JOVENES SUICIDAS y PERDIDOS EN TOKYO

LA RAISON DU PLUS FAIBLE del belga Lucas Belvaux

L’ AMICO DI FAMIGLIA del italiano Paolo Sorrentino, que hace dos anos presentara en competición LAS CONSECUENCIAS DEL AMOR, y

JUVENTUDE EM MARCHA del portugués Pedro Costa

Por el dueño de casa se están presentando las siguientes películas:

SELON CHARLIE de Nicole García

FLANDRES de Bruno Dumont

INDIGENES de Rachid Bouchra

QUAND J’ETAIS CHANTEUR de Xavier Giannoli

El jurado de la competencia oficial de este ano esta presidido por el realizador chino, Wong Kar Wai, recordado en nuestros lares por haber filmado en Argentina HAPPY TOGETHER y el director de uno de los cortos que componen EROS, esta compilación de tres historias que tienen como hilo de conexión el erotismo, que fue estrenada en Argentina hace una semana.

Lo acompañan en esta difícil tarea las actrices Monica Bellucci, Helena Bonham Carter y Zhang Ziyi, de China (que últimamente viéramos en MEMORIAS DE UNA GEISHA), la directora argentina Lucrecia Martel (que hace dos anos presentara aqui su película en competencia, LA NINA SANTA), los actores Samuel Jackson y Tim Roth; y los realizadores Patrice Leconte (de Francia, con películas como LA CHICA SOBRE EL PUENTE, con Vanessa Paradis y Daniel Auteuil y LA VIUDA DE SAINT-PIERRE, con Juliette Binoche, nuevamente Daniel Auteuil y Emir Kusturica) y el palestino Elia Suleiman, que en el 2002 ganara aquí un premio por su INTERVENCION DIVINA.

Para el día de ayer todo estaba concentrado en la exhibición en noche de apertura de EL CODIGO DA VINCI y todas las cámaras apuntaban a los rostros de los protagonistas principales, Tom Hanks y Audrey Tautou, y del realizador Ron Howard, conocido por filmes como UNA MENTE PELIGROSA y CINDERELLA MAN, ambos protagonizados por Russell Crowe. Como elenco soporte se encuentran nombres de la talla de Ian McKellen (que se luce en este papel y le da algunos toques muy personales a esta película, y que la próxima semana veremos en otro tanque como es X-MEN 3, que también será presentado fuera de competencia en el festival); Alfred Molina y su excelente composición de un personaje eclesiástico muy prominente para el Opus Dei; Paul Bettany y su ajustado trabajo como ese ser atribulado por sus pecados; y Jean Reno, que viéramos hace unos meses en LA PANTERA ROSA.

Por aquí las criticas no han tratado demasiado bien a este film, y en general apuntan a que, intentando ser muy fieles al libro, perdieron el ritmo que lo caracterizaba, ese que hacia que el lector no pudiera refrenar su ímpetu de pasar a la próxima pagina. La peli dura dos horas y media y algunos dicen que es “más larga” que el libro. De todas maneras ha concertado un éxito y un interés increíble y será seguramente uno de los “hits” de la temporada. Se esperaban algunas marchas religiosas en contra de la propuesta de EL CODIGO DA VINCI, pero no han tenido la repercusión pensada, así que, por lo menos en Cannes, los fans del libro y de Tom Hanks han podido celebrar esta exhibición.

No tengo mas para reportar por el momento y me despido hasta mañana!

FESTIVAL IN-EDIT 2006

2006-01-21T15:02:00.000-08:00

ALGUNOS COMENTARIOS SOBRE MIS DOCUMENTALES PREDILECTOS EN EL SEGUNDO AÑO DE ESTE FESTIVAL.

POR MIGUEL ANGEL VIDAURRE

THE SOUL OF A MAN: operaciones hibridas.

Win Wenders retoma el documental y realiza una pequeña obra al interior de la serie ideada por Martin Scorsese en torno al blues. Tomando como punto de partida el lanzamiento del Voyager y el contenido de su disco de información que incluye grabaciones de algunos músicos de blues, Wenders ira diseñando mediante una serie de reconstrucciones, imágenes de archivo y revisiones de temas clásicos interpretados por músicos contemporáneos fragmentos de la vida de tres músicos de blues: Skip James, Blind Willie Johnson y J.B. Lenoir.

Aprovechando la estructura del documental Wenders realiza un trabajo audiovisual que lo vincula a la ficción y al ensayo, como lo había hecho en otros filmes, especialmente en "Lightning Over Water" (1980) en donde procede a una operación de simulación documentalista para acercarse a la figura de Nicholas Ray , no se trata de un falso documental al estilo de “This Is Spinal Tap”(1984) de Rob Reiner, sino más bien un trabajo hibrido que intenta mediante estrategias diversas acercarse al objeto de estudio.

Mediante un uso intensivo de reconstrucciones de corte minimalista – blanco y negro, actores encarnando a los diversos cantantes de blues, uso intensivo de espacio escenografitos mínimos, Blind Willie Johnson apoyado contra el porche de una casa sureña en un plano cerrado en donde el encuadre no abarca más que al músico, su guitarra, y fragmentos del porche, algunas personas brotan desde el espacio off y pasan ante la cámara, con esos pocos elementos Wenders nos instala en la década del treinta.

Desplazándose continuamente desde las reconstrucciones de época al registro de músicos actuales como Lou Reed, Nick Cave o Bonnie Rait que interpretan nuevas versiones de los mismos temas que nosotros escuchamos en sus versiones originales ficcionadas por Wenders, el filme integra estos retazos en una operación collage que cumple tanto las intenciones del homenaje como las necesidades documentalistas del proyecto del cual es parte, pero que por sobre todo es un notable ejercicio de estilo y un ejemplo de aprovechamiento de las posibilidades formales del formato documental entendido al interior de una definición flexible y poco ortodoxa.

NO DIRECTION HOME: SCORSESE RELEE A PENNEBAKER.(DVD)

“Un artista debe tener cuidado de no llegar a ningún sitio donde piense que ya ha llegado…es preciso estar siempre en un estado de transito.” (Bob Dylan).

En 1967 se estreno uno de los documentales fundamentales para la evolución del género al interior de la temáticas ligadas al fenómeno del incipiente ascenso de la música pop: “Don’t look back” de D.A. Pennebaker, autor casi desconocido en nuestras latitudes y que sin embargo es el responsable no solo de la creciente complejidad estructural de los documentales centrados en conciertos o en interpretes sino también en la transformación del puro registro en una obra de valor estético anexo como es el caso del video clip. A Pennebaker se deben algunos hitos de la cultura popular norteamericana como “Monterey Pop” (1968), “Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (1973), “Depeche Mode 101”(1989), “Woodstock Diary” (1994), entre otros.

Participe de los autores norteamericanos independientes de fines de los 50 como Jonas Mekas, colaborador de JL Godard, guionista para Norman Mailer y productor del exitoso documental Startup.com (2001), Pennebaker organiza en Don’t look back un filme a la usanza del cinema verite de Jean Rouch , mediante un seguimiento insaciable a Bob Dylan durante su gira de 1965 por Reino Unido. Es difícil saber si la intuición de documentalista o su cercanía con el aún músico folk lo llevaron a suponer que esta gira iba a ser fundamental en la transformación artística de Dylan. Cámara en mano, cortes bruscos, quiebres de eje, entrevistas sin pauta previa, lograron que el documental tuviera una fluidez que coincidía con muchas de las búsquedas expresivas de la época e incluso con la noción de cassavetes en torno a un cine que parece estar gestándose ante nuestros ojos.

El fundamento del trabajo de Pennebaker fue el estar en el centro neurálgico de transformación de un Dylan folk, ligado a la izquierda norteamericana y patrocinado por Woody Guthrie, Pete Seeger o Joan Baez, a un Dylan apoyado por un grupo de músicos con raíces vinculadas al blues y al rock con una noción del espectáculo que molestaba a las pudorosas buenas conciencias de la política “progresista”. El paso del intérprete de himnos con aires eclesiales a la estrella del rock con aspavientos de dandie. En ese momento la cámara de Pennebaker se presenta como inigualable, captando la tensión de los conciertos, la molestia de los seguidores del primer Dylan, poco dispuestos, como amantes despechados, de admitir los cambios en su ídolo.

Casi treinta años después se le ofrece a Martin Scorsese el proyecto de un nuevo documental sobre Dylan, y Scorsese acepta sin filmar un trozo por su propia cuenta. La autoría se fundamenta en la elección de un punto de vista y en la selección de cientos de horas de material fílmico, entrevistas para la televisión, fotografías de archivos y un par de entrevistas más recientes, en las cuales Scorsese no participo. La mirada del autor emana de un concepto encarnado en un trabajo manual y no necesariamente en su presencia permanente en cada momento del proyecto. La reutilización de material filmado por terceros es una práctica habitual del documental desde los ejercicios de montaje sonoro de Vertov en los 20, hasta los ejercicios atrabiliarios y cínicamente divertidos de Craig Baldwin, como la desopilante “Tribulation 99: alien anomalies Ander América”(1992), absolutamente compuesto por material de prensa y filmes mexicanos de lucha libre, en donde planea la descabellada tesis del origen extraterrestre de los movimientos de izquierda en Latinoamérica.

“I'm Just a Song and Dance Man" (Bob Dylan)

La operación de Scorsese se concentra en la reordenación de una serie de material previamente filmado por Murray Lerner, Andy Warhol, Jonas Mekas y obviamente Pennebaker, cuyo trabajo se instala como el centro referencial de todo el trabajo, una especie de flexible columna de sentido que permite conectar la diversidad de información a una matriz que conlleva la lectura scorsesiana de dicho material ajeno a su propia mano.

“No direction home” no pretende convertirse en una mirada que abarque la totalidad de la obra de Dylan, ni siquiera es una puesta al día del trabajo de Pennebaker en cuanto progresión cronológica o ampliación a otras referencias de su trabajo, como su participación actoral en diversos filmes, sus bandas sonoras o los poemas publicados, sino que se concentra en un punto menos impactante pero pudorosamente más complejo que consiste en volver a mirar “Don´t look back” y otorgarle una nueva profundidad a esa mirada. Al combinar lasa diversas miradas de los directores de la época, con retazos de imágenes de prensa y entrevistas intercaladas haciendo referencia directa o indirectamente al momento de la primera transformación importante de la música de Dylan, el documental logra imponer su originalidad, lo que importa es el criterio, la posibilidad de relectura de una obra realizada décadas atrás desde la mirada de un participe de ese momento que nos guste o no ha tendido a transmutar su obra en un par de ocasiones, desde su cercanía a la nouvelle vague con filmes como “Who's That Knocking at My Door”(1967), deviendo posteriormente en un híbrido de cine experimental con cine de género como en Taxi Driver (1976), para culminar en los últimos años en una etapa de clasicismo de corte preciosista que supone una conexión con las fastuosas superproducciones del Hollywood de los 50.

Por otra parte no esta de más el apreciar como su obra de corte documental se presenta con una soltura y novedad de la cual carece su producción de ficción, desde su incipiente trabajo en busca de sus raices familiares en “Italianamerican” (1974) o aquel homenaje terminal a The Band ( el grupo liderado por Robbie Robertson que emerge desde la agrupación que acompaño a Dylan en su abucheada gira por UK) “The Last Waltz” (1978) a su personal mirada sobre el cine norteamericano en “A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies” (1995).

EL IRRESTIBLE ATRACTIVO DEL MAR Y LOS FESTIVALES DE CINE PANTALLA PINAMAR 2005.2006 - Por María Fernada Fernández Vila

2006-01-13T06:32:00.000-08:00

Para la organización de eventos importantes, ferias, mercados y festivales, generalmente se utilizan bellos paisajes como el marco más adecuado para atraer a una mayor concurrencia. En el caso del cine, podemos citar al festival de festivales, Cannes, que tiene lugar en una hermosa villa frente al mar. En la Argentina también se ha repetido esta experiencia: el más importante evento cinematográfico de nuestro país tiene lugar en Mar del Plata, la Perla del Atlántico. Chile también tiene su festival internacional del cine en Viña del Mar y así podemos citar otros muchos ejemplos alrededor de todo el mundo.

Desde el 2001 el cine argentino ha sufrido un resurgimiento, discutido por unos y otros, en relación a si es o no un “nuevo” cine o si es o no un cine “independiente”, debate al que no nos dedicaremos en esta ocasión. Lo importante es que el Instituto de Cinematografía Argentina (INCAA) ha visto la necesidad de crear otros ámbitos ideales para mostrarle al mundo nuestro cine y también para intercambiar con otras cinematografías (en este caso mayoritariamente europea) puntos de vista y posibilidades de trabajo en conjunto y PANTALLA PINAMAR ha sido vista como ese nuevo desafío. Este proyecto que se concretó en el 2004 con la primera edición de este festival, tuvo como ideólogo a Jorge Coscia, que acaba de dejar la presidencia del INCAA en manos de su vicepresidente, Jorge Alvarez, ya que actualmente tiene un cargo como diputado de la Nación. El objetivo era crear un espacio para que se pudiera mostrar todo lo mejor de la cinematografía nacional durante un año, además de ir anticipando lo que va a suceder en los próximos meses, y así es que se entiende la sección del festival, LO QUE VENDRÁ y además los “WORK IN PROGRESS” (“En construcción”) que se dan en paralelo con las conferencias de prensa.

Como la cooperación internacional en el ámbito de la difusión de la cultura vernácula es un elemento imprescindible se puso este proyecto en manos de un experto en cine, especialista además en vinculaciones internacionales, particularmente con España, como Carlos Morelli, quién fue nombrado como el Director General de Programación. Las expectativas fueron ampliamente superadas y ya desde los orígenes de esta muestra se contó con el apoyo del Festival de Málaga, en un ejemplo de colaboración entre dos festivales. Las películas ganadoras en Pinamar son exhibidas en el Festival de Málaga y lo mismo sucede en Pinamar con las ganadoras de la muestra española.

PANTALLA PINAMAR tampoco puede explicarse sin contar con la colaboración de la Intendencia de Pinamar, a través de su Secretaria de Turismo y Cultura, en un moderno desarrollo de lo que las ciudades deben hacer para relacionarse con el exterior. El gobierno de la provincia de Buenos Aires, que contiene a Pinamar, también ha respaldado este evento.

Ya en la primer edición de Pinamar, que tuvo lugar entre el 11 y el 18 de diciembre del 2004, el éxito fue completo. En 8 días, extendidos a 9 porque el 19 de diciembre se repitieron algunos filmes, se vieron 41 películas, y el público acompañó a la cinematografía nacional y europea, ya que el número de espectadores superó los diez mil. También las visitas internacionales fue un punto atractivo de la muestra y así los periodistas locales tuvimos la oportunidad de charlar con figuras españolas como Alex de la Iglesia, Ariadna Gil, David Trueba, Mercedes Sampietro, María Barranco, Pablo Carbonell y Goya Toledo, así como con Olivia Magnani, la nieta de la famosa Ana Magnani, que vino a Pinamar acompañando a la película LAS CONSECUENCIAS DEL AMOR, presentada también en el Festival de Cannes de ese año, donde tiene un rol protagónico.

Las películas argentinas que compitieron en la edición del 2004 por un premio para luego ser exhibidas en Málaga fueron: “Adiós querida luna”, de Fernando Spiner, “Buena vida delivery”, de Leonardo Di Cesare, “Conversaciones con mamá”, de Santiago Carlos Oves, “El abrazo partido”, de Daniel Burman, “El cielito”, de María Victoria Menis, “El perro” de Carlos Sorín, “La niña santa”, de Lucrecia Martel, recientemente elegida por el “New York Times” como una de las mejores películas del 2005, “Roma”, dirigida por Adolfo Aristarain, “Un mundo menos peor” de Alejandro Agresti, y “Whisky” de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. El premio “Balance de Oro” fue para “El perro”, la plata quedó en manos de “El abrazo partido” y el bronce fue para “Roma”.

Dentro de los títulos europeos que vi en esa ocasión, he seleccionado algunos que me han parecido muy interesantes como: CARROUSEL 1950, del director español José Luis Garci, ambientado en la Guerra Civil Española, con las actuaciones de Fernando Fernán Gomez, Ana Fernández y Miguel Angel Solá, entre otros; PASIÓN EN EL VIENTO, un drama italiano sobre inmigrantes y relaciones cuasi-incentuosas, dirigido por Silvio Soldini; EN LA PALMA DE MI MANO, drama alemán, de Rouven Blankenfeld, sobre las relaciones entre una hija y su padre completamente inválido, con vigorosas actuaciones de Irma Schmitt y Klaus Lehman; ATÚN Y CHOCOLATE, ganadora en Málaga, dirigida y protagonizada por Pablo Carbonell, junto a María Barranco, comedia ambientada en Cádiz sobre como la vida de los personajes se ve afectada por la pesca, la inmigración africana y el narcotráfico; FUERA DEL CUERPO, ganadora de un premio Goya por realizador novel, una comedia disparatada que trabaja con la idea del cine en el cine, protagonizada por Gustavo Salmerón y Goya Toledo y dirigida por Vicente Peñarrocha; la hilarante y magistral CRIMEN FERPECTO, de Alex de la Iglesia, protagonizada por Guillermo Toledo y Mónica Cervera, perfectos en sus papeles; y UN VIAJE LLAMADO AMOR, de Michele Placido, con Laura Morante y Stefano Accorsi, un drama ambientado en Italia entre 1916 y 1918 que cuenta el amor desesperado entre los poetas Sibilla Aleramo y Dino Campana.

Para el 2005 el número de películas presentadas ascendió a 48, se vendieron 18.000 entradas, un incremento considerable en relación al primer encuentro y también hubo una fuerte presencia de visitas extranjeras como los actores españoles de LIFTING DEL CORAZÓN, María Barranco & Pep Muné, el director y la actriz italiana, Giuseppe Piccioni y Sandra Ceccarelli por LA VIDA QUE QUISIERAS, el director de SER DIGNO DE SER, Radu Mihaileanu, la española Ana Fernández, actriz de MORIR EN SAN HILARIO, los actores alemanes, Loretta Pflaum, de DORMIDO, y Armin Rhode, de BODA SANGRIENTA, y la joven actriz de EL NIÑO, Deborah Francois.

Los filmes exhibidos se agruparon en las siguientes secciones:

- Y EL GANADOR ES: allí se presentan todas las películas argentinas en competencia que, entre el 1ero. de noviembre del 2004 y el 31 de octubre del 2005, hayan concursado en la competencia oficial o hayan recibido algún premio en cualquiera de las secciones de los festivales cinematográficos considerados de “Clase A”. Las mismas serán votadas tanto por el público como por la crítica especializada y se le darán distinciones a las tres cuyos promedios sean más altos. Se exhibieron: “Ay Juancito” de Héctor Olivera, sobre la vida del hermano de Eva Perón; “El aura”, candidata argentina para los Premios Oscars 2006, dirigida por Fabian Bielinsky, recordado por su “Nueve reinas”; “El buen destino”, ópera prima de Leonor Benedetto; “Garúa” de Gustavo Corrado, una historia de amor y suspenso, con escenografía de tango; la emotiva “Iluminados por el fuego”, candidata argentina a los Premios Goya 2006, sobre el conflicto entre Argentina y Reino Unido por las Islas Malvinas en 1982, dirigida por Tristan Bauer sobre la novela del ex combatiente Edgardo Esteban; “La dignidad de los nadies”, documental dirigido por Pino Solanas acerca de la debacle argentina del 2001 y de los grupos sociales emergentes; “Los muertos”, de Lisandro Alonso, siguiendo la línea estética de su film anterior, “La libertad”; “Monobloc”, de Luis Ortega y un triángulo “amoroso” entre una hija, su madre y su tía encerradas en un ambiente completamente hermético; “Tatuado” de Eduardo Raspo y la búsqueda de un hijo para encontrar sus verdaderos orígenes; y “Un año sin amor”, presentada en Berlín 2005, una historia de sida, homosexualidad y sado-masoquismo.

- HOY ES MAÑANA: aquí se preestrenan películas argentinas y europeas, entre las cuales quiero destacar: “A través de tus ojos”, el director de “Tocala para mí”, Rodrigo Furth, esta vez aborda la historia de dos personas mayores que, asomados a la crisis argentina del 2001, deciden irse a Nueva York para que uno de ellos se someta a un tratamiento médico y para ello cuenta con las impecables actuaciones de Pepe Soriano y Adriana Aizemberg, “La vida que quisieras”, “Lifting del corazón”, del director Eliseo Subiela en un film que el propio Subiela define “hecho no para ganar festivales sino para la gente”, y que narra la historia de un médico español cuarentón (Pep Muné) que tiene una “bonita” familia con la salerosa María Barranco, cuyos cimientos son “sacudidos”, cuando nuestro protagonista viaja a la Argentina y conoce a una joven del lugar (Moro Anghileri); “Los suicidas” de Juan Villegas, el director de “Sábado” y crítico de cine, sobre una novela de Antonio Di Benedetto, vuelve a su actor fetiche, Daniel Hendler, y aborda un tema que le toca muy de cerca, la muerte de un padre de muy niño, aunque aquí la idea principal es trabajar la temática del suicidio; y “Ser digno de ser”, dirigida por Radu Mihaileanu, conocido en estos lares por “El tren de la vida”. Esta película comienza en 1984 en un campamento de refugiados en Sudán, en el momento en que Estados Unidos e Israel están poniendo en práctica su proyecto, “Operación Moisés”, de llevar a los hijos de judíos etíopes a Israel. Una madre, temiendo que su hijo muera de hambre, lo hace pasar por otro niño judío y así Yael, el protagonista de nuestra historia, es enviado a Tel Aviv y allí deberá aprender todo de cero, simulando ser judio cuando fue criado como cristiano, sufriendo el desarraigo, pero por sobre todas las cosas, el alejamiento de su madre. El realizador también comparte con Yael la complejidad en su origen y así él mismo confiesa que algunas personas lo consideran francés y otras, rumano y que en realidad él se siente que es “ambas y ninguna: ni completamente francés, ni completamente rumano”. “Habla rumano con acento francés y habla francés con acento rumano”. La idea principal que intenta comunicar en este film es que “no se puede vivir sin el otro” y que “el otro está dentro de uno”. Un tema tan actual que nadie debería dejar de ver esta película.

Por varios y distintos motivos, párrafo aparte merece la muy acabada LA VIDA QUE QUISIERAS. Aquí me voy a permitir ser un poco sentimental y dedicarles un agradecimiento y homenaje a dos “amigos” que el cine (en su máxima expresión de puente entre culturas) me ha brindado y que son el director de este film, Giuseppe Piccioni (del que en la primer edición de “Pantalla Pinamar” se exhibiera “Luz de mis ojos”), un hombre generoso en sus pensamientos y acciones, y un director con ideas muy claras y a la bella y simpática Sandra Ceccarelli, protagonista de esta película, pero también de la anterior, “Luz...”, poseedora de un castellano que muchos envidiarían y un ser adorable. Con ellos y otros amigos hemos compartido muy agradables momentos, desde el desayuno, pasando por las conferencias de prensa, los almuerzos, los paseos, las veladas de cine y por supuesto las interminables cenas con baile incluido. Mis queridos lectores pensarán que tanto entusiasmo no me permitirá esbozar algunas líneas objetivas sobre este film, pero eso no es así, ya que la calidad del mismo habla por si sola y no es una tarea muy difícil comentarles algunos puntos interesantes a tener en cuenta y entusiasmarlos con la idea de ver LA VIDA... que, seguramente ,será exhibida en Sudamerica en los próximos meses.

La historia de LA VIDA QUE QUISIERAS trabaja la idea del cine dentro del cine. Dos actores comprometidos con su trabajo en un film de época viven sus vidas en paralelo. Uno de los puntos interesantes de este trabajo es que permite confirmar la vigencia del melodrama clásico, ya que una historia como la que cuenta la película que los protagonistas están filmando, y que tiene muchas reminiscencias a amores trágicos como los que viven los personajes de “La dama de las camelias” o de “Ana Karenina” puede proyectar una historia ambientada en la época actual, y estará en los protagonistas el poder vencer la fuerza del destino y percibir la delgada diferencia entre la “realidad” ficcionada y la ficción. Complejidad en el enfoque que es muy bien resuelta por el director, a través de un uso de la cámara muy precisa y de una belleza en la fotografía que acompaña sobre todo a las escenas que corresponden a la “sub” película que se está filmando, y que le dan un marco adecuado a esta realización. Un aporte muy valioso a este trabajo es la actuación de sus protagonistas, la ya mencionada Sandra Ceccarelli, que maneja a la perfección esa dualidad en su rol y un Luigi Lo Cascio impecable en su doble papel de protagonista de las “dos películas” y en su pasaje de hombre desapasionado a Otelo celoso, tanto en el aspecto amoroso como en el laboral. Debemos agradecerle a Pantalla Pinamar que nos de la oportunidad de ver un cine tan exquisito y que nos permita romper con ese círculo vicioso del mal llamado “cine comercial”, que a veces no responde tanto al gusto del público, sino a los monopolios existentes en el mercado cinematográfico.

- UN DÍA, UN FILM: donde se pudo disfrutar de títulos como “Buen día, noche”, de Marco Bellocchio, sobre el secuestro y posterior asesinato de Aldo Moro, que nos permite corroborar el oficio de Luigi Lo Cascio; “El lugar del alma”, de Riccardo Milani, un angustiante drama que toca un tema muy actual como el de las multinacionales despidiendo personal de sus empresas automotrices; “Boda sangrienta” co-producción entre Alemania y Bélgica, basada en el comic, “Lune de Guerre”, dirigida por Dominique Deruddere, de ritmo vertiginoso, marcando la delgada línea que separa la normalidad del desborde y de cómo un simple hecho puede desencadenar una tragedia; y “El milagro según Salomé”, un melodrama clásico, con toques de misticismo, basado en una novela de José Rodrigues Miguéis, dirigido por el portugués Mario Barroso, y ambientado en 1917.

- LO MEJOR DEL FESTIVAL DE MÁLAGA: tres películas ganadoras en la edición 2005 de ese Festival: “Heroína” de Gerardo Herrero, cuyo título juega con el doble significado que tiene esa palabra, y la guerra de una madre para que su hijo se aleje de las drogas; “Tapas”, de José Corbacho y Juan Cruz, deliciosas historias de diferentes personajes que se entrelazan y dejan un cierto sabor amargo y que tienen a un bar como escenario común, donde se destacan las actuaciones del argentino Alberto de Mendoza y María Galiana, como una pareja de ancianos, que se embarcan en caminos “éticamente” discutibles con el objeto de disfrutar de sus últimos momentos juntos; y por último “Morir en San Hilario”, de la directora Laura Maña, con las actuaciones de Ana Fernández y el argentino Ulises Dumont.

- RAÍCES: (producto de un acuerdo con el cine catalán) se presentaron dos películas: “Amor idiota”, una comedia romántica “difícil”, de Ventura Pons y “Camarón”, sobre la vida de Camarón de la Isla, el cantante flamenco que marcó a fuego los años 60 y 70.

- EL VALS DEL ANIVERSARIO: se exhibieron las legendarias y argentinísimas “Los muchachos de antes no usaban arsénico”, de 1976, dirigida por José Antonio Martínez Suárez; “La raulito” de 1975, realizada por Lautaro Murúa (cuya única copia fue prestada por el gobierno español); “Lo que pasó a Reinoso” (de 1955, dirigida por Leopoldo Torres Ríos, cuya copia fue recientemente restaurada tras un dificultoso tratamiento realizado integramente en Argentina); y la española "Las cosas del querer”, de 1989, dirigida por Jaime Chavarri.

En otras secciones como LA NOCHE AMERICANA y LA MIRADA ORIENTAL se proyectaron respectivamente “Heights”, una historia bien neoyorkina, dirigida por Chris Terrio y protagonizada por Glenn Close y “Al oeste de Beirut”, una produccción entre Francia, Noruega, Líbano y Bélgica, que aborda el drama de unos adolescentes ante la guerra civil del Líbano de 1975.

También hubo lugar para los más pequeños y así en la sección LA HORA DE LOS CHICOS, se presentó “El sueño de una noche de San Juan”, dibujos animados de Angel de la Cruz y Manolo Gómez, en una versión libre de “Sueño de una noche de verano” de Shakespeare; y “Valiant”, otra animación, de origen inglés, dirigida por Gary Chapman y que “juega” con el papel que las palomas mensajeras cumplieron en la II Guerra Mundial.

Es interesante tener en cuenta algunos de los trabajos presentados en los WORK IN PROGRESS, ya que ayudan a construir un panorama de los proyectos del cine nacional que ya se están gestando, y así podemos mencionar: “Agua” de Victoria Chen, con las actuaciones de Rafael Ferro, Nicolás Mateo, Gloria Carrá y Jimena Anganuzzi y la historia de un antiguo campeón de natación en aguas abiertas, que, acusado de doping, decide exiliarse, abandonar todo y lo interesante es lo que sucederá cuando quiera volver; “Madres”, documental de Eduardo Walger sobre las Madres de Plaza de Mayo Línea fundadora; “Luis Sandrini, un clown” de Lilian Morello sobre guión escrito por la hija del propio Sandrini, un documental sobre la vida y la obra de uno de los actores más populares de la historia del espectáculo latinoamericano; y “La fuga”, coproducción con mis amigos chilenos, en una ópera prima de Pablo Larraín, protagonizada por Benjamín Vicuña y Gastón Pauls, que cuenta la historia de una melodía y de cómo un hombre intenta escapar de ella, y de cómo otro hombre intenta hacerla propia.

Por último, los premios fueron otorgados a ILUMINADOS POR EL FUEGO como la mejor película, votada por el público y la crítica especializada, a la cual se le entregó el “Balance de oro”; el “Balance de plata” fue para LA DIGNIDAD DE LOS NADIES y el de bronce para EL AURA. Además, el jurado de Signis, incoporado en esta segunda edición premió a LA DIGNIDAD DE LOS NADIES por retratar “ con rigor cinematográfico y una mirada sensible y desprejuiciada el rostro humano de la exclusión social,...”

El balance de este Encuentro es muy positivo en todos los aspectos, desde lo social hasta lo cultural, pasando por lo económico (incluso hubo un encuentro entre productores argentinos y los visitantes extranjeros para explorar las posibilidades de trabajo en conjunto). Se ha profundizado el acuerdo con el Festival de Málaga, al cual se considera como “una vitrina para el lanzamiento de Pantalla Pinamar en Europa”, ha sucedido lo mismo con ANICA, la Asociación Italiana de la Industria cinematográfica, audiovisual y multimedia, y también se han firmado otros nuevos entendimientos como el de la Intendencia de Pinamar con representantes del gobierno de El Líbano para fomentar el turismo y la cultura o como el del Instituto de Cine con la “Film FernsehFonds Bayern” para promocionar el cine de Bavaria en Argentina y que suceda lo mismo con el cine nacional allí y también para analizar la posibilidad de un trabajo en coproducción. Todas son puertas abiertas al mundo y distintos caminos que permiten a su vez el respeto a la diversidad cultural sin por ello abandonar la identidad nacional.

Me despido hasta el próximo encuentro.

BUENOS AIRES – SÉPTIMO FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE - BAFICI 2005 - por María Fernanda Fernández

2006-01-13T06:28:00.000-08:00

Durante los últimos cuatro años el responsable de la organización de este festival había sido Eduardo Antín, o más conocido como “Quintín”, un crítico de cine argentino muy considerado internacionalmente (tanto que fue parte del jurado de la muestra “Un certain regard” del último festival de Cannes) y fundador de la revista especializada “El Amante”. Por desinteligencias con el Secretario de Cultura porteño, Gustavo López, Quintín fue desplazado de su cargo y su lugar fue cubierto por Fernando Martín Peña, critico y coleccionista de cine, quién se conviritó en el director artístico de esta edición 2005. Peña es director de la Filmoteca de Buenos Aires (que cuenta con más de 4.300 filmes), integra APROCINAIN (la Asociación Pro Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional), es crítico en la revista “Rolling Stone”, programador de la sala de cine del MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), autor de varios libros (entre los que se cuenta “El cine quema: Raymundo Gleyzer” del 2000) y también creador de una revista de cine, “Film”, que tuvo una corta vida.

A pesar de que parecía que la estructura del festival podía verse resentida por estos cambios de autoridades de último momento, esto no sucedió y nuevamente nuestra ciudad pudo disfrutar de una muestra de cine nacional e internacional con más de 400 películas, cuya amplia diversidad en géneros, estilos y países de origen hizo que un público, que generalmente no se conforma con la oferta del circuito comercial, haya quedado bastante satisfecho. De los 414 trabajos exhibidos, 292 fueron largometrajes y 122 cortos de menos de 50 minutos. Los países de los cuales provenían esos trabajos fueron Alemania, Argentina (con una presencia de 75 filmes, de los cuales 49 eran largos), Armenia, Austria, Bélgica, Brasil, Camboya, Canadá, Chile (4 largos y un corto), China, Corea del Sur, Cuba, Dinamarca, España, Estados Unidos, Filipinas, Finlandia, Francia, Gran Bretaña, Holanda, Hong Kong, Hungría, India, Irán, Irlanda, Israel, Italia, Japón, Kazakistán, Kirguistan, Líbano, Malasia, Marruecos, México, Palestina, Paraguay, Rusia, Senegal, Suecia, Suiza, Tadjikistán, Tailandia, Taiwán, Túnez, Turkmenistán, Uruguay y Uzbekistán.

El festival tuvo lugar entre el 12 y el 24 de abril de este año y tuvo como sedes la cadena de cines Hoyts (situada en el barrio del Abasto), el cine América (un cine que está fuera del circuito comercial, y que sólo es abierto para algunas ocasiones especiales), el cine Cosmos (un cine donde usualmente se estrenan películas que van por fuera del circuito de los multicines), la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (correspondiente al ámbito oficial), el Centro Cultural Ricardo Rojas (perteneciente a la Universidad de Buenos Aires), el cine sito dentro del MALBA y la sala de exhibición que tiene la Alianza Francesa. Este detalle da muestra que también en el ámbito de la exhibición se ha buscado la diversidad, ya que se mezclan espacios de exhibición públicos con privados, lugares netamente comerciales con otros que no lo son tanto.

Se realizaron 857 funciones de las cuales 800 fueron para el público y el resto para la prensa. Los asistentes a esas funciones para el público general ascendieron a los 174.500 y las entradas vendidas fueron 124.500, un 17,5% más que el año anterior. Además se deben contar unos 10.000 asistentes a las 50 actividades especiales que tuvieron lugar. Hubo unos 250 invitados internacionales provenientes de 32 países diferentes. En el ámbito nacional se invitaron a 1130 personalidades y se acreditaron 535 periodistas.

Las películas se agruparon en distintas secciones muy abarcativas que luego están subdivididas por países o directores, a saber:

Competencia: con tres divisiones: largometrajes internacionales, largometrajes argentinos y cortometrajes argentinos.

Panorama: dividida en FUNCIONES ESPECIALES, dentro de la cual se presentaron interesantes y polémicas películas argentinas:

“Cama Adentro”, de Jorge Gaggero, premiada en Sundance 2005 y presentada como película de apertura

“Géminis” de la promisoria realizadora Albertina Carri, ya reconocida por su anterior film, “Los rubios”, que esta vez se avoca al tema de las relaciones incestuosas entre dos hermanos de una familia de clase alta, y que fue presentada como película de clausura

“Hermanos” de Julia Solomonoff con un planteamiento diferente acerca de los años de la dictadura, y

“La vida por Perón” de Sergio Bellotti, acerca del fallecimiento del general Perón y una macabra maniobra de jóvenes de una organización político-militar de la izquierda peronista.

TRAYECTORIAS, entre las que pude ver:

“Fallen” del checoslovaco Harun Farocki y su extraño viaje siguiendo al protagonista que decide redimirse y cambiar su vida, trastornado por la culpa que siente por no haber intentado evitar un suicidio.

“Machuca”: de la cual no es necesario mayor detalle por el masivo conocimiento que de ella tienen nuestros lectores, pero si me permito dos comentarios: 1) mi opinión personal es que el film es un relato alternativo y certero de los días vividos antes y después de la caída de Salvador Allende y que la decisión de que los protagonistas principales recaigan en niños que están entrando en la adolescencia es muy eficaz, ya que renueva el enfoque, sin por ello perder la seriedad y la dramaticidad de la situación, y 2) una buena noticia: esta película será estrenada en breve en Argentina.

“Samaritan girl”, del coreano Kim Ki-duk (conocido por “Primavera, verano, otoño, invierno y nuevamente primavera” y también por otra película que se estrenará en breve en Buenos Aires, “Hierro 3” y que fuera proyectada también en esta sección del festival) acerca de dos adolescentes, compañeras de escuela, que deciden prostituirse para recolectar fondos e irse a Europa. Aquí el realizador abandona la línea de pureza y belleza estética de “Primavera...” y vuelve a trabajar, como en algunos de sus films anteriores, el tema del sexo y la violencia, sin por ello perder la vocación moralista.

“A dirty shame”, del director norteamericano independiente John Waters, del cual hace algunos años atrás, y también en el ámbito del BAFICI, viera “Cecil B. DeMented”, que se caracteriza por su línea de locura extrema y risas al por mayor. En esta ocasión pone en el centro de la escena a una mujer madura, que por haber recibido un golpe en su cabeza, se transforma de reprimida en ninfómana.

“Silver city” y lo difícil que para mi es ser imparcial, ya que es uno de mis directores preferidos: John Sayles, norteamericano (que cuenta entre sus filmes a “La tierra del sol”, “Limbo” “Estrella solitaria”, “El secreto de Roan Inish”, entre otros). En esta ocasión, este polémico director que siempre tira sus dardos contra el sistema imperante en su país se dedica a abordar el tema de las campañas electorales y todas las mentiras y corrupción que rodean estos procesos. Un tema sensible en estos momentos en mi país. Chris Cooper y su usual costumbre de dotar a sus personajes de un brillo especial con una actuación para remarcar encarnando el protagonista de la historia, muy bien acompañado por Richard Dreyfuss, Tim Roth, Billy Zane y Kris Kristofferson.

“Vento di terra”, nuevamente con el director napolitano Vicenzo Marra, del cual ya en ediciones anteriores del Bafici, viera “Tornando a casa”. En este caso la historia trata de la vida de un joven protagonista, que intenta hacer de todo para salir de la pobreza, pero siempre queda atrapado de alguna forma. Aunque se vislumbren momentos de felicidad, el destino final siempre es aciago. El relato de este realizador vuelve a tener un tono ascético, con reminiscencias del francés Bresson, pero aquí se agrega un tono de realidad política, cuestionando la participación italiana en los conflictos internacionales.

“Moolaadé”: MUY RECOMENDADA. Aunque de difícil estreno comercial, hay que rastrear este film en muestras que se hagan para no perdérselo. Su director es el senegalés Ousmane Sembene y utiliza todo el colorido del lugar (una aldea africana en Burkina Faso) y de las tradiciones reinantes para abordar de una forma diferente un rito considerado por Occidente como una aberración: la ablación, basada en la mutilación genital femenina.

“Sueño de una noche de verano”, de origen serbio, dirigida por Goran Paskaljevic, del cual conocemos filmes como “Como barril de pólvora” o “La otra América”. Aquí este realizador combina de manera entrañable la magia shakesperiana con la cruda realidad del conflicto yugoeslavo.

CINE DEL FUTURO, de las que ví:

“El hombre del bosque”, una muy eficaz película norteamericana, opera prima dirigida por Nicole Kassell, que aborda el tema del abuso de menores y lo planta al espectador en la controvertida posición de darle o no una posibilidad de reivindicación a aquél que comete este tipo de crímenes. Impecable actuación de Kevin Bacon.

“How the Garcia girls spent their summer”, opera prima dirigida por la norteamericana Georgina García Riedel, que, en estilo, se contrapone diametralmente con la película antes mencionada, “El hombre del bosque”, Aquí se evidencia el toque femenino, especialmente por la temática abordada: tres generaciones de mujeres y cómo enfrentar el problema de la falta de amor. A esto también se lo condimenta con la problemática latina en Estados Unidos. Muy correctas actuaciones de las tres protagonistas femeninas: Elizabeth Peña, America Ferrera y Lucy Gallardo.

“Day and night”, una coproducción escandinava, dirigida por Simon Staho, con un despojado relato del día y la noche anterior al suicidio de un hombre, haciendo honor al estilo que caracteriza a las películas que vienen de esas latitudes. La ambigüedad con que se trata la vida y la muerte es escalofriante y el hilo conductor de la película son las conversaciones que este candidato al suicidio sostendrá con las personas más cercanas a él.

TERRITORIOS EN TENSIÓN: sección que abre una ventana a los conflictos y tensiones de la actualidad global, abordando los problemas de lugares como Argentina, Brasil, Corea del Sur, Estados Unidos, Israel & Palestina, India, Indonesia, entre otros, y temáticas como las dos guerras mundiales, los conflictos de política internacional actual, la situación de las cárceles, los pueblos originarios, la inmigración, las dictaduras militares y el sida. Está compuesta en su mayoría por documentales rodados en regiones donde el conflicto está a flor de piel.

ALGO JUDÍO: De esta sección vi TO TAKE A WIFE, ambientada en Haifa (Israel) en 1979 con una dupla en su dirección conformada por Shlomi y Ronit Elkabetz. Aborda una temática de género muy definida. La película trabaja sobre la figura central de la protagonista, una mujer, que ha decidido dejar a su marido, pero que no puede hacerlo por los lazos familiares que parecen estrangularla. El aire fresco que entra a su vida a través de un amante del pasado sólo podrá salvarla si se decide a enfrentar las convenciones sociales.

PERSONAS Y PERSONAJES: De esta sección dedicada a rescatar o resaltar la figura de ciertas figuras públicas, ciertas figuras olvidadas del pasado o de seres anónimos que se ganan el título de personajes por mérito propio, vi:

“Toro negro”: película mexicana, cuyos realizadores, Pedro González Rubio y Carlos Armella, pintan en un descarnado relato la miserable vida de un torero local, de nombre Fernando Pacheco, alias “El suicida”. Para llevar a cabo esta tarea utilizan un estilo gélido, asumidamente realista (ya que así lo hizo notar uno de los directores en la presentación del film), que en algún punto tiene reminiscencias del “neorrealismo italiano”, pero aderazado con cruentas escenas de violencia sexual, que hacen sentir al espectador ostensiblemente incómodo.

MÚSICA: aquí se armó una programación alrededor de un núcleo de fuerte estirpe rockera, acompañado de géneros menos habituales para esta sección, pero igualmente bienvenidos para cubrir un amplio espectro de gustos: rhythm & blues, tango, salsa y cumbia.

NOCTURNA, con títulos que se exhiben a última hora y entre los que pude ver “Breaking news”, un policial del director de Hong Kong, Johnny To, con un ritmo vertiginoso y una historia atrapante.

Por último, dentro de “Panorama”:

CINE DE ARTISTAS: donde se intenta explicar el significado del cine narrativo para las artes visuales y, al mismo tiempo, la oportunidad enorme que significan los artistas para el cine del futuro.

Siguiendo con las secciones, le llega el turno a:

En foco: dedicada a personalidades especiales como Chantal Akerman, el mexicano Carlos Echeverría, Robert Frank, David W. Griffith, Monte Hellman, Ryuichi Hiroki, Andreas Kleinert, André Labarthe, Caroline Leaf, Christian Leighton, Albert y David Maysles, Bill Plympton, Frank Scheffer; o a territorios como “Al sur del cine” (aquí MUY RECOMENDABLES “Ali Zaoua, Prince of the streets”, película coproducida entre Europa y Africa, conmovedor relato de las andanzas de un grupo de niños, desposeídos, que vagan por las calles de Marruecos; y “Les silences du palais”, coproducción franco-tunecina, acerca de las relaciones entre hombres y mujeres en la sociedad musulmana), Alemania, Armenia (que se podría representar en “Symphone of silence”, una inquietante tragicomedia grotesca que habla sobre el sueño de un hombre, pero cuya referencia y destino puede trasladarse al de toda una nación), Asia Central y “Cine Canadá”.

Rescates: Todos los años el festival revisa el pasado cinematográfico mundial y le dedica un espacio de privilegio a la difusión de obras redescubiertas o restauradas. De esta sección pude disfrutar el documental sobre la vida de Lon Chaney, pieza clave del cine mudo. “Lon Chaney: A thousand faces” fue realizado por el británico Kevin Brownlow y retrata magistralmente la vida de este genio, especializado en la caracterización de sus personajes, utilizando la técnica del desmontaje de la imagen mítica, y proporcionando la información necesaria para revelar una personalidad singular.

Work in progress: Aquí la idea es mostrar largometrajes en proceso de producción, que resulta muy interesante ya que permite abrir interrogantes y plantear un espacio de reflexión acerca de qué tipo de cine se está produciendo en nuestra región.

Esta séptima edición presentó también varias novedades, entre las cuales se destacó la incorporación del cine animado.

Hubo varios premios establecidos, entre los cuales como es habitual el más importante correspondió a “Competencia internacional”, en la cual se presentaron los siguientes 14 filmes:

“The irrational remains” de Alemania

“The forest from the trees” de Alemania

“Cándido López: los campos de batalla” (documental dirigido por el argentino José Luis García sobre el pintor local cuya temática está referida a la Guerra del Paraguay)

“Temporada de patos” de México

“L´esquive” de Francia

“Thrist” de Palestina

“Monobloc” del director argentino Luis Ortega, acerca de tres mujeres que comparten un monoambiente que parece estar suspendido fuera del mundo y del tiempo

“Demi-Tarif” de Francia (en una película cuasi-documental en la cual la joven actriz Isild Le Besco debuta en la dirección siguiendo con su cámara nerviosa e inquieta las desventuras cotidianas de un grupo de chicos que pasan su día en la calle)

“4” de Rusia y un film con un planteamiento extraño que sigue el derrotero de tres protagonistas elegidos (dos hombres y una mujer que se juntan en un bar) y que además nos da la posibilidad de percibir el estado actual de su país

“Samoa”, una película experimental del realizador argentino Ernesto Baca, filmada en Super 8

“Aftermath”, de Dinamarca, dirigida por Paprika Steen (conocida por su actuación en “Corazones abiertos” y “La celebración”) en su ópera prima y el gélido pero certero tratamiento que le brinda al drama de dos padres que afrontan la pérdida de su hija adolescente

“Domicilio privado”, de Italia, dirigida por Saverio Costanzo y un producto de factura perfecta. Aquí se plantea el problema de la convivencia de los pueblos, en este caso en particular cuando un grupo de soldados israelíes se instala en el piso de arriba de una casa que habita una familia palestina. MI ESPECIAL RECOMENDACIÓN

“The time we killed” de Estados Unidos

“Spying cam” de Corea

“El cielo gira” de España (un documental dirigido por Mercedes Alvarez, centrado en una pequeña y abandonada aldea de Galicia, en la que nació la directora y en donde hoy viven solamente 14 personas)

“Mongolian Ping Pong” de China

En la competencia oficial internacional largometrajes, la ganadora a mejor película fue “El cielo gira”, el mejor director Ilya Khrzhanovsky por “4”, mejor actor Mohammad Bakri por “Domicilio privado”, mejor actriz Eva Loebau por “The forest from the trees”, el premio especial del jurado fue para “L´Esquive” y la mención del jurado para la argentina “Monobloc” y para “Spying cam”. En largometrajes argentinos la distinción máxima fue para “Como un avión estrellado” de Ezequiel Acuña, con una distinción especial para el nuevo film de Jorge Gaggero, “Vida en Falcon”.

Las otras distinciones fueron: “Jurado Derechos Humanos” (donde el premio se lo llevó “Moolaadé”), “Jurado ADF” (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica), “Jurado cortometrajes”, “Jurado FIPRESCI” y “Jurado SIGNIS” (de la Asociación Católica Mundial para la Comunicación). También hubo un premio del público que consagró a “Cándido López” como mejor film nacional y a “El cielo gira” como mejor film extranjero. “El cielo gira” además obtuvo el Premio FIPRESCI y el SIGNIS.

Espero no haberlos abrumado con tanta información y nombres de películas. Finalmente me dí cuenta que vi muchísimas cosas muy interesantes y que espero que el BAFICI tenga una larga vida y continue con la tradición de ser una muy buena opción de cine “diferente”, dándole a ese “diferente” una connotación muy positiva.

Me despido hasta el próximo encuentro.

MI MEJOR ENEMIGO O TARTAROS EN LA PATAGONIA

2005-10-13T13:45:00.002-07:00

El imaginario bélico ejerce una extraña fascinación en el mundo civil, algo similar a lo que ocurre con la pornografía dura en algunos estratos del mundo académico: como si aquellas imágenes operarán a un profundo nivel de renuncias civilizatorias y adiestramiento conductual, proyectando sobre nosotros una sombra de aquello perdido en el campo de batalla social en donde pasamos de lobos a perros y de depredadores a criaturas psicológicamente complejas.

En el imaginario cinematográfico las imágenes de la guerra, la caoticidad abyecta de las matanzas y sus diversas e inagotables variaciones, como el enorme potencial estético de la muerte del otro han ocupado un lugar preponderante en nuestra construcción perceptual de la aventura bélica. Con diversas cargas de efectividad visual , acentuando los tintes en la épica tanto en su carácter de proyecto de construcción del héroe modélico e hierático – sustentado por la psicología neoclásica de un Charlton Heston y actualmente sustentada por un iluminado Mel Gibson– o como en el diseño de una figura de ribetes ladinos en la encarnación del héroe aventurero – en la línea de Erroll Flyn o el Harrison Ford de la trilogía de Indiana Jones - o en el proceso reflexivo-moral del absurdo bélico desde el propio ejercicio físico del combate – con los personajes de Lee Marvin o Matthew Modine- . Cada filme construye su propia imagen de su héroe y la verosimilitud del combate.

Con Mi Mejor Enemigo, Alex Bowen se vincula a otro espectro del combate y sin embargo no deja de lado los códigos básicos del género como : la dosis de “efecto realidad” adecuada para no provocar la desconfianza del espectador informado en los asuntos bélicos por innumerables filmes de temas afines, la presencia de un grupo humano que permita la identificación concreta con los personajes centrales y con sus problemáticas más allá que podamos compartir sus discursos ideológicos, y la presencia de una serie de operaciones de combates con disparos, explosiones y cuerpos maltratados que le otorgan las necesarias conexiones con el género.

Una esquina de Santiago en 1978 es la astuta manera de Bowen para esquivar el pesado lastre de la recreación histórica con sus excesos económicos y su obseso apego a la verosimilitud histórica. En instantes la ciudad queda atrás y nos topamos con el inmenso y casi fordiano paisaje patagónico, cientos de miles de kilómetros chatos y casi sin vegetación, una tierra azotada por el viento con reminiscencias al desierto absurdo y alienante diseñado por Zurlini y Buzatti en el filme de 1976 “El desierto de los tartaros”, en donde un regimiento espera con angustiosa impaciencia el ataque de los míticos tártaros en un enfrentamiento aplazado durante décadas.

El pequeño destacamento diseñado por Bowen se desplaza con lentitud por esta tierra de nadie y que a nadie parece interesarle realmente, el asunto es la ocupación, la motivación militar más básica y el sentido de la propiedad más obvio que emplaza una nación desesperada e insegura, abarcar la tierra como si fuese posible domesticarla y cercarla. La irracionalidad a niveles de ramplona lógica de dominio. Un grupo de hombres que parecen salidos de una vieja película de John Ford como “La patrulla perdida” (1934) o “Los tres padrinos” (1948) llevados a una guerra irrealizada en un contexto físico que los rebasa con creces: un chilote que camina con dificultad, un prepotente conscripto repleto de clichés patrióticos, un oficial que intenta construir el estereotipo del rudo soldado, un joven protagonista que anhela a una mujer que apenas conoce y que parece no comprender la situación en que se encuentra, e incluso una pequeña perra que deviene en mascota del grupo como aquellos animales que seguían a los regimientos de caballería en los filmes de Ford.

Un grupo de jóvenes militares insertos en un conflicto que nunca estallará del todo y que sin embargo están al interior de una guerra encubierta en donde ambas naciones acometen con brutalidad en contra de los civiles. La guerra sucia parece no existir, y al no instalar el proceso de entrenamiento o las relaciones con los oficiales Bowen evita cualquier inserción en el contexto político del filme, en ese sentido es como si se construyera la película sin tener como antecedentes a obras como “Full metal jacket” (1987) aunque si posee cierta cercanía con ciertos elementos de “Band of brother” (2001) en cuanto a algunos elementos de la cotidianeidad bélica pero

HOTEL; LO INHOSPITO DE LO INCIERTO

2005-10-11T16:23:00.000-07:00

En el festival HOTEL ha sido una de las películas más concientes de sus estrategias, donde si bien utiliza recursos propios del género de horror se construye en la medida que suspende la explotación de estos mismos recursos, siendo sin duda un film dirigido a la instancia de festival. Una mujer inicia sus labores en un hotel, donde el tedioso cotidiano se acompaña de una pavorosa frialdad en la interacción social, donde abordando el suspenso desde lo mínimo se van creando capas de extrañeza que presentan lúcidamente cierto pánico contemporáneo: la irresolución de conflictos. El mal no concreto y la ausencia de su búsqueda nos someten a encontrar el sutil pero punzante pánico en lo inhóspito de lo incierto. Es interesante cómo la carencia explicativa concentra las fuerzas de atracción para desbordarse en la frustración del entendimiento y situarnos finalmente en lo cotidiano, es decir cómo la incerteza aparece como norma y nos deja sentados esperando que por lo menos fuera del cine algo tenga un sentido último, asunto también imposible. La frialdad carente de sentimiento y el plano fijo que deja pasar el tiempo sin remedio provocan el tedioso estado que vive una protagonista sin chance, sumida en el intracendente cotidiano enfrentado a las preguntas. Personajes sin psicologia en una especie de enmudecimiento casi enfermizo hacen caer por momentos en la exageración gratuita, pero la tensión llevada desde un personaje ordianrio y conformista generan una dinámica dramática que si bien parece letargada constituye la esencia de lo mínimo enfrentado a lo macro.

EL HUESPED

2005-10-05T12:12:00.000-07:00

Usando estrategias del género de terror, El Huesped es un ejercicio de imitación, nunca de reciclaje. Las ya codificadas operaciones atmosféricas, son obedientemente traspasadas al misterioso hospital santiaguino. Su compostura técnica nunca supera la comicidad de verlas representadas por actores a la deriva. Si bien, al comienzo de la película se pueden desmenuzar algunos momentos mejor representados que otros (como la invisibilidad del mounstro, la utilización de los fuera de campo...), estos nunca pasarán más allá del puro ejercicio estilístico, como un método que de tanto manosear, se comienza a volver estéril.

4

2005-10-04T18:34:00.000-07:00

Todo parte con una calle vacía y unos perros, de pronto caen fierros desde arriba del cuadro y los perros se espantan. Tan extraña como eso es la película, que no termina de articularse ni de cerrarse, de hecho cada vez se hace más abierta y provoca una sensación extraña en el espectador, que no sabe cuando parará de abrirse. Tres personajes desconocidos toman en un bar una noche y conversan, una secuencia de unos 20 minutos, luego cada uno sale y hace su vida. La película sigue a tres caminos diferentes, que no vuelven nunca a juntarse y más aún va generando nuevos hilos narrativos ya que sigue lo interesante del nuevo espacio más que al mismo personaje. En veces se muestra el ambiente y en otras simplemente sigue a otro personaje. Es caótica, fuera de foco, con sonidos todo el tiempo justificados por el ambiente pero que se hacen molestos, la ciudad, las máquinas y la especia de basural- ruina- bosque a la que asiste la prostituta. Es ahí donde la película se torna más interesante y de hecho es este camino el que finalmente sigue, dejando casi fuera las otras historias y continuando indagando dentro de esta nueva locación.

De ahí en adelante es una película de perros, carne, grasa, prostitutas, muñecos, viejas alcohólicas de 70 años, en una casa de campo en esta locación extrañísima, con situaciones violentas, se torna delirante y no se hace cómica, ni mucho menos grotesca, sino que se hace placentera para la vista por su caos y por el delirio de la gente. Tiende a ser como una pintura expresionista, más que nada por los ambientes y algo de los rostros y los muñecos. Todo se vuelve extraño y (des)agradable. La cámara no encuentra el foco y se mueve todo el tiempo, los personajes gritan, se molestan, se golpean, se ríen, comen y siguen tomando. Y de pronto vienen los quiebres, muy de la escuela rusa, caminatas largas, silencioso, y de colores azulados al exterior. Nunca se logra acomodar ni el espectador ni tampoco el camarógrafo. Tiene diferentes momentos, el del bar es una conversación de bar muy lograda, con los silencios obvios, con los quiebres, la inclusión en el tema de uno, luego del otro y la mujer al medio, las distintas historias están filmadas de distinta manera que la de ella, que se hace la fundamental al final, no por ella, sino por el entorno. Uno se queda con el bar y lo de las viejas, y es suficiente, pero como estructura se hace más interesante al incluir más polos de atención y más aún si después les pierde la atención. Es al revés de lo que haría una película clásica, ya que de un punto en común se dispersa hacia cualquier parte, y no es al revés, que incluso los filmes de relatos paralelos tienden a entrecruzarse al final, aquí no.

"En la cama"

2005-10-04T17:30:00.000-07:00

Una vez leí un artículo de Christopher Doyle, donde decía que la película "Happy togheter" hablabla sobre un viaje de Honkoneses, q era el viaje del equipo de Won Kar Way a Argentina a rodarla, más que de lo que contaba la historia. De hecho la locación principal es un interior que se utiliza en mas del 80% de la película, y que fue conseguida en Argentina, pudiéndose filmar en Hong Kong. Esto haciendo referencia a que la película salía, más del proceso de rodaje que de una intención previa o el resultado final. En "En la cama" el método de trabajo es similar y es ese método el que logra la película con su fluidez. Y así no está en su historia u obra final lo más interesante de ella, sino en lo que logró el método de trabajo para el resultado final. Habla más de un rodaje en 11 días encerrados en una locación con dos actores encontrando una película, que de una pareja en un motel. Y para esto se debe tener libertad de material a usar (además está filmada a ados cámaras), método casavettiano y de Won Kar Way, y está película logra un efecto similar al de los mencionados, solo por su método, no así por sus temáticas. Los directores mencionados podían hacelo en cine, pero para lograr un película así, en Chile, se requiere digital. Y es esta la apuesta de Bize, optar por los mínimos elementos

(una cama, un baño, una pareja de desconocidos) y transformarlos en la estructura de la película. Es una película inteligente, su gran mérito está en su diseño, en la manera en que está construída, sobre todo cuando en el resultado final, uno se da cuenta de que es un método de trabajo que funciona y que, para este tipo de películas, el rodaje importa más que su soporte, y el digital permite ese tipo de rodaje. En cine probablemente el story board y guión técnico como libro sagrado hubieran matado la película.

Es el dilatamiento de una situación que se va quebrando cada cierto rato. La intimidad de la pareja de desconocidos, y la cámara se presenta intima, nunca conocemos la pieza entera, de planos cerrados y con utilización de tele, que provoca un acercamiento a los personajes y despuegue del fondo de los mismos, y que además genera un fuera de foco y búsqueda del nuevo foco, que no se presenta como error. Surge de la pantalla más que de un papel. Se nota el acercamiento de los personajes entre ellos y con la locación, lo que es producto de una pre producción de ensayos en locación, filmados, y re creación de los textos con los actores, eso hace la película cómoda. La cámara se mueve cómoda, los actores se ven cómodos y así la película se hace muy empática, con distintos momentos en cuanto a tensiones, pero fácil de digerir, es cercana. Quizás ahí puede caerse, en esa tendencia de buscar el lugar común, pero de todas formas eso no alcanza a molestar. Recuerda a la escena de Godard de la pieza, en "Sin aliento", que se alarga durante un largo rato, pero nunca decae y logra mantener en escena a dos actores interactuando con una locación mínima. De hecho en "En la cama" se meciona al fránces.

MEXICAN BARROCO BARRIOBAJERO

2005-10-04T08:07:00.000-07:00

El cine de Arturo Ripstein siempre ha estado sometido a un constante trabajo de revisión interna. autor inconformista y criado a la sombra hibrida del cine mexicano, entre una cultura mestiza de filmes de explotación, luchadores enmascadores y su maestro ya legendario: luis buñuel. no es un asunto de trivialidad biografica que un joven ripsten presenciará a los 15 años el rodaje de nazarin y que el año 1962 trabajara como ayudante de dirección no acreditado en "El angel exterminador".

Parte de su filmografía ha sido revisada durante el festival y obras ásperas de juventud como "el castillo de la pureza" se pueden apreciar junto a algunos de sus filmes más recientes como "el evangelio de las maravillas", trabajo post "profundo carmesi" que transita por senderos similares, en cuanto proyecto por reciclar la sensibilidad melodramática popular, la carga barroca escenografica que lo vincula a la fuente mestiza del México profundo con sus referencias escatológicas, la iconologia de papel mache, las actuaciones cargadas de un tono histriónico y digno de los mejores culebrones latinoamericanos.

Melodrama sin complejos de culpa encarnado en sus amores fatales y al borde de lo patológico - la sicologia tiene poco presencia en una obra en donde las pasiones son tan arrasadoras como la cantidad de alcohol que se ingiere, es posible que uno de los pocos directores capaces de llevar nuevamente al cine la obra del bastardo lowry "bajo el volcán" de manera de activar todos sus componentes del barroco mexicano y su carga de hermeneutica esotérica remojada en mezcal y paranoia anti fascista sea ripstein - el aire recargado de sus filmes que combina una fonambulesca mezcla de retazos de fellini,con un tono kisch de postal religiosa y enfrentamiento enmascarado entre el santo y blue damon.

Con "Profundo Carmesi" (1996) regresa a ser reconocido en nuestras pantallas después de varias décadas de ausencia, este remake inconfeso de aquellla perversa obra única de Leonard Kastle " The honeymoon killer" (1970) marca nuestra reencuentro con Ripstein en su forma más perversa y excesiva, en este intinerario de una pareja de asesinos tan descarnados y morbosos como amorosamente atados a un nivel de enloquecida pasión solo comprensible en México o Rusia, road movies de brutalidad y amor al límite. lo que en la versión de Kastle (inicialmente el filme iba a ser dirigido por un joven Martin Scorsese) se presentaba como un filme preciso, económico y minimalista, en el de Ripstein se muestra como derroche, exceso y gratuidad.

En "el evangelio de las maravillas" Ripstein vuelve a narrar sus queridas parábolas de bajo fondo y trasfondo religioso, es posible que el sea uno de los pocos en poder enfrentar esté género tan menoscabado por el tono pedagógico y doctrinal, sin caer en el peligro de lo ridículo en la medida que asume con claridad que la religión y la pasión amorosa se presentan como ejercicio ascetico o hiperbólica encarnación barroca, el naturalismo no tiene mucho que decir con su sentido común, sus textos comunicativos y sus restricciones de verosimilitud.

En el caso de este filme, lo religioso es pura feria de saltimbanquis, estrafalia secta milenarista que se concentra en torno al fin de los tiempos y al imaginario de viejos filmes religiosos : Víctor Mature en "el manto sagrado" o Charlton Heston en "los diez mandamientos" encarnan a los nuevos profetas de la segunda venida del Mesías. Mística negativa y por lo santo indagadora del pecado como ejercicio redencionista - mientras más se profundiza en la carne más se despojan de ella- entre el alcohol, la promiscuidad, el acostumbramiento a la fetides de excrementos y carne descompuesta - estrategias escatologicas de un sistema de acostumbramiento a la podredumbre del infierno próximo - y los ritos de auto flagelantes, la comunidad de iluminitas se prepara para el nuevo milenio.

JUEGOS DE VERANO: UNA GRAN PREGUNTA

2005-10-03T17:34:00.000-07:00

"Juego de Verano" es una película extraña, partiendo por el hecho que no es facilmente concebida como una sola pieza. La supuesta co-dirección entre 4 autores se diluye en una pegatina de retazos con distintos niveles de actuación, diferentes lógicas de mundo, disímiles grados de violentación de la moral (que van desde un tímido "hacer pipí" en la plaza, pasando por un tibio robo de un caballo y terminando por un fallido asalto a un transeúnte), etcétera. Y al mismo tiempo es extraña la reacción de muchos medios, tratando de evadir el juicio y esconderse en la idea de "sacar lo bueno de esta película como proceso académico, como tesis, como boceto de unos estudiantes que empiezan". Lo cierto es que "Juego de Verano" se exhibe como película en circuito comercial y no debe eludirse hablar de ella como tal.
Claramente "Juego de Verano" no es la ultima palabra acerca de esta generación, 2 casos ilustran de manera clara el panorama: Paula del Fierro, directora de fotografía aquí, es guionista también de mas de la mitad de los estrenos recientes del cine chileno; y el ejemplo obvio es Matías Bize, que con "Sábado" y "En la Cama" ha demostrado más en unos pocos años, que muchos en décadas.
Esta película puede ser sumamente débil, como es, y al mismo tiempo ser un buen ejercicio para hacer ingresar tempranamente a autores jóvenes en un circuito comercial. Pero si a estos autores se les empieza a tratar como "vacas sagradas" a su modo, el futuro no va a ser distinto del presente, en que los viejos conocidos son ridículamente protegidos, como si su antecedente recalentado tuviera algo sólido y digno de ser tan cuidado.

posted by Juan Pablo Fernández @ 12:29 AM (NO POR ELISA ELIASH)

LA SAGRADA FAMILIA Dios esta en los detalles

2005-10-03T17:15:00.000-07:00

La película de Sebastián Campos pareciera estar antecedida de una contundente filmografía , sin embargo esta es la primera experiencia en este formato del director en donde se destaca como una isla de destreza cinematográfica. Se trata de una narrativa cercana al modelo coral, en donde cada personaje bien podría ser protagonista , encarnados por actores que se apoderan del espacio, perfectamente afinados. Cada uno es un universo totalmente complejo por descubrir, nunca épicos, mas bien son sus debilidades, gestos sutiles de lo que esconden lo que los va dibujando y desdibujando, porque la contradicción es parte importante de su construcción. La multiplicidad de miradas es también responsabilidad de una propuesta formal precisa, en donde podemos esta viendo a un mismo personaje en un mismo momento pero de 2 o 3 perspectivas diferentes, lo cual termina de darles volumen tanto a lo que vemos, como a lo que interpretamos. La variedad de puntos de vista funciona también , porque cada cámara tiene su propia organicidad. Cada una va seleccionando detalles, momentos, espacios para la reflexión en donde rinde más la reacción que la acción. Finalmente una cinta con un lenguaje propio que no subestima al espectador.

"Iluminados por el fuego", el dominio de la idea previa.

2005-10-03T11:11:00.000-07:00

Los intentos de la película en un comienzo parecen no novedosos, pero se alejan algo de la línea clásica narrativa. Un empresario establecido recibe la llamada de una mujer debido a que un compañero en los campos de la guerra de las malvinas ha sufrido un ataque por drogas y ha quedado en estado de coma. Es entonces cuando este cuerpo inerte en una cama se convierte en símbolo de recuerdo y se vienen los flash backs. Como propuesta inicial parece interesante, hablar de la guerra y de lo que produce luego, más que hablar desde ella en sí. Asi comienzan los largos flash backs del personaje en campo de batalla y toda la apuesta inicial sobre el personaje en el presente se pierde y se hace fome, plana y sin avances, de tal modo que las secuencias de guerra se tornan fundamentales y es lo único que la hace interesante. Tiene grandes secuencias, de una crudeza relativa, de mucha cámara en mano que las hace intensas y así logra momentos de tensión dura y la película se comienza a sostener sobre las batallas y los campos. Recuerdo que en una de las primera escenas de los flash backs, muestran un gran plano secuencia general de los soldados saliendo de sus escondites y caminaban hacia adelante sin decir palabra alguna. Prometió también ser una película fría, de personajes angustiados internamente, pero de a poco va callendo en dos pozos que la arman demasiado, que no dejan vacíos de discurso y que hace que todo termine siendo un simple mensaje. Ya en un comienzo se había prometido hablar desde un después de la guerra y no se cumplió porque realmente con los personajes en su presente no pasa nada y no hacen que le pase nada al espectador mientras ven como este hombre muere, pero se le perdona porque el escenario de la guerra se arma bien, se hace verosímil, en ocasiones duro, con una fotografía atractiva, e incluso entretiene. Pero nuevamente la película defrauda tendiendo a lo sentimental de los soldados, a los constantes llantos en la guerra por las muertes de los compañeros, el excesivo uso de la música y el tono romántico que recuerda a "La delgada línea roja". Nuevamente uno podría pasar por alto esto, pero el tono de único discurso, y en el final para peor, con un tono poético del arte izquierdista de los 60. Con un tono de patriotismo demasiado humano, te dice "con toda esta película te quise decir que la isla es Argentina" con un tono soberbio y resentido que molesta. La película debió acabar hace 10 minutos y continúa cerrandose por todas partes y de las maneras más clásicas, facilistas y sentimentales. Falla donde en estos tiempos no hay que fallar, en sus intenciones, que son ingenuas y pasadas de moda. Tenía el despligue técnico para ser un film bélico de goce violento pero el hecho de saberse la película, de prever discursos y de dominarla tanto teóricamente el film, lo torna político y añejo. Creo que si la obra hubiese tenido vida propia y entrópica y hubiese podido desligarse de los discursos previos, pudo dar algo más.

LA PATOLOGIA SENTIMENTAL

2005-10-03T09:32:00.000-07:00

Hay ocasiones que un buen llanto activado por medios neurologicos más que perceptuales es un ejercicio reconfortante e indicador de ciertas problemáticas internas que ni el mejor analista freudiano podría sacar a flote sin utilizar una serie de sesiones recargadas con varios ceros de profundidad.

El llanto en el cine por lo general es inducido mediante una serie de operaciones tecnico-formales que los artesanos industriales manejan con soltura envidiable y que algunos autores han aprendido y rebasado mediante un sincero - aunque desconfiado - afecto por el melodrama, ese genero vetado durante generaciones por una intelectualidad que nunca entendió que sus proyectos de vida eran aún más cursis y melodramáticas que cualquier obra de Douglas Sirk o Wong Kar Wai.

El problema no estriba en la operación sentimental melodramática sino en la calidad de ese uso. La manera de un filme es un trabajo complejo que rebasa con creces la sobrevalorada importancia otorgada al guión clásico - textos de escritores para filmes de novelistas- los escritores en el cine no han tenido grandes resultados, el soporte de la novela descree de las posibilidade superficiales de la pantalla y termina con algunas malas experiencias de Paul Auster, Shepard o el mismísimo Samuel Becket. los mejores escritores del cine actual son Chris Marker, won kar wai , Sukorov y Tarantino, entre otros autores que logran insertar el texto como un elemento desencarnable del filme.

La sentímentalidad es una patología cuando es un discurso univoco y abrazado sin distancia con toda su carga de emocionalidad formal y melódica. si el filme de Alberto Fuguet "se arrienda" poseyera una cierta efectividad melodramatica sus personajes lograrian dejar de ser meros receptores pasivos de sus textos para devenir en sujetos con grados de indepencia de un autor demasiado preocupado en parecer director de cine independiente más que un amante de sus inestables y materiales creaturas. Sus diálogos fríos como novela traducida del discurso norteamericano sin el gesto físico y emocional que caracteriza a sus personajes. Carentes de voluntad pero sin esa incapacidad de vivir que poseen los personajes de carver, ni la empatia que surge de los protagonistas de los filmes de Jarmusch, amablemente perdidos en un vacio existencial que solo puede llenarse con un multiplidad de fragmentos pop.

en el extremo absoluto de la poco efectividad emocional de fuguet ( es dificil saber si es por opción dramática al estilo de un Bresson o un Tsai Min Liang o solo un defecto operacional) se encuentran dos filmes : el coreano "springtime" de Ryu Jang-Ha con una historia que en los primeros instantes se asemeja a la de fuguet con su protagonista instalado en una vida extraviada y absolutamente dominada poe un ego enorme de músico genial pero no justificada por su quehacer de músico de segunda sin obra que vale su desconmensurada visión de si mismo. pero que luego se extravia en los vericuetos del melodrama amable y de profundas raíces en la cultura coreana emparentándola con filmes como "al maestro con cariño", "la sociedad de los poetas muertos" entre otras pero con un plus que la levanta de la convención norteamericana: su profundo enraizamiento en lo popular y su tendencia la realismo, operaciones que parecen distantes del melodrama pero que les ha dado buenos resultados, sin caer en la tentación del melodrama de izquierdas tan fructífero durante los 70.

en la misma línea se ubica el filme "iluminados por el fuego" de Tristán Bauer que acomete con completa ingenuidad sentimental la guerra de las Malvinas y sus consecuencias posteriores. Distanciándose de la mejor lógica bélica que fue diseñada por autores como Samuel Fuller, Sam Peckinpah o Robert Aldrich, en donde la operación del género bélico operaba desde su aparente ausencia de mensaje y en el placer estético que las imágenes cruentas ofrecían al espectador. El filme de Bauer opta por una línea incomodad y excesivamente clásica, con su estructura sustentada en una serie de molestos flash back que enfrían la guerra y desplazan la operación bélica hacia el mensaje nacionalista disfrazado de pacifismo conciliador.

SE ARRIENDA de Alberto Fuguet

2005-10-02T21:33:00.000-07:00

Fuguet rompe la barrera de la pura teoría cinematográfica y estrena exitosamente. Lejos de la perfección, es la vulnerabilidad de la historia y sus personajes la que crea una especie de confianza con lo contado Se percibe la propiedad del autor con el tema; se trata de la crisis de los 30, nada que no nos hayan contado antes, Tango Feroz ya no es novedad. No se trata de una película original ni mucho menos, pero si, de una bastante sincera, que no presume más de lo que es. Es un perdedor, y no quiere necesariamente dejar de serlo- gran diferencia con el “looser” de Promedio Rojo. La pequeña película experimental en la que el personaje de Cruz Coke trabajó en su juventud, es tal vez una revancha de la película que Fuguet hubiera soñado hacer, y sin embargo sabe que no era la suya.

Por otro lado, parece tener tan claro lo que quiere decir que por momentos se sobre escribe. No sólo la publicidad de la película nos lo tenía que decir a la cara “ bienvenidos al sistema”, sin que Cruz Coke lo tenía que repetir, en un discurso sentimentalista absoultamente excesivo. Esta premisa irá repitiéndose con frecuencia en diálogos, como si la gente de 30 sólo hablara del futuro, las isapres y el matrimonio... El contraste entre los 80’s y la actualidad de la película, profesa de la misma literalidad. Si antes eran bares nocturnos, ahora es McDonald, bancos y corredoras de propiedades; el sistema en sus representación más clásica. Son libertades guionísticas legítimas, claro, pero no hay que ser un espectador genio para percibir los procesos de los personajes, mucho antes de que estos los declaren a viva voz. Pareciera que Fuguet no confía del todo en sus virtudes cinematográficas, que sin duda ha demostrado tener: una puesta en escena sobria sustentada en sus personajes.

GOODBYE DRAGON INN: EL AMABLE PUDOR DE LA ATARAXIA.

2005-10-01T17:55:00.000-07:00

“LA SALA CINEMATOGRÁFICA SE FUE REVELANDO CON EL TIEMPO CADA VEZ MÁS COMO UNA COSA HUMANA, COMO UNA MEMBRANA” TSAI MIN LIANG.

Los filmes de Tsai Min Liang se instalan como una prueba de resistencia para los espectadores menos acostumbrados a los planos inmóviles de Ozu, al uso intensivo de los espacios off, la ausencia casi total de música incidental – a excepción de un grupo de temas dispersos en su filmes de…., el dialogo cansino y ausente que domina sus relatos, la apariencia un tanto miserabilista de su puesta en forma que lo convierte en un pariente cercano de Aki Kaurismaki y el Arthur Ripstein de los culebrones estetizados con aires de diseño proletario de los 50, al estilo de la Profundo Carmesí o La virgen de la Lujuria.

Es el estilo quien domina en sus filmes, una versión empobrecida y kitsch de Bresson, en el mejor de los sentidos, proletarizada en cuanto utilización máxima de los medios disponibles y del tiempo de producción : un edificio a punto de ser derribado en el caso de “El Agujero”, o una sala de cine abandonada y decadente en el caso de “Goodbay Dragon Inn”, y una conexión de gesto godardiano en cuanto canibalización de elementos populares usados no como simple trasfondo - atrezzo inútil de muchos filmes en donde la decoración no es más que un pretexto para el simple uso de un catalogo de venta – sino como un acercamiento cariñoso y emotivo a ciertos referentes de la cultura pop emulando a uno de sus refentes Francois Truffaut : la insistencia en las baladas pop de la Nancy sinatra de Honk Kong , la inestimable Grace Chang, protagonista en su época de filmes melodramáticos como Mambo Girl o La Rosa Salvaje.

El filme de Tsai Min Liang hace converger un juego de operaciones de restricción en la puesta en escena como el uso una locación única, en este caso una sala de cine en decadencia que se ha vuelto en aparente centro de relaciones homoeroticas, reducto espectral y sala de exhibición de viejos filme de artes marciales, con su insistencia en el uso de largos planos fijos que constituyen fronteras permeables con el soporte documental o con los filmes de experimentación de los 60 en la linea Warhol, Brakage o Anger, una combinación de planos fijos, montaje duro, busqueda de realismo documental y cierto manierismo brutalista a la hora de enfrentar la composición y la iluminación de los planos, acompañado esto de un trabajo actoral que parece despreciar los cliches del naturalismo y los gestos mecánicos del actor profesional para ir en búsqueda de cierta gracia fotogénica que parece emanar de sus personajes encarnados una y otra vez por Lee Kang-Sheng ( el cual se reservo para este filme el pequeño papel del proyeccionista de la sala) .

El silente devenir del filme de Min Liang transcurre entre los largos e interminables paseos de la mujer encargada de la boletería del cine, personaje triste y azotado por la soledad que cojea por los pasillos en penumbras, sube escalera con crispante lentitud, recorre baños públicos cargados de sexo o de espectros, pues los enigmas parecen repletar la aparente transparencia de su narración: mientras más quieta es su mirada, y los planos parecen vaciados de estímulos significantes, nuestro apetito interpretativo va en aumento y entonces una puerta que parece abrirse por si sola, un gato que atraviesa el encuadre fijo de una toma de varios minutos o un grupo de hombre orinando en un baño público se nos presentan como verdaderas epifanías cuando no son más que pura literalidad, aquella forma mayor del enigma. La mujer parece buscar a un hombre con el cual nunca logra encontrarse, los pocos espectadores del filme de Kin Hu “Dragon Inn” (1966) parecen solo estar ahí para pasar el tiempo, o para buscar innominados objetos del deseo, quizás simplemente están ahí para refugiarse de la torrencial lluvia que cae sobre las calles o para rescatar un pasado perdido del cine taiwanes. Tsai Min Liang oculta la respuesta, encierra el enigma en el silencio. El filme que contemplamos es el refugio del filme contemplado por los otros espectadores que están en su interior, como cajitas chinas que encajan una en otras, dos filmes coinciden en un tercero, dos Dragon Inn, uno enclavado en el pasado, el otro frente a nuestra mirada. Ambos traslapados en un filme tercero construido en una misteriosa operación neurológica que es capaz de insertar ambas obras en un filme privado e irreductible.

EN LA CAMA : EL PLACER SON LOS OTROS

2005-10-01T07:20:00.000-07:00

En la cama el último filme de Matias Bize ( anteriormente habia sorprendido a la crítica con su opera prima Sabado, obra de factura semi documental, e hito de bajo presupuesto como recurso productivo y creativo)vuelve a reincidir en el uso sistemático de un recurso de forzamiento autoimpuesto en la realización del filme.

Si en Sabado Bize situaba su narratividad en la lógica del plano secuencia, desplazandolo hasta los límites y llevando a devenir en manera necesaria de su proyecto - Sabado se encarna y se constituye en objeto factible en tanto se somete a una operación formal determinada - ahora en su segundo filme vuelve a conciliar las propuestas de trabajo via obstrucción a lo Lars Von Trier para operar desde la noción de locación única y resistencia permeable del relato a la mposibilidad de la salida o fuga que permite alivianar la tensión dramática del filme.

Situando a una pareja en el cuarto de un motel, En la cama se concentra en los diversos momentos que la pareja va atravesando a lo largo de varias horas de su autoasumido encierro. Combinando secuencias en donde el sexo se presenta como verdadero núcleo del filme y no simple elemento decorativo o apaciguador del relato - el sexo como relleno de los temidos y mal conceptuados "tiempos muertos" o como simple noción de orden industrial al estilo de los memos canonicos de Roger Corman para salvaguardar el regreso de capital en sus filmes de explotación B - con livianos dialogos que operan desde la anecdota o el pequeño cuento pregnante ( recurso eficiente que que tiende a parecer un poco mecanico en su utilización abusiva)el filme se va desplegando con sorprendente fluidez como si se tratase de una pequeña fabula amorosa narrada desde la oralidad de un narrador amante y conciente de las limitaciones de su formato.

En donde Sartre era un patologo de las interrelaciones humanas en su noción de "el infierno son los otros" en Puertas Cerradas, y Buñuel un descarnado viseccionador o entomologo de los debiles triunfos de la razón iluminista occidental en su encierro mexicano en "El angel exterminador" o un contemplador meditativo y enternecido por sus personajes enfermos de soledad como el Tsai Min Liang de "Goodbay Dragon Inn" ( filme en exhibión en el festival), Matias Bize se presenta como un incipiente Cassavetes de las pequeñas crisis amorosas, un crónista del gesto minimo, de la relación insignificante en cuanto a su dimensión carente de trascendencia trágica y por lo tanto certeramente humano.

BIENVENIDOS

2005-09-28T11:23:00.000-07:00

Revista de Cine VORAZ se encuentra en el XII Festival Internacional de Cine de Valdivia.
Se publicarán diariamente críticas y comentarios a las películas que se exhiban en dicho certamen.

Tarnation

2005-08-07T15:52:00.000-07:00

Presentado como un documental de vida, a partir del "personaje" de Johnathan Caouette, "Tarnation" muestra la trágica existencia del documentalista dentro de su difuncional familia, mediante el uso de una edición post-MTV, y viejas memorias capturadas en cinta. Caouette no se preocupa en introducir a sus "personajes", sino que más bien hace un rapido recorrido de las situaciones que lo han llevado a él a ser como es hoy en día. Tal vez esto sea lo que genere una dificultad de crear empatía con el "elenco", a excepción del propio Caouette, personaje absolutamente bizarro pero que nos produce la mayor sinceridad en cámara... al menos en lo que a los momentos de su infancia se refiere. El problema se genera cuando el documental nos muestra el ahora de la situación; es entonces cuando pareciera ser que hemos precensiado un espectáculo bien preparado, pero espectáculo a fin de cuentas, y el objetivo de realidad que la historia tiene, se ve perdido. La última parte de la cinta pareciera estar de más, y se ve bastante más floja que la primera mitad. Es difícil entonces entender que el hecho de pasar la mitad de una película, sólo leyendo un texto sobre fotos, cause más emoción que ver efectivamente lo que se nos ha contado. Es ahí cuando se confirma que es imposible documentar la realidad a travez de una cámara, ya que todos frente al lente se transforman en actores a fin de cuentas.

Play, Realismo Mágico Casa Ideas

2005-08-06T19:48:00.000-07:00

Hablando de cine chileno, a menudo se comenta la fata de contacto de las temáticas con cierta fantasía mas allá de la pobla. Con Play es que uno se da cuenta de que ello no es facil. Desde un Santiago edulcorado, simplemente “lindo” en tanto es colorido y vintage, Cristina persigue a un arquitecto sin motivos claros. Se trata de una Amelié (un arquetipo ya, de la niña linda, buena, pero rara) pero que escasea en contenido real. A cierto punto de la película uno descubre que mas que esconder, tal vez Cristina, no tenía mucho que decir. Los personajes son totalmente disparejos en sus interpretaciones, como salidos de diferentes películas. Y las conexiones entre ellos, totalmente anecdoticas.
Al final es como si la cinta intentara ser cómica, intentara tener una mirada crítica sobre la cuidad, intentara decir mucho sin parecerlo, pero mas que eso, deja con sabor a realismo mágico de Casa Ideas. Una estilización que toca intermitentemente a los diálogos, mas que como herramienta del lenguaje, como decoración. Los 3 minutos de Paulina Urrutia son lo mejor de la película.

“THE YEAR OF LIVING VICARIOULY”, la cultura Malaya en un rodaje.

2005-08-06T15:15:00.000-07:00

Un hombre entra a trabajar en una película sobre el líder político más polémico en la historia de Malasia, como técnico. En su experiencia entrevista a la gente que trabaja en el filme, desde los actores hasta los choferes de alguna unidad, sobre sus opiniones y conocimientos sobre aquel líder y su historia. De eso sale este documental, que tiene un sinfín de hilos diferentes de seguir y que, al igual que el de Marker, aunque incluso más humilde, no emite juicio alguno sobre esta figura. Se sale de la sala con la ambigüedad de qué fue realmente lo que pasó, de quién era realmente este personaje y con la noción de haber entrado a conocer Malasia, por simples opiniones, unas más cultas, otras menos, pero ninguna mejor que la otra.

Está narrado de una manera clásica y cronológica, por capítulos, cada locación es un nuevo espacio; sin embargo es una obra de una modernidad inmensa, y no por su construcción material, incluso me atrevo a decir que no es para verla en el cine, no tiene tanto que aportar en su visualidad ni en su montaje, pero sí por su estructura que parece usada, pero que internamente está en continua transformación. Así nos vamos encontrando con una obra que te habla de cómo es un rodaje en Malasia, en la que la gente habla naturalmente de los temas a tratar y en los que el editor no sacó de pantalla toda una visión, sino que ambas están ahí. Nos encontramos viendo a la Malasia actual, en una retrospectiva mental y material, con las entrevistas y la película, respectivamente. Ad portas de una nueva elección, con mitos de la zona siendo narrados por esta gente que trabaja en el filme, con su visión sobre el mundo. Y los temas se abren y se abren y no hay un punto de concentración. Quizás, y me atrevo a decirlo, no hay mejor manera de conocer la cultura de un país que un documental que toque su pasado, su presente, sus superticiones, sus vidas privadas, sus opiniones y un rodaje. De lo mejor del festival y de una liviandad precisa.

“CHATS PERCHES” de Chris Marker

2005-08-06T15:10:00.000-07:00

Este documental del, en el medio, ya afamado Chris Marker, vuelve a repetir una de sus operaciones más comunes de trabajo. Utilizar su vida como una llegada a la obra artístisca y ésta como una excusa para hablar de sí mismo. En este caso nos sumerge en las calles de París. La excusa, un gato sonriente, pintado en murales de París, que se vuelve a repetir con mucha frecuencia en inmensidades de partes muy diferentes entre sí. Pero en todas las dimensiones de la ciudad, ocurren otros sucesos importantes, o menos importantes, a los cuales el camarografo graba y luego incluye en el documental. Manifestaciones, partidos de fútbol, el metro, más manifestaciones, más gatos y aún más manifestaciones. De este modo se convierte en un documental político que nace a través de este animal. La obra de este modo, no tiende a ir a ningún otro lado que no sea el que Marker vaya viviendo, y a modo de trabajo estructurado en base a la conciencia, salta de un tema en otro y no tiene la intención de comunicar, pero sí de mostrar. Es irónico, político y actual, pero no es Mickel Moore. En este caso no se nos deja un mensaje claro de lo que opina el creador, un punto en el cual debamos coincidir con él, sino que se nos deja la puerta abierta y así el documental también queda abierto, ajeno a juicios morales propios. Es un trabajo de una astucia inmensa, llega a ser entretenido, gracioso y es un claro reflejo de la Francia callejera. En un momento incluso, la voz del narrador, que en este caso son textos, dice “veamos el museo callejero” y es esa su intención, conocer a la ciudad francesa desde su cotidianidad, a veces política, otras veces deportiva, otras veces artísticas, pero nunca nos va a decir cómo hay que conocerla ni cuales son los puntos de interés. Es la cámara llevada a ojo humano, somos nosotros los que vemos, incluso no deja pasar las ocaciones en que hay chicas hermosas y también las muestra, con una delicadeza de voyerista callejero. Tiene cambios de ritmos, pequeños chistes simples, no hay interés de que se descubra su manufactura. Es la compilación de imágenes que Marker filmó alrededor del 2000, en la época más anti-EEUU de su país, tratando de encontrar al gato, que a veces se perdía y de repente de la nada, volvía a aparecer.

"CODE 46", el amor en los tiempos de la genética

2005-08-06T13:10:00.000-07:00

William Geld tiene la misión de descubrir quien esta repartiendo, al interior de una empresa, unos papeles que son una especie de pasaportes para salir de la ciudad de Shanghai.

Esto pareciese ser la trama de una película de policías, pero si la historia la situamos en el futuro, donde la posibilidad de moverse de una lado a otro del planeta está supeditada a tu compatibilidad genética con el sitio deseado para viajar, donde el protagonista ocupa un virus de empatía para poder obtener datos mediante la intuición, entonces nos encontramos en el género de la ciencia ficción.

Michael Winterbottom se aproxima al género a través de una historia de amor, la incompatibilidad genética se interpone entre William Geld (Tim Robbins) y María Gonzaléz (Samantha Morton).

Un film que recuerda en muchos aspectos a las novelas de William Gibson, un mundo donde la alta tecnología es parte de lo cotidiano y donde el termino diversidad cultural no tiene cabida, el mundo se ha transformado en uno sólo, donde lenguaje y rasgos físicos se han mezclado de tal forma que es imposible determinar origen. Solamente a través de un análisis genético se descubre quién es quién.

Una película que destaca por una cuidada fotografía y una banda sonora de gran calidad, pero carece de originalidad en su forma de enfrentar y resolver su trama, que a ratos se vuelve confusa para el espectador que nos es aficionado al género.

THE IRRATIONAL REMAINS

2005-08-06T10:49:00.000-07:00

Su director, Thorsten Trimpop, presento este documental haciendo hincapie en la posible conexion con el pasado de Chile. Tres amigos, o ex amigos, son forzados a recordar un desagradable pasado comun, cuando dos de ellos intentan escapar de la RDA y recae sobre ellos todo aquel totalitarismo que en Chile se vivio como autoritarismo. Si bien es un documental "de primeros planos sobre gente hablando" su construccion en la sala de montaje lo alejan de la instancia televisiva, pues su estructura arma una extraña red de informacion que explicita la compleja reconstruccion de la memoria.
La memoria duele porque esta compuesta de muerte, es un vacio que debe ser llenado mirando nuestras llagas. Cada personaje parece traicionar algo cuando narra a la camara, el pasado colectivo no existe y la redencion tampoco, pues los vacios de la memoria son tambien carencias del presente. La crisis del pasado pertenece al presente y las huellan no se borran porque en estas confesiones no reina la inocencia, porque sabemos que el peor enemigo del hombre es el hombre.
El llanto no funciona como sentimentalismo porque los protagonistan nunca parecen tan cercanos, gracias al estilo de un montaje que va creando mas vacios que historias cerradas, dejando lo inconcluso como parte del presente. El temerario escenerio politico homologa la dictadura chilena, escenario que gatilla la crisis mas alla del ideal, no se trata de personas torturadas ni inocentes maltratados, sino como enfrentan la crisis tres amigos que pretenden sobrevivir y como cada individuo hiende profundo en el otro.

"PLAY"o como se aprendió a mirar sólo la superficie

2005-08-06T10:19:00.000-07:00

"Play" es la única película chilena en competencia en el SANFIC, y los argumentos eran que contaba con la calidad técnica necesaria para un evento de esta magnitud, y el segundo era que venia precedida de excelentes críticas, y tercero había obtenido el premio a la mejor opera prima en el Tribeca Film Festival 2005.

Las expectativas eran altas, se había comentado bastante en revistas, diarios y sitios de Internet acerca de la película y de su directora Alicia Scherson, pero la verdad es que el resultado es, por decirlo menos, decepcionante.

“Play” se transforma en una película de una mirada superficial que llama la atención, causa esa extraña sensación de mirada Europea o Norteamérica acerca de nosotros, y no es que uno exija un punto de vista documental ni mucho menos, pero la desconexión con lo cotidiano es absoluta. La película, a pesar de tener a momentos una banda sonora hiperrealista, intenta ser naturalista aunque se diga lo contrario.

La película de Alicia Scherson se transforma en el producto más sobredimensionado de nuestra cartelera nacional, lo que da para pensar que los jurados de festivales también se equivocan.

Clean

2005-08-06T10:09:00.000-07:00

Sexo, Drogas y Rock&Roll es el supuesto escenario de CLEAN, nombre adecuado para una pelicula que finalmente no tiene nada de esto, pues su protagonista debe alejarse de aquel descontrolado mundo para asumir sus responsabilidades maternales.
Es el ininterrumpido ajetreo de la camara quien realmente retrata los estados de la protagonista, narco-etilicos movimientos y desenfoques asumen el caracter del film hasta el punto de convertirse en su unico punto de interes, pero sabemos que una parte no salva el todo. Es como si el verdadero protagonista tuviese la camara al hombro y lo obligaran a filmar la vida de una trivial desconocida. Ni esta camara "drogada" ni el acelerado montaje (factores que hacen arrancar la pelicula con una brutal fuerza) logran elevar esta pelicula que busca profundidad en un charco de agua. Aqui una interesante Femme Fatal se transforma en la adolecente madre rockera y una frivola industria musical acaba siendo la redencion de quien limpia su vida.

CLEAN : LOS PELIGROS DE LA ELEGANCIA.

2005-08-06T08:56:00.000-07:00

La muerte por sobredosis de un cantante de rock en decadencia provoca el arresto de su mujer(Maggie Cheung) en tierra canadiense y la sepación de su hijo que queda en manos de sus abuelos paternos. Más adelante la mujer regresa a Paris y comienza su proceso de desintoxicación para recuperar a su hijo.

El inicio de Clean nos instalaba en una norteamerica hostil y sin embargo atractiva como los paisajes semiderruidos de Sam Shepard y el Canada enigmatico aunque hiperrealista de Atom Egoyan y David Cronenberg. Un paisaje urbano que resuena a Blade Runner con sus industrias humeantes y sus calles frias y desoladas. Espacios que estimulan las expectativas del relato desolado y fisico que hace que lo mejor del cine de norteamerica este tan ligado al cuerpo y al paisaje. Aparente filme del micromundo del rock entre aquellos fracasados y junkies que deviene en poco minutos en una alabanza a las posibilidades de la Europa unificada y a la infinitas variedades de la redención.

Paradojicamente es Europa - la Europa unificada inexiste pero imaginada con ingenua perversión publicitaria - quien impondra en el filme de Olivier Assayas (niño mimado de la crítica francesa) la centralidad y clacisismo en el relato, el sentido dominante y la sentimentalidad. Mientras Canada ofrece la sensación de espacios barbaros, paisaje arido y melancolico a lo Vincent Gallo en Brown Bunny, Europa se presenta como la zona civilizada hasta el agotamiento de las fuerzas vitales, con su mundillo rock de maneras glamorosas y sus clubes de diseño amanerado.

El filme de Assayas no posee grandes falencias, lo más problematico es que no no se perciben errores técnicos ni dramáticos que puedan criticarse, de hecho todo parece bien diseñado, las interpretaciones de Maggie Cheung y sobre todo de Nick Nolte son sobresalientes (Nolte como un Mitchum envejecido es cada día más cuerpo tensionado a punto de explotar), la banda sonora una vez más en un filme de Assayas es refinadamente delicada (selección excesivamente cuidadosa como si se tratara de la susurrante musica ambiental de un bistro parisino, la distancia con el elemento melomano con Tarantino es evidente , pues en el norteamericano la combinación de música chatarra con temas sofisticados y su canibalización de otras bandas sonoras le otorga una vitalidad expresiva de la cual carece Assayas). Esa claridad de intenciones en donde todo parece funcionar sin grandes complicaciones - transparencia clàsica que distancia y enfria - provoca que nos resistamos a ceder ante Clean como nos resistimos ante cualquier producto demasiado limpio..faltan asperezas, enigmas, tensiones ....falta aquello que mantiene viva a una cultura; inestabilidad y desplazamiento, a fin de cuentas carencia de sentido.

2046 Lo mas profundo es la superficie

2005-08-06T08:39:00.000-07:00

Nuevamente Won Kar Wai replantea la profundidad de la superficie melodramática con su último filme 2046. Si el drama busca desesperadamente la complicidad del sentido el melodrama en cambio se instala en la fragilidad melódica de la seducción material. Desde sus primeros filmes Won Kar Wai ha ido desplazado su obra a los límites imprecisos de la abstracción fílmica, camuflada en ocasiones como filme noir como en Fallens Angels o en filme de combate en Ash for time, en ambos casos el resultado no era el esperado por los seguidores de ambos géneros sino deliciosos productos híbridos que lograban establecer insospechadas conexiones entre Jean Pierre Melville y su silente samurai sicario con aquel astuto Luc Besson del Profesional en donde lee con soltura envidiable al asesino de Melville con la Gloria de Cassavetes y las operaciones de experimentación del soporte que tanto gustan a JL Godard con los mejores momentos, en donde la fascinación melómana cedía desvergonzadamente y por lo tanto placenteramente, de los olvidados melodramas de Leos Carax.

2046 es un nuevo ejercicio de reapropiación de algunos de los ejes fundamentales del imaginario melodramático del estilo hollywood de los 50 con formato technicolor y su tendencia manierista que desplazo las operaciones del periódo clasicista de los 30 y 40 otorgandole un mayor grado de inestabilidad a sus puestas en forma e insertandolo en un complejo proceso de irrealidad mediante la creciente tensión entre una imagen descentrada y la tensión con su nueva especialidad como por la creciente saturación del color que le otorgaba una dimensión predominantemente pictórica – de marcado énfasis en el diseño de sus encuadres – y densamente sonoras por la división del sonido en diversas capas con intención de provocar una mayor profundidad sonora.

2046 EJERCICIOS DE SEDUCCION

2005-08-06T08:24:00.000-07:00

Lo más profundo es la superficie y bajo ella no pervive más que la nostalgia del sentido y la melancolía por el contenido. Tras la construcción formal de la seducción solo yace el vacío del proyecto amoroso: solo vemos gestos, elocuentes manifestaciones de lo indecible, detalles de rostros apretados contra los cristales de un tren que viaja rumbo al olvido, cigarrillos a medio fumar filmados con el virtuosismo de una secuencia amorosa y ralentizados desplazamientos de amantes sobrecogidos por la melancolia que surcan por clubes atestados de mambos insomnes.

Dean Martin acompaña los movimientos de un dandie desconsolado, portador de una alegría tan triste que conmueve al más duro. 2046 es más que una fabula amorosa y menos que una reflexión sobre los vericuetos de la creación, es más, es solo una tenue capa de colores parpadeantes en donde Christopher Doyle conjuga el cliche de la fría belleza de la fotografia publicitaria – ese diseño deseante que nos evoca en nuestro propio vacío – con la intuición material de un Wong Kar Wai que asume no la desesperada fragilidad del amor sino su absoluta inexistencia fuera de los parámetros de la imaginación forjadora de formas. No hay amor en el siglo XXI sino al interior de las maneras acuñadas por la cinematografía melodramática del siglo pasado.

Los Muertos, Human Nature Argentina

2005-08-05T00:11:00.000-07:00

Los Muertos propone una percepción del hombre como parte de una naturaleza inclemente e irreflexiva. Vargas, el asesino que acaba de salir de la carcel a reencontrarse con el exterior, es un ser incapaz de mantener una mirada deductiva de su entorno. Es un hombre que responde exclusivamente a sus pulsiones básicas como son desplazarse, alimentarse, fornicar y matar, incluso, si esto último es hacia sus hermanos- al parecer el sentimiento de familia es demasiado sofisticado para Vargas, o por lo menos lo era antes de salir de la carcel. Todo ello, envuelto en el clima mas neutro, falto de ética cultural. En este sentido, las secuencias de salvajismo explicito (asesinato, sexo) son inmediatamente enfriadas por la siguiente; aveces literalmente ,como cuando Vargas sacia su urgencia sexual básica para acontinuación comerse un helado mirando el infinito.
El motor de la acción es la peregrinación de retorno de Vargas a lo mas hondo de la naturaleza. Desde una urbe de habitantes resignados a su condición que se comunican con escuetos “bueno” “bueno”, hasta llegar a una realidad brutal, en tanto es totalmente carente de sentimentalismo. El conflicto reside justamente allí, en un aparente “cariño” de Vargas hacia su hija, pero incluso este parece superficial y forzado. Tal vez por esta razón es que la cinta nos priva del reencuentro, simplemente no estaba en la naturaleza de la película.

Tropical Malady

2005-08-04T21:50:00.000-07:00

Se suele caer en el lugar común de decir que "cierta película es en realidad dos películas"; pero Tropical Malady hace de tal comentario una obligación. Sucede que cerca de la mitad del metraje los hilos narrativos comienzan a atarse seguidos de una pantalla que se va a negro y que se queda así por varios segundos; para luego comenzar a contar una historia casi totalmente distinta; donde el supuesto nexo parece una cuchufleta cruel a la idea de que una historia debe ser conexa siempre.

La película de Apichatpong Weerasethakul maquina el mejor plan para llevar a cabo con éxito una radicalidad: enfrentantarla cara a cara a un costumbrismo y una vez pasado un rato, de golpe retirarlo del duelo y dar rienda suelta a la ambiguedad.

Así se produce la rebelión interna en lo que se supone es "una sola" película; las zonas de incertidumbre aniquilan a los de verdades transparentes haciendo de la pieza una masa orgánica y de núcleos múltiples.

Tropical Malady se permite a sí misma ser una película que no responde.

THE BIG DURIAN O RECONSTRUYENDO MALASIA

2005-08-04T17:56:00.000-07:00

THE BIG DURIAN es una experiencia gratificante en cuanto lectura agil y contrapunto ironico de la constante pesades y exagerado tono autocomplaciente y martiriologico de las obras documentales ( ya sean seudo docuemtales, docudramas o documentales con mayuscula y tono doctrinal)el director Amir Muhammad instala un discurso que se desplaza por los últimos años de historia politica malaya - proceso confuso y erratico para los ojos de cualquier neofito en la materia - mediante un sistema sospechosamente documental.

Aprovechando un acontecimiento puntual en la historia reciente de Malasia en donde un soldado del ejercito aparentemente enloquecido disparo y mato a un transeunte sin mediar justificación alguna - una suerte de francotirador surrealista sin el tono farsamente poetico dque poseia el de Buñuel en el Fantasma de la libertad - Muhammad desarrolla en base a una serie de entrevistas a sujetos de todas las edades y razas variadas una reconstrucción del acontecimiento, que por su tono irónico es más bien un desesperado -pero alegremente cinico - intento por intentar comprender y develar la extrañas formas que la politica gubernamental ha adquirido en su país.

Estrategia del astuto circunloquio retórico, laberinto pop de entrevistas, fotos fijas, disgreciones sobre series de televisión, opiniones tan personales que parecen no tener ninguna valides, apariciones en cámara del propio Muhammad y un par de secuencias misteriosas de una atractiva joven sentada en una habitación mal iluminada, ofrecen un punto de vista bastante singular sobre una realidad que finalmente no parece tan distante a fin de cuantas todo habitamos Malasia.

DEMI TARIF O EL SINDROME HACHIKO

2005-08-04T17:33:00.000-07:00

Hachiko es el pequeño perro que murio esperando a un amo que nunca pudo regresar a buscarlo. En el lugar en donde el animal yacia dias tras dia los japonenses construyeron un monumento en su honor y ahora es el sitio de reunión en Tokyo.

Demi arif es la opera prima de la francesa Isild le Besco la cual con solo 18 años construye este filme con una duración de 63 minutos ( incomoda situación para los distribuidores que no sabran en que sección ubicarla, demasiado larga para un mediometraje y un poco corta para un largo...algunos espectadores enfurecen si a cambio de su dinero no se les entrega una duración de 90 minutos como minimo, son por otro lado los mismos que leen novelas enormes y compran discos con muchos temas) que narra de manera extrañamente seductora un fragmento de tiempo en la vida de tres pequeños aparentemente abandonados por su familioa que viven y sobreviven en un departamento en Paris.

Recurriendo a un formato de apariencia hiperrealista y cercano al documental - incluyendo diversos desenfoques y una melancólica voz off que nunca descubrimos con certeza si pertenece a alguna de las niñas o a un narrador-camarografo fantasmal - Isild le Besco nos somete a una extraña y en ocasiones perturbadora experiencia que concentra su mayor potencia en la capacidad de nunca develar el enigma que cruza este relato : ¿ quien cuida de estos niños y que sin embargo nunca contemplamos? .

Los adultos son despojados de la existencia infantil sin el tono trágico y melodramatico que acompaña generalemente a estas historias. Los tres niños se desplazan con inusual soltura por la ciudad - tanto de día como de noche- habitan su metro, sus cines, las tiendas que saquean sin compasión en busca de dulces y galletas (alimentos indispensables en la existencia de cualquier infante digno de su nombre), se visten, asisten al colegio, asaltan las mochilas de sus compañeros, roban la cocina de la institución y engañan sin pudor a todo adulto con el cual se cruzan.

La melancolia sin embargo no esta ausente, aquella sensación de angustia que acompaña a la espera constante de alguien que nunca conoceremos y que finalmente tampoco deseamos conocer, pues en su ausencia el enigma pervive. Vida de niños, sin sentido, un anomalo homenaje al buen salvaje ilustrado, lectura perversa y amable del histerico Rousseau.

"Wild side", el lado salvaje de no saber nada

2005-08-04T11:04:00.000-07:00

El nombre de la película llama a sexo, drogas y una película juvenil a la francesa. Sin embargo, desde el comienzo del film, nos va metiendo en la vida de un transexual con ya unos años de serlo, con pareja rusa, y que vuelve a ver a su madre que se está muriendo, luego de 17 años, al lugar donde pasó toda su infancia como niño, junto a su hombre. Sus viajes a París a vender su cuerpo continúa haciéndolos de vez en cuando. Pero la película no se preocupa de la historia, solo nos muestra la vida de Pierre (el transexual) y sus recuerdos de infancia.

Los silencios abundan y se torna una película a la francesa típica, pero eso no molesta, o más bien molesta como quiere molestar, desde un plano sicológico. La llegada de otro amante de Pierre a la casa enreda las cosas algo más para la convivencia entre los tres, más los miedos ocultos que tiene su madre por su condición y estilo de vida que respeta a la voz, pero que por dentro no acepta con tal naturalidad, sumado a la difunta figura paterna y su moral que se hace presente en sus mentes y que no habría permitido la vida de Pierre Es de esas películas que no te permiten saber qué son los personajes, ya que en la vida real nadie es solo una cosa, pero te deja adentrarte en ellos desde un cómo son, e ingresar en sus ambigüedades, que es lo que la torna interesante. Por otro lado, las escenas de sexo homosexual, también son más sicológicas que sentimentales. No te dicen lo que quieren mostrarse, solo se muestran, sin música, y son muy físicas más que afectivas. Todo en la película es así, frío y no te dirige a ningún sitio, ni siquiera los personajes se pueden comunicar de manera fluida, debido a los idiomas diferentes que manejan.

Es una de esas película que pueden entrar al género “terminan cuando desean”, y hay dos estilos en este tipo de películas, las que el espectador quiere que se acaben luego y las que desea que continúen. Yo quería un poco más de película.

"The lords of Dogtown" o HANSON sobre el Skate

2005-08-04T10:08:00.000-07:00

California, 1975, un ghetto, cuatro adolescentes rubios y bandalos que montan el skate de una manera impresionante, mucho Jimy Hendris y Pink Floyd, chicas hermosas que los idolatran, fama y una amistad que no se quiebra con nada. Ahí nos sitúa la película, no hay mucho más que aquello. Todo, por su temática, se vuelve dinámico, sin pausas y se convierte en clichés de esta historia, que es basada en una real. Es muy entretenida, no hay momentos para aburrirse dentro de la sala. Todo siempre está en movimiento intenso, hagan lo que hagan, pero no deja momentos para una, que sea, pequeña reflexión. Probablemente no haya sido la intención de Catherine Hardwicke (directora), pero daba para pausas, ya que los momentos más interesantes se dan cuando la amistad de estos chicos se va quebrantando por los distintos rumbos que les va dando la carrera de skaters; pero todo sigue siendo de ahí en adelante lucha de egos y fuerza.La película con el paso de los minutos se va estableciendo. Su estilo de cámara documental callejero permite un montaje desordenado; su estilo competencia deportiva ESPN permite uno más intenso. Todo eso sumado a su fotografía granulienta nos adentra en los sitios desde el punto de vista visual, y hay que decirlo, está muy bien lograda. Todo rápido y con música de fondo. Lo otro rescatable es que logra mantenernos al día con cada uno de los personajes al momentos que siguen rumbos distintos, ya que es una película del “equipo”, pero finalmente todo vuelve a cerrarse de manera muy obvia y unilateral.
Para pasar un rato bastante entretenido, para gente amante del skate y la velocidad, para escuchar la música con la que nos han ambientado todas las películas de esa época y para ver a los hermanitos Hanson sobre un monopatín.

"Tarnation" o el documental según MTV

2005-08-04T06:47:00.000-07:00

Ayer, se estrenó una de las obras más esperadas en el SANFIC, "Tarnation" de Jonathan Caouette, un documental sobre la vida del propio realizador y su madre esquizofrénica.

Caoutte nos muestra su vida y la de su familia al estilo de un diario de vida, transparente y en primera persona, pero esta supuesta transparencia es puesta en duda en cada momento. El tipo de montaje e imagen utilizado, propio del video clip, no nos deja ver más alla de lo que uno supone es un diario intimo filmado y grabado a lo largo de su trágica vida.

Sin duda los momentos más conmovedores están asociados a los segmentos más naturalistas, esos momentos donde practicamente no existe la edición, donde el tratamiento de la imagen está ausente, donde el personaje se nos muestra tal como es frente a un espectador asombrado por lo que ha visto.

Sin duda nos recuerda a "Capturing the Friedmans" (2003) de Andrew Jarecki, e incluso a "Diaries, Notebooks and Sketches" (1969) de Jonas Mekas, film donde interesaba el aspecto formal que de una otra forma coloca en tela de juicio el modo de construir un documental.

"Tarnation" es un documental recomendable, es un complejo y trágico diario de vida, pero lamentablemente suavizado como si se tratase de un programa para MTV.

VORAZ en festivales de cine

2005-07-29T08:17:00.000-07:00

Santiago Festival Internacional de Cine

Revista de Cine VORAZ estará presente durante todo el Santiago Festival Internacional de Cine, que se desarrollará en el Cine Hoyts de La Reina desde el 3 al 7 de Agosto.

Entérate de todo lo que sucede día a día en dicho certamen, asi como de los estrenos exclusivos que se ofrecerán en él.

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